全新正版辛笛应用钢琴和声教程第2册 辛笛 辛笛应用钢琴教学丛书 辛笛应用钢琴和声教程 上海音乐学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 暗香盈袖图书专营店

出版社： 其他出版社

ISBN：9787556600298

商品编码：29806251847

丛书名： 辛笛应用钢琴教学丛书 辛笛应用钢琴和声教程

开本：16开

出版时间：2015-01-01

深入解析《全新正版辛笛应用钢琴和声教程（第2册）》的学术价值与教学体系 一、 课程定位与目标受众 《全新正版辛笛应用钢琴和声教程（第2册）》（以下简称“本教程”或“第2册”）是上海音乐学院教材体系中至关重要的一环，由著名音乐教育家辛笛教授及其团队编著，是“辛笛应用钢琴教学丛书”的核心组成部分。本教程并非孤立的和声学理论教材，而是严格遵循音乐专业人才培养规律，将理论学习、实践应用、演奏技能三者紧密结合的系统性教学资源。 本教程的核心目标是：在学生已掌握基础和声学原理（通常在第1册中完成）的基础上，深化和声思维，拓宽和声语言的广度与深度，并重点训练学生将复杂的和声概念转化为实际钢琴演奏和音乐分析能力。 目标受众主要包括： 1. 音乐学院及师范院校音乐学、作曲与指挥、音乐教育等专业的本科生或高年级专科生。 2. 艺术类中等专业学校高年级学生，作为向高等音乐教育过渡的桥梁教材。 3. 具备扎实初级和声基础的自学者或在职音乐工作者，寻求系统性、高标准和声知识复习与提升的专业人士。 本教程的难度和深度要求学习者具备一定的乐理基础和初步的键盘视奏能力。 二、 教材结构与内容深度 《第2册》的编排逻辑是建立在“由简入繁，以用为本”的原则之上的。相较于初级教程侧重于基础功能和声的掌握，本册将重心转移至二级属和弦、非功能性和声、扩大调性体系以及和声分析的实战化。 1. 核心和声概念的深化 本册内容显著超越了基础三和弦与七和弦的范畴，深入探讨了以下关键主题： 副属和弦体系的精细化处理： 详细区分和讲解二级属和弦（V/V, V/IV等）的连接规律、功能替换、以及在不同乐段中的色彩变化。重点在于分析它们如何构建更复杂的乐汇结构。 导七和弦与减七和弦的拓展运用： 不仅教授如何构造这些和弦，更侧重于它们作为转调工具和半音连接媒介的实际演奏效果。通过大量实例，剖析其在浪漫主义时期作品中的瞬时转调功能。 扩大和声色彩的选择： 引入更丰富的和弦色彩，如九和弦（特指属九和弦的延伸）、挂留和弦（Sus和弦）的特定功能性使用，以及和弦的转位与分解织体在钢琴上的表现。 调性外和声的初步接触： 开始引入等音和声（Enharmonic Harmony）的概念，讲解如何利用等音转换实现远关系调的流畅过渡，这是向现代和声迈进的必要铺垫。 2. 实践应用与钢琴技能的整合 “应用钢琴”是辛笛教程体系的灵魂。第2册的习题和范例设计，绝大部分都直接面向钢琴键盘。 和声进行转位练习： 要求学生不仅要“写出”和声，更要熟练地在钢琴上演奏出所有转位的四部和声，确保声部的独立性和流畅性。 和声织体与钢琴配器法： 探讨不同时代、不同风格（如巴洛克、古典、浪漫）的和声织体在钢琴上的典型布局。例如，分解和弦的类型（阿尔贝蒂低音的变体、琶音结构等）如何服务于特定和声功能。 视奏与即兴伴奏基础： 穿插大量的“和声实例分析与实践演奏”部分，要求学生能够快速识别乐谱上的复杂和声，并在键盘上用标准四部和声或简化织体流畅地演奏出来，为未来的即兴和改编打下基础。 分析性演奏： 引导学生在演奏时，清晰地“听出”和“标示出”和声的进行关系，而非仅仅弹奏音符的堆砌。 