瓦格纳与《尼伯龙根指环》：音乐学写作工作坊专题文论汇编 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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韩锺恩 编

图书标签:

• 瓦格纳
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• 音乐理论
• 专题研究
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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787556601998

版次：1

商品编码：12182449

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-07-01

用纸：胶版纸

页数：228

字数：240000

正文语种：中文

内容简介

　　《瓦格纳与<尼伯龙根指环>：音乐学写作工作坊专题文论汇编》分为两大部分：瓦格纳专题和《尼伯龙根指环》专题。收录了多位青年音乐理论学者的文章，他们就瓦格纳歌剧、乐剧中的序曲、前奏曲进行研究，内容牵扯到主导动机音响结构谱系以及无终旋律与半音技法。还以瓦格纳四联剧：《尼伯龙根指环》为主题，从西方音乐史、作品分析、音乐美学、音乐人类学多学科的角度进行论述，具有较高的学术价值。

作者简介

　　韩锺恩，男，1955年3月5日出生上海，汉族。
　　音乐美学家，音乐批评家。中央音乐学院博士，上海音乐学院教授，音乐美学与当代音乐研究方向博士研究生导师。上海音乐学院国家重点学科音乐学专业音乐美学方向学科带头人。享受国务院政府特殊津贴。曾任上海音乐学院音乐学系系主任（2004—2015）、中国音乐美学学会会长（2005—2015）。
　　研究领域：音乐美学，音乐人类学，音乐哲学。音乐批评，当代音乐研究。
　　主要著述：数10年来，在音乐美学、音乐人类学、音乐哲学、当代音乐研究、音乐批评、音乐学学科建设等领域公开发表文论近600万字。主持编辑《中国音乐年鉴》10余卷及其他各类出版物1000余万字，创编《音乐人文叙事》。著有《音乐文化人类学》（与萧梅合作）、《临响乐品》、《音乐美学与审美》、《音乐美学与文化》、《音乐美学与历史》、《音乐意义的形而上显现并及意向存在的可能性研究》以及增订版、《守望并诗意作业》、《声音经验的先验表述》、《音乐美学与音乐作品研究》、《音乐人文叙事100则》、《音乐学写作》等等。主编《音乐存在方式》、《中国音乐学经典文献导读》音乐美学卷、《音乐美学基础理论问题研究》、《20世纪中国音乐美学问题研究》、《音心对映论争鸣与研究》（与李槐子合作）、《文献研读与研习》、《庆贺于润洋教授八十华诞学术文集》（与王次熠合作）、《循着悲情肖邦的步履遥望肖邦悲情——于润洋（悲情肖邦）并肖邦相关问题专题研讨会文集》、《音乐学写作与范文导读》等等。

内页插图

目录

瓦格纳专题
学会提问并依此结构书写音乐中的声音
“不合时宜的沉思”——瓦格纳成名作《黎恩济》序曲之媚俗的现实与媚雅的幻象
从“荷兰人、森塔动机”中窥视瓦格纳主导动机的创作
戏剧至上的理念——论《唐豪塞》序曲中管弦乐与曲式结构的作用和地位
探寻瓦格纳歌剧“交响化创作思维”在序曲中的体现——对《罗恩格林》第一幕前奏曲的分析
时间悬停之处——从瓦格纳乐剧《特里斯坦与伊索尔德》前奏曲的“渴望动机”说起
《纽伦堡的名歌手》序曲“特殊”聆听感从何而来
无自我的湮没，无需自我的沉沦——针对瓦格纳乐剧《女武神》终曲的美学探讨
那里是否存有“罅隙”？——针对《齐格弗里德葬礼进行曲》主导动机相关问题的探讨
骆驼、狮子、孩童：生命成长三向度——从前奏曲看瓦格纳《帕西法尔》的创作风格
《尼伯龙根指环》专题
《尼伯龙根指环》多学科专题论坛
瓦格纳《尼伯龙根指环》音乐语言与戏剧观念的变化——创作中断前后比较
《指环》与象征主义——以《齐格弗里德》中的音乐象征手法为例
作为结构方式的无终旋律刍议并及瓦格纳音乐结构观探讨——以四联剧《指环》的两幕场景为对象
交响性的戏剧戏剧性的交响——针对《齐格弗里德》终场与《齐格弗里德牧歌》的分析
“献祭”之隐喻——《众神的黄昏》终场的多层声音与多重感知
何以构建的绝对——针对瓦格纳乐剧《女武神》终曲的二次探讨
一位人类学家的目光：克劳德·列维一斯特劳斯论神话与音乐
半熟·惠流·动静——瓦格纳《尼伯龙根指环》的实验音乐民族志
编后记

