电影声音制作实用技巧 第4版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 大卫·路易斯·耶德尔（David Lewis Yewdall） 著，黄英侠 译

图书标签:

• 电影声音
• 声音设计
• 录音
• 混音
• 后期制作
• 电影制作
• 实用技巧
• 第4版
• 音效
• 对白

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115469465

版次：4

商品编码：12371512

包装：平装

开本：16开

出版时间：2018-06-01

用纸：胶版纸

页数：544

正文语种：中文

产品特色

编辑推荐

基于作者本人和诸位知名声音设计师的经验，坚定着眼于实际操作，在传授实用技巧的同时也包含了对于创造高超艺术声音经验的赏析，它从声音设计师的角度来解析声音，包含了不少令读者走出声音制作困境的实用建议。本书对影视声音制作的讲述深入浅出，整本书给人感觉平易近人，实用性和指导性非常强，是一本从初学者到知名电影人都应该阅读的著作。

内容简介

本书囊括了电影和电视声音制作的各个方面，侧重实际工作中的问题与解决方案。本书为你展示了如何在预算少、设备缺乏、录音条件不佳的情况下制作出优秀的声音。基于作者和其他知名声音剪辑师们的经验和实际操作技巧的坚实基础，本书提供了实际的案例和相关技术数据，还涉及创作艺术化声音体验的应用过程。本书从声音部门至关重要的创作人员的角度检视声音，不仅描述了当代的实际操作，而且提供了实际建议，带领读者绕过无数的陷阱。
本书附带的DVD光盘中包含来自作者个人声效库的超过1000个声效文件，同时本书的配套网站提供了实际的范例、上百种图表、照片和练习，《电影声音制作实用技巧（第4版）》将奉献给你一部整体套装（详见附录3）。
本书作者大卫·路易斯·耶德尔（David Lewis Yewdall）是一位制作了超过140部电影声音的老手，多数作品都收录于互联网电影资料库IMDB网站中。他自1984年始即是美国电影艺术与科学学院（Academy of Motion Picture Arts and Sciences，AMPAS）的成员，自1986年始成为美国电影声音剪辑师协会（Motion Picture Sound Editor，MPSE）的会员，同时还是2000—2010年美国北卡罗来纳艺术学院教师中的一员。

作者简介

本书作者大卫·路易斯·耶德尔（David Lewis Yewdall）是一位制作了超过140部电影声音的老手，多数作品都收录于互联网电影资料库IMDB网站中。他自1984年始即是美国电影艺术与科学学院（Academy of Motion Picture Arts and Sciences，AMPAS）的成员，自1986年始成为美国电影声音剪辑师协会（Motion Picture Sound Editor，MPSE）的会员，同时还是2000—2010年美国北卡罗来纳艺术学院教师中的一员。