好的，这是一份为您的图书《瓦格纳与<尼伯龙根指环>：音乐学写作工作坊专题文论汇编》量身定制的、不包含该书内容的详细简介。 《巴洛克音乐的文本与语境：早期协奏曲的结构、情感与历史阐释》 本书导言：在宏大叙事之外的细微之声 本书汇集了十余位在巴洛克音乐研究领域深耕多年的学者和新锐研究者的重要成果，聚焦于17世纪晚期至18世纪中叶，特别是意大利和中欧地区协奏曲体裁的演变、结构创新及其与当时社会、文化语境的复杂互动。不同于将巴洛克音乐视为一个铁板一块的整体，本书旨在通过对特定作品类型、具体演奏实践和文本性阐释的深入挖掘，展现这一时期的音乐语言是如何在精致的结构、强烈的情感表达和不断更新的技法中寻求平衡与突破的。我们希望为读者提供一个多维度的观察窗口，理解协奏曲这一形式是如何从早期的“交替演奏”（alterno）模式，逐步发展成为巴赫、维瓦尔第等大师笔下标志性的多乐章结构。 第一部分：协奏曲的文本构建与结构原型 本部分着重于对协奏曲早期形态的文献学和结构分析。 第一章：早期协奏曲中“交替”原则的再审视 本章对17世纪末罗马和博洛尼亚地区出现的“协奏曲”（Concerto Grosso）体裁进行细致的文献梳理。研究者考察了Corelli等早期作曲家如何利用器乐组（Concertino）与合奏团（Ripieno）之间的张力来实现对话。特别关注了“对比”（contrast）的物理性体现——音量、音色和织体密度的即时转换，而非仅仅是主题材料的交织。文章通过对大量手稿的比较分析，指出早期协奏曲在速度标记和乐器配置上存在的显著不统一性，挑战了将早期协奏曲视为一种固定体裁的传统观点，强调其在实践中的流动性。 第二章：维瓦尔第协奏曲的“周期性”：动机的循环与乐章的统一 针对“红发祭司”维瓦尔第的协奏曲创作，本章深入剖析了其标志性的三乐章结构（快-慢-快）中蕴含的深层逻辑。研究者运用“动机分析”的方法，探讨了固定主导动机（ritornello）如何在不同乐章间进行转换、变形和重构，以达到一种超越表层形式的“周期性”统一感。重点分析了《四季》之外的数十部协奏曲，揭示了维瓦尔第在声部进行与和声行进中的个人化倾向，这些倾向往往超越了当时对协奏曲“清晰度”的要求。 第三部分：中欧的融合与情感的张力 随着协奏曲的向北传播，它开始与中欧的对位传统和新的情感表达需求相融合。 第三章：键盘协奏曲在德意志地区的本土化：从哥萨（Goossens）到巴赫的桥梁 本章聚焦于巴赫之前，如约翰·恩斯特（Johann Ernst, 萨克森-魏玛公爵）等宫廷乐师对意大利协奏曲的改编与吸收。研究者考察了键盘协奏曲（特别是羽管键）如何在中欧的音乐学院中被视为一种练习和教学工具，以及这些改编作品如何逐步引入了更复杂的对位技巧和更饱满的内声部线条。对比分析了意大利协奏曲的“朗诵性”与德意志协奏曲的“沉思性”。 第四章：巴赫的《勃兰登堡协奏曲》：多声部逻辑与叙事缺位 本章对巴赫的《勃兰登堡协奏曲》进行了细致的结构透视。不同于将它们视为“完美”典范的传统做法，本文着重于分析这些作品中“独奏组”与“合奏组”之间频繁的身份互换，以及其复杂的节奏动力学。研究深入探讨了第六号协奏曲中对低音乐器的强调，以及如何通过音域的压缩而非传统意义上的速度对比来制造戏剧性。分析指出，巴赫的协奏曲更多是一种精密的、自足的“音响建筑”，其“叙事性”更多体现在音响织体的内部逻辑，而非外部的情感或情节暗示。 第三部分：文本、语境与演奏实践 这一部分探讨了音乐作品的“可演奏性”、文献的误传以及音乐在特定社会场景中的功能。 第五章：协奏曲中的“修辞”：情感表达的符号与误读 本章探讨了18世纪音乐理论家（如马泰松、雪罗）对协奏曲“情感说”（Affektenlehre）的应用。