目录

第 1章　声音的能力 1
第 2章　我们业余的初始 5
2．1　早期的应用 7
2．2　对布鲁斯·坎贝尔（Bruce Campbell）的采访 9
2．3　培养你的眼睛和耳朵去观察、探听 14
2．4　保护你最珍贵的财产 15
第3章　传统的消失和新时代的到来 16
3．1　传统的消失 16
3．2　程序的演变 18
3．3　如何达到这一步？ 20
第4章　成功还是失败：决定于摄影机转动之前 21
4．1　理解声音的艺术形式 24
4．2　“间接的”威胁随时会出现 25
4．3　保了芝麻丢了西瓜 27
4．4　积累基础常识 28
4．5　临时混录 30
4．6　细读合同条款 31
4．7　但是，你说它应该便宜些！ 33
4．8　预算基础 33
4．9　消失的声音导演 44
4．10　斯科特·伯恩斯（Scott Byrns）和保罗·热弗雷（Paul Geffre） 45
4．11　理查德·克莱博（Richard Clabaugh）和约翰·鲁什顿（John Rushton）［红狼（Crimson Wolf）制片公司］ 46
第5章　拍摄现场的挑战 52
5．1　同期录音团队 53
5．2　同期录音的步骤 55
5．3　基本录音设备 56
5．4　模拟还是数字 57
5．5　备份磁带 58
5．6　参考电平 58
5．7　录音报告 60
5．8　话筒和指向性图 63
5．9　“智慧”拍板 70
5．10　棚内话筒杆 71
5．11　减震架和防风罩 71
5．12　鱼竿式话筒杆 72
5．13　好的举杆技巧 73
5．14　使用无线话筒 75
5．15　录制房间音和非同步声音 76
5．16　分开有源声 77
5．17　X-Y话筒配置 78
5．18　立体声极头话筒 80
5．19　现场录音监听的幻觉 80
5．20　多声道混录 82
5．21　实际录音中的耳机对话 82
5．22　在雪中录音的危险 84
5．23　用话筒杆所以灵活 85
5．24　“视觉”导演和电影摄影师应该形成的观点 91
5．25　终 极目标和挑战 94
第6章　从现场到洗印厂 95
6．1　转录工序 95
6．2　数据是金子 103
6．3　35mm电影胶片的变体 103
6．4　标准电平（Line-up Tones） 105
6．5　时间码：讨厌的电子蟋蟀 107
第7章　画面剪辑和声音媒介的使用 114
7．1　绝 对的堡垒 114
7．2　从洗印厂到剪辑台 114
7．3　胶片的头和尾牵引片 116
7．4　编码记录本 120
7．5　浪漫神话的危险 122
7．6　保险的力量 122
7．7　利安德·塞尔斯（Leander Sales） 123
7．8　马克·高德布拉特（Mark Goldblatt）A．C．E．（美国电影电视剪接师协会会员） 124
7．9　节省成本和高价失误 125
7．10　快速完成主角度的拍摄 126
7．11　非线编问题 128
7．12　声音和画面剪辑师 129
7．13　霍华德·史密斯（Howard Smith）A．C．E（美国电影电视剪辑师协会会员） 132
7．14　一连串机遇 134
7．15　罗恩·鲁斯（Ron Roose） 137
7．16　接触它—体验它 139
7．17　寻找步入剪辑工作的途径 140
7．18　更多的有色人种技师 142
第8章　临时混录和试映：一种批评的客观视角 144
8．1　试映 144
8．2　临时混录的用途 146
第9章　为声音和音乐制作拉片 149
9．1　评估同期声带 149
9．2　最初的临时音乐和声效 150
9．3　“看片”之后 151
9．4　需要精 确的记录：一种法律文书 151
9．5　声音监督的“圣经” 152
9．6　拉片过程 153
9．7　有何可能的启示 154
第 10章　定制声效录音真正又有趣又冒险 156
10．1　定制录音的冒险 160
10．2　为什么要有定制录音的专家？ 162
10．3　声音剪辑师录制自己的素材 164
10．4　剧本分解的重要性 183
10．5　以5．1声道录制现场声 184
10．6　为成功的录音做准备 186
第 11章　声音资料员：声音帝国的管理员 189
11．1　本章序幕 189
11．2　定制录音新的声效 189
11．3　“找到它”方法的改进 190
11．4　从光学声带到磁性胶片 190
11．5　形成一个系统来寻找内容 193
11．6　存档的稳定性 194
11．7　音频文件的基本清理 198
11．8　复杂声效的母版制作 200
11．9　声音文件协议 206
11．10　多声道母版制作技巧 207
11．11　多声道母版制作 208
11．12　声效目录数据库 211
11．13　传统目录数据库 215
11．14　将库升级到96kHz/24-bit 217
第 12章　声音设计：传说与现实 219
12．1　“大声效”（Big Sound） 220
12．2　美国声音设计 221
12．3　声音设计的错误信息 223
12．4　鲍勃·格利夫（Bob Grieve）和西部片 225
12．5　设计与一团糟之间的差异 227
12．6　巨大的枪声 234
12．7　什么使爆炸更大 235
12．8　对细节的满意 236
12．9　真实之于娱乐 236
12．10　“环境化”（Worldizing）的声音 238
12．11　《十万火急》（Daylight）中的环境化 242
12．12　需要考虑的一些忠告 242
12．13　制作约翰·卡朋特的《怪形》 243
第 13章　声音剪辑：同步-同步，剪-剪 245
13．1　声音剪辑团队的组成 246
13．2　策略的酝酿 252
13．3　哪种准备技巧？ 258
第 14章　声音剪辑：超低成本的策略 281
14．1　受到“你不知道你不知道什么！”之苦 282
14．2　声音方面的忠告 283
14．3　同期声 283
14．4　声音编辑策略 289
14．5　向剪辑师与混录师结合的演变 292
14．6　雄心大—手头紧 296
14．7　保持紧张—精益求精 297
14．8　重新思考创作的连续性 299
14．9　不要忘了M&E;（音乐和声效） 301
14．10　解决超低成本难题的范例 302
14．11　奇尼·凯伊（Kini Kay） 304
14．12　底线 307
第 15章　对话剪辑：好莱坞的无名英雄 308
15．1　后期制作之前的质量控制 308
15．2　对话剪辑策略 309
15．3　对话顺序单（Dialog Sequence Sheets）或剪辑决定单（EDL） 309
15．4　自动套底：OMF还是相位匹配同步 312
15．5　从影片的原始素材重新转录对话 314
15．6　套剪对话声轨的策略 316
第 16章　ADR和配音使口型保持同步 325
16．1　ADR 327
16．2　正确使用语言 333
16．3　配音ADR台词 336
16．4　ADR录音棚：团队 345
16．5　话筒的选择及布置 347
16．6　ADR保护报告 348
16．7　ISDN远距离通信联锁 348
16．8　循环圈录音的回归 349
16．9　亚力山大·马可斯基（Alexander Markowski） 354
16．10　非人类声音的配音 358
16．11　剪辑ADR的技巧 360
第 17章　动效：脚步声、道具声和运动时衣服声音的技艺 362
17．1　杰克·弗利（Jack Foley） 362
17．2　现代动效 365
17．3　这是真的地面 367
17．4　道具室 372
17．5　动效剪辑监督 376
17．6　强调动作的创作 377
17．7　领衔动效师的选择 378
17．8　突破声音障碍的电视 379
17．9　在动效过程中监督 381
17．10　动效提示单 383
17．11　剪辑动效 388
17．12　最终全部合成 394
第 18章　作曲家：是声音的合 作者，还是混乱与破坏者 396
18．1　为银幕作曲的挑战 397
18．2　尽早定下音乐作曲家 399
18．3　基本机制 400
18．4　巴索·普列多斯（Basil Poledouris） 401
18．5　电影作曲的观念 403
18．6　音乐剪辑师 406
18．7　洞察力的优雅游戏 408
18．8　影响创作的类似问题 408
18．9　美国境外销售的指标 409
第 19章　混录棚——预混和终混 411
19．1　混录 411
19．2　机架 413
19．3　混录师 417
19．4　预混：战术流程 419
19．5　调音台的新领队 422
19．6　谁在真正管理混录？ 424
19．7　适当的礼貌与配合 425
19．8　混录磁底 426
19．9　国际声带 430
19．10　混录动作片《特工绍特》（Salt） 431
第 20章　同期声四种数字便携录音机 436
20．1　Zaxcom Deva 5．8和Deva 16 436
20．2　SOUND DEVICES数字录音机 439
20．3　FOSTEX PD-6数字录音机 442
20．4　AATON CANTAR-X数字录音机 447
20．5　最终目标和挑战 455
第 21章　值得尊敬的Nagra IV-S（模拟）录音机 456
21．1　实用的Nagra专业录音机 456
21．2　电池供电 458
21．3　速度和EQ选择 459
第 22章　正在出现的技术 声音的复原与着色 479
22．1　从5．1到6．1以及更高 479
22．2　质量控制的游戏 482
22．3　沉浸式的机会 483
22．4　音频复原 485
22．5　着色处理：来自内心的偏见 490
22．6　互动游戏的声音设计部门 502
22．7　视频游戏业的声音 504
22．8　一切都取决于你 529
附录1　词汇表 530
附录２　本书附赠DVD相关信息 536
DVD——如何使用本光盘 536
附录３　本书配套网站 539
如何使用网站 539
附录４　如何转换音频文件 542
法律提示 544