通过对特定调式、特定乐器组合（如双簧管与中提琴的对位）进行符号学分析，作者试图还原作曲家在写作时所依赖的既定情感图谱。同时，对巴洛克晚期协奏曲中大量“装饰音”与“即兴创作”空间进行考察，讨论了“已定文本”与“演奏实践”之间的张力，以及现代演奏者在恢复历史准确性上的困境。 第六章：手稿与印刷：协奏曲流传中的文本变异 本章是本书的文献学核心。研究者比对了若干重要协奏曲（如Corelli和Tartini的部分作品）在不同时期手稿本与早期印刷本之间的差异。分析表明，抄写员的疏忽、作曲家本人的修订以及出版商为迎合市场需求所做的“优化”，都导致了协奏曲文本的复杂性。例如，某些乐章的尾声处理、独奏部分的增饰，在不同版本中出现了结构性的修改，这要求我们审慎对待每一份“权威版本”。 第七章：协奏曲的礼仪功能：从私人沙龙到公共庆典 最后，本章将协奏曲置于18世纪的社会背景下考察。协奏曲不再仅仅是为教会或宫廷仪式服务的音乐，它开始成为中产阶级沙龙和新兴公共音乐会的重要组成部分。研究者分析了不同乐器组合（如更突出独奏家技巧的编制）的流行，如何反映了听众品味的变化以及演奏者职业化的趋势。协奏曲的“竞争性”不仅体现在乐章内部的对话中，也体现在它在音乐会曲目选择中占据的地位上。 结语：巴洛克协奏曲的未尽之“语” 本书的收尾强调，巴洛克协奏曲作为一种成熟的艺术形式，其意义远超其结构上的精巧。它是一系列复杂的文化、技术和表达手段的交汇点。对这些作品的持续研究，要求我们不断质疑既有的标签，倾听那些隐藏在宏大对位织体之下的、关于早期现代音乐实践的细微之声。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，就像是一场久旱后的甘霖，对于渴望深入理解瓦格纳《尼伯龙根指环》的读者而言，它无疑是一份珍贵的学术馈赠。我期待的不仅仅是表面的故事复述，而是对这部巨著背后音乐学原理的深刻剖析。尤其是我对于瓦格纳在音乐中构建的那些庞大而精密的结构感到着迷。我想了解，那些看似不经意的旋律片段，是如何在全剧的宏大叙事中起到骨架的作用，它们是如何通过“动机”的运用，将不同乐章、不同场景的人物情感、戏剧冲突、乃至哲学理念巧妙地串联起来。这本书的“工作坊”性质，让我联想到的是一种高度互动的学术氛围，我相信其中会充斥着对音乐细节的细致考证，以及对音乐语言的创新性解读。无论是和声的色彩，还是配器的技巧，亦或是节奏的张力，我都希望书中能有令人耳目一新的分析，揭示瓦格纳在音乐创作上的独特匠心。对于这部作品中那些被反复提及的“哲学命题”，我同样充满期待，希望能通过音乐学的视角，理解这些抽象概念是如何在瓦格纳的音乐中获得生动具体的体现。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对古典音乐充满热情的业余爱好者，我总觉得在理解瓦格纳的《尼伯龙根指环》时，隔着一层“看不懂”的纱。这本书的题目，特别是“音乐学写作工作坊专题文论汇编”这几个字，立刻吸引了我。它传递出一种专业、深入、且具有研究深度的信息。我期待这本书能像一个精密的显微镜，让我能够细致地观察到《指环》这部作品的每一个微观结构。例如，我非常好奇瓦格纳是如何运用“导机动机”来塑造人物性格、暗示情节发展，以及构建整个庞大而和谐的音乐体系的。书中会不会有对具体音乐片段的细致分析，例如，某个场景的配器是如何烘托气氛，某个动机的变形又是如何表现人物内心的变化？我更期待的是，那些关于音乐与神话、音乐与哲学的探讨，能够借助音乐学的专业工具，为我揭示《指环》背后更深层的意义。这本书的“文论汇编”性质，也意味着我可以从不同的研究者那里获得多元的视角，从而构建出更加完整和立体的理解。我渴望这本书能够帮助我跨越从“听懂”到“理解”的鸿沟，真正领略瓦格纳音乐的博大精深。