《视觉叙事与光影构建：数字影像的深度解析》 内容简介 本书深入探讨了数字影像制作领域的核心理论与实践技巧，旨在为电影制作人、摄影指导、后期制作专家以及对视觉艺术有浓厚兴趣的读者，提供一套全面且具有前瞻性的知识体系。不同于侧重于特定技术环节（如声音设计）的专著，本书将焦点完全置于影像的语言、光线的运用以及场景的构建上，致力于提升读者对“如何用画面讲述故事”的理解和执行能力。 全书共分为七大部分，系统地梳理了从前期视觉概念的形成到后期数字合成的完整流程，尤其强调了艺术洞察力与尖端技术相结合的重要性。 --- 第一部分：影像叙事的哲学基础 本部分首先确立了视觉叙事在当代电影中的核心地位。我们探讨的不是声音如何辅助画面，而是画面本身如何成为叙事的主体。 叙事的光学原理： 分析经典电影案例中，镜头运动、景别选择如何潜移默化地影响观众的情感共鸣和信息接收速度。深入研究“凝视”理论在不同文化背景下的视觉接受差异。 构图的心理学基础： 超越传统的“三分法”，探讨黄金比例、负空间（Negative Space）在制造视觉张力与引导视线流向中的作用。讨论如何利用视觉重量和对角线结构来暗示冲突与和谐。 色彩理论与情绪映射： 详细阐述色轮理论在数字影像调色中的实际应用。重点分析特定色调（如青色-橙色、高调/低调）如何直接与角色的心理状态、环境的氛围形成强关联。不涉及声音对情绪色彩的叠加影响。 --- 第二部分：光线的雕塑艺术：照明设计进阶 光线是电影的骨架。本部分完全聚焦于如何在三维空间中精确地“雕刻”场景，使光影成为故事的有机组成部分。 自然光与模拟： 研究日光在不同时间、不同地理位置的物理特性，以及如何使用高效的灯光设备和反射板，在室内精确地模拟出特定时刻的自然光。重点分析窗口光、顶光在塑造角色面部立体感上的细微差别。 三点布光法的解构与重构： 不仅讲解主光、辅光、轮廓光的标准配置，更侧重于如何通过改变光的硬度（柔光箱、格栅、纱片）和角度，来表达角色的道德立场或内在矛盾。 环境光的整合与控制： 探讨如何将现场光源（如霓虹灯、屏幕光、火焰）有效地融入画面，并确保它们在数字合成阶段能与后期添加的光效无缝衔接，保持物理真实感。 --- 第三部分：镜头语言与镜头运动的精准控制 本部分旨在提升操作者对焦段、光圈和运动轨迹的掌控力，使每一次镜头选择都服务于叙事节奏。 焦段的叙事选择： 对广角（夸张空间感）、标准（还原人眼视角）和长焦（压缩空间、隔离主体）进行深度对比分析。特别关注超长焦在特定戏剧场景中营造的压迫感。 景深在焦点叙事中的应用： 讨论大景深（Deep Focus）如何允许观众自主选择关注点，以及浅景深（Shallow Focus）如何强制观众聚焦于角色的细微表情变化。 