评分☆☆☆☆☆

这本书的题目就带着一种学术的严谨和专题性的聚焦，这正是我所需要的。我对于《尼伯龙根指环》的理解，一直停留在对故事梗概和一些著名唱段的浅层认知上。我希望能通过这本书，真正触及到瓦格纳音乐的“骨骼”和“肌肉”，理解他为何能够创造出如此庞大而又相互关联的音乐世界。我期待书中能够深入探讨“乐剧”这一概念，瓦格纳是如何在音乐、戏剧、诗歌、视觉等多种艺术形式之间找到完美的平衡点，甚至可以说是一种融合，而不是简单的叠加。尤其是在音乐语言方面，我对瓦格纳的“动机”手法非常感兴趣，希望书中能有详细的梳理，展示这些动机是如何发展、变形、组合，如何在庞大的叙事中扮演着角色。此外，我对瓦格纳音乐中的“象征意义”也充满好奇，那些反复出现的旋律片段，到底象征着什么？它们与神话故事中的人物、事件、情感又有着怎样的关联？这本书的“专题文论汇编”性质，预示着它能够提供多角度、多层面的解读，让我对《指环》的理解更加全面和深刻。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来了完全不同于以往的阅读体验，它不是一本轻松的入门读物，而是像一位严谨的导师，引领我进入音乐学的殿堂。我期待它能提供的是一种“看门道”的视角，而非仅仅“看热闹”。书中那些精炼的音乐学术语，虽然对我这个非专业人士来说可能需要一些时间去消化，但我坚信，这正是深入理解音乐作品不可或缺的基石。我渴望书中能有关于《指环》特定乐段的深度分析，比如“莱茵的黄金”中那个令人不安的动机如何象征着贪婪与毁灭的种子，或者“女武神”中西格蒙德与西格琳德的爱情如何用激昂的旋律来表现，又或是“众神的黄昏”结尾处，那些贯穿全剧的动机是如何汇聚、升华，最终走向终结。我想看到的是对音乐细节的极致关注，是音乐语言如何被瓦格纳用来承载复杂的戏剧冲突和深刻的哲学思考。这种对音乐本体的深入挖掘，是我对这本书最主要的期待，也是我选择它的根本原因。

评分☆☆☆☆☆

读到这本书的时候，我着实有些惊喜。作为一名长期以来对瓦格纳音乐深感着迷的普通读者，我一直渴望能有更深入、更系统地理解《尼伯龙根指环》的途径。市面上虽然不乏相关的介绍性书籍，但大多流于表面，或是碎片化的解读，难以形成一个连贯的认识。这本书的出现，恰恰填补了这一空白。我尤其欣赏它那种“工作坊”式的视角，仿佛置身于一个热烈的学术讨论之中，听着各位专家学者们从不同的角度、用各自独特的语言和方法，一层层剖析这部宏伟的歌剧巨著。我期待书中会有对宏观叙事结构的细致梳理，比如不同乐句、动机如何如同精巧的齿轮般咬合，共同驱动着戏剧的进程；也期待在和声、配器等音乐语言层面，能有令人耳目一新的分析，揭示瓦格纳如何通过色彩斑斓的音响，构建出那个充满神话色彩的宇宙。更不用说，那些关于音乐与戏剧、音乐与哲学、音乐与社会思潮之间复杂而深刻的联系的探讨，相信定能为我打开新的理解之门。这本书的厚重感和内容的深度，让我在阅读前就充满了期待。