运动镜头的动态美学： 详尽分析摇摄（Pan）、移摄（Tilt）、跟拍（Tracking）和斯坦尼康（Steadicam）在传达主观体验和客观观察之间的微妙平衡。探讨无人机镜头如何打破传统运动的物理限制，构建宏大视角。 --- 第四部分：数字成像原理与感光介质模拟 本部分深入技术核心，关注数字传感器的工作原理以及如何模仿传统胶片的质感。 传感器与动态范围： 解释CMOS/CCD传感器的工作原理，重点解析“动态范围”的概念，以及如何在曝光设定中最大化保留高光和阴影区域的细节。 噪点与纹理的控制： 区分“有用噪点”（如胶片颗粒的模拟）与“无用噪点”（数字伪影）。教授如何通过降噪工具和纹理叠加技术，为数字素材注入特定的“年代感”或“粗粝感”。 色彩空间与工作流程： 详细介绍Log格式的原理及其在后期调色中的优势，对比Rec.709、DCI-P3等主流色彩空间标准，确保从拍摄到显示的一致性。 --- 第五部分：场景构建与美术指导的视觉协同 影像的成功不仅依赖于摄影师，更依赖于与美术部门的无缝合作。 场景的视觉密度分析： 如何评估一个场景中元素的丰富程度，避免画面“过载”或“过于空洞”。 道具与服装的色彩语汇： 分析特定纹理和道具的选择如何增强环境的可信度，以及服装色彩如何在不喧宾夺主的情况下，与场景的整体调性保持一致。 微缩景观与数字背景的融合： 探讨传统的小型实景模型与后期合成的数字环境（Matte Painting）如何进行优化匹配，确保光影过渡的自然。 --- 第六部分：后期调色：实现最终视觉意图 本部分是视觉制作的收官之战，专注于使用专业软件工具来精确执行前期的视觉蓝图。 调色流程的节点管理： 建立从初级校正（白平衡、曝光平衡）到次级调色（肤色校正、风格化）的系统化步骤。 遮罩技术与局部控制： 详细介绍如何使用Power Window、HSL选择器等工具，对画面中的特定对象（如人物面部、天空）进行精细化处理，而不影响整体风格。 电影级Look的标准化与输出： 探讨LUTs的创建、应用与反向工程，确保最终成片在影院、电视及流媒体平台上的视觉一致性。 --- 第七部分：前瞻：沉浸式影像与虚拟制作的视觉挑战 展望未来的制作趋势，本书关注如何将二维的视觉语言拓展到新的维度。 虚拟制片（Virtual Production）的布景优化： 在LED墙环境中，如何根据摄像机运动预设虚拟背景的光照参数，避免“平面感”。 HDR与宽色域的视觉升级： 探讨比传统SDR更高的亮度与更丰富的色彩对观众体验的颠覆性影响，以及在制作中需要注意的“溢出”控制。 空间视频与交互式叙事的光学布局： 初步探讨针对VR/AR环境的镜头设计理念，强调在360度空间中引导观众注意力的新的视觉策略。 本书旨在提供一套纯粹聚焦于图像生成、光线运用和视觉语言表达的专业指南，帮助读者在数字电影时代，打造出具有强大感染力和技术深度的视觉作品。

评分☆☆☆☆☆

老实说，市面上关于音频制作的书籍汗牛充栋，但很多都流于表面，或者内容更新缓慢。这部作品之所以脱颖而出，在于它对“现场录音”和“后期整合”之间张力的探讨达到了一个前所未有的深度。作者并没有把后期制作描绘成一个可以弥补所有现场错误的“魔法工厂”，而是强调了现场素材质量的决定性作用。书中关于麦克风的选择、摆位策略以及如何应对复杂的现场噪音环境，提供了大量实战性的建议，这些建议的精确度高到令人咋舌，比如在嘈杂街道上收录对白时，如何利用建筑物边缘进行声学反射来“隔离”目标声音。更妙的是，作者随后将这些现场素材带入后期，详细演示了如何通过精细的噪声抑制和声场匹配技术，将不同来源的声音无缝融合在一起。这种从源头到终点的完整链条式教学，让读者能够建立起一套贯穿始终的质量控制思维。对于那些需要在有限资源下完成高品质制作的独立电影人来说，这本书无疑是提升效率和质量的最佳指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的，是一种对艺术完整性的执着追求。它不仅仅是一本技术手册，更像是一篇关于电影声音美学的宣言。书中花了大量的篇幅讨论“留白”的艺术，也就是什么时候“不加声音”比添加任何音效都更具力量。作者通过对一些大师级作品的解构分析，揭示了沉默在叙事中的强大作用，这是一种非常高级的技巧，往往是那些只关注于堆砌音效的初学者所忽视的。书中还非常前瞻性地探讨了沉浸式音频（如杜比全景声）不仅仅是增加声道数量的问题，而是一种全新的空间叙事语言，它要求声音设计师从观众的“位置”出发去构思声音的运动轨迹。这种理论高度和实践结合的深度，使得这本书即便在几年后依然保持着极强的生命力。它教会我，电影声音制作的最高境界，是让观众忘记声音的存在，却让他们全身心地沉浸在那个由声音构筑的、真实可感的虚拟世界之中，这对于每一个有志于此的创作者来说，都是一个值得反复研读和思考的终极目标。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，它完全颠覆了我对传统技术书籍那种枯燥乏味的刻板印象。作者在深入探讨后期混音的复杂性时，所采用的类比和举例都非常巧妙，让那些原本晦涩难懂的动态范围压缩、均衡器设计等概念变得像听故事一样引人入胜。我尤其欣赏它对“声音叙事”这一核心理念的强调。很多初学者都容易陷入追求“酷炫音效”的误区，而这本书却始终提醒我们，声音的终极目的是为故事服务。书中通过几个经典电影片段的案例分析，细致入微地展示了声音如何悄无声息地推动情节发展、塑造人物内心。比如，在某个关键角色的独白场景中，背景环境音如何微妙地变化，从而暗示他情绪的波动，这种对细节的关注度令人叹服。此外，作者还分享了大量关于不同录音棚布局对最终效果的影响，以及如何根据预算和场地特点来权衡取舍的经验谈。这些都是在任何软件手册里都找不到的，是无数个日夜打磨出来的真知灼见，对于希望将自己的作品提升到专业水准的从业者来说，这份真诚的经验分享价值千金。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我本来还有点担心它会不会过于偏重某一种特定的数字音频工作站（DAW），毕竟市场上的软件五花八门。但让我惊喜的是，作者的视野非常开阔，他成功地建立了一个超越软件平台的通用声音哲学框架。书中讨论的原理，无论是关于声学物理基础还是听觉心理学，都具有极强的普适性。特别是关于立体声与环绕声场构建的那几个章节，作者用图示结合文字的方式，清晰地解释了如何利用相位和延迟来“欺骗”人脑，从而营造出逼真的三维空间感。我试着按照书中的指南，在我的家庭影院系统上重新混制了一个短片中的雨景，效果简直是天壤之别。以前的声音是平面的，这次的声音听起来像是真的雨点在我的房间里落下，能清晰分辨出远处的雷声和近处的滴水声。这不仅仅是技术上的突破，更是对我们如何感知世界的一种重新教育。这本书不仅教会了我“做什么”，更重要的是教会了我“为什么这样做”，这种底层逻辑的梳理，让我面对未来的任何新技术挑战时，都能保持清晰的判断力。

评分☆☆☆☆☆

这部书真是让我大开眼界，尤其是对于像我这样刚入行的新手来说，简直就是一本“救命稻草”。我记得我刚开始接触声音设计的时候，面对那些复杂的软件和术语简直是晕头转向，完全不知道从何下手。这本书的讲解方式非常贴近实际操作，它没有那种高高在上的理论说教，而是非常务实地一步步带你走进电影声音的世界。书中对环境音的捕捉和构建那段，让我印象特别深刻。作者详细地描述了如何利用一些看似不起眼的日常物品来创造出极具张力的音效，比如用大米摩擦制造沙土飞扬的感觉，或者用特定的乐器模拟爆炸的余波。这种“动手做”的指导，让我立刻就能在自己的小工作室里尝试起来，那种成就感是看再多视频教程也体会不到的。而且，它对于不同场景下声音的侧重点也分析得头头是道，比如在紧张的追逐戏中，声音的节奏感和空间感如何影响观众的心跳，这些细节的把控，这本书都讲透了。我感觉读完这本书，我的耳朵似乎都变得更敏锐了，看电影的时候，我不再只是被画面吸引，而是开始下意识地分析和欣赏那些隐藏在幕后的声音设计大师们的杰作，这种观影体验的提升，真是无价之宝。