3. 风格分析与曲目结合 本教程大量选取了海顿、莫扎特、贝多芬中晚期作品的经典乐段，以及舒曼、肖邦早期作品片段作为分析范例。这并非简单的曲目罗列，而是： 特定段落的深度解剖： 选取乐曲中和声变化最为复杂或最具转调色彩的几小节进行彻底的理论解析，并要求学生在键盘上重现其原貌。 风格辨识训练： 通过分析不同作曲家对同一和声（如减七和弦）的不同倾向性处理，培养学生对音乐风格与和声语言对应关系的敏感度。 避免宏大叙事，注重微观结构： 本册将重点放在乐汇内部的和声逻辑，为后续接触更复杂的曲式结构分析做准备。 三、 教学特点与学术贡献 《辛笛应用钢琴和声教程（第2册）》的显著特点在于其严谨的学院派背景和高度的实用主义倾向。 1. 严谨的学院派标准： 教材内容严格对标上海音乐学院的教学大纲要求，其理论深度和分析标准处于国内高等音乐教育的前沿。它强调对古典和声规范的扎实把握，确保学生在面对任何西方音乐作品时，都能建立起清晰的理论框架。 2. “应用”导向的实践性： 与纯理论性的和声学著作不同，本教程的每一项理论讲解后，几乎都紧接着要求学生进行钢琴实践。这种理论与键盘操作的无缝对接，有效避免了“纸上谈兵”的现象，是培养“会弹、会写、会听、会分析”复合型音乐人才的关键。 3. 清晰的层级划分： 尽管内容深入，但编排上依然保持了清晰的知识点递进。例如，先独立讲解副属和弦，再将其放置到转调场景中进行综合运用，结构清晰，有利于教师组织教学，也方便学生自主复习。 4. 对声部进行人性化处理： 在涉及四部和声的编写和演奏指导中，教程详细讨论了上声部与高声部的独立线条处理，以及低音声部在根音与转位音之间的平衡，这体现了对音乐“声部写作”而非“和弦堆砌”的重视。 综上所述，《全新正版辛笛应用钢琴和声教程第2册》是一部面向专业深度学习的精品教材，它聚焦于中级和声的复杂应用、键盘实践能力的强化，以及早期风格作品的和声分析，是构建扎实音乐专业知识体系不可或缺的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本《现代钢琴演奏技巧精进指南》简直是为我这种醉心于古典音乐却总是在某个技术瓶颈徘徊的业余爱好者量身定做的。书里对拜厄之后，哈农的枯燥练习之外的那些“进阶微调”着墨甚多。作者并没有简单地罗列音阶和琶音的变化，而是深入探讨了手指的独立性、触键的深度控制，尤其是对于不同时期作曲家作品中对触键细腻要求的差异化处理。比如，对于德彪西作品中那种“水波般”的连奏和色彩感，书中提供了一套结合了身体重量转移和手腕松弛度的练习方法，这比我之前盲目追求指尖力量有效得多。我特别喜欢其中关于“节奏的弹性”一章，它教的不是机械的节拍器对齐，而是如何理解和表现复节奏下的律动感，这让我对肖邦夜曲中那些看似随性却内含逻辑的自由处理有了更深的体会。书中的配图非常专业，几乎每一项技术动作都有精确到肌肉群的解剖学参考，而不是泛泛而谈的“放松”。读完前三章，我明显感觉到自己在处理快速跑动时的清晰度和音色的统一性上有了质的飞跃，尤其是那些复杂的跨度琶音，现在感觉不再是“够得到”的问题，而是“如何带着歌唱性地弹过去”的境界了。

评分☆☆☆☆☆

我一直对室内乐的排练和演奏抱有极大的热情，但常常苦于找不到一本能系统讲解“乐团中的个体角色定位”的书籍。《室内乐互动艺术：声部平衡与对话》这本书完美填补了这一空白。它的视角非常独特，没有过多关注单一乐器的技巧提升，而是聚焦于声部间的沟通、聆听与适应。书中有一章专门讨论了在弦乐四重奏中，第二小提琴如何微妙地支撑第一小提琴的主导旋律，同时又不牺牲自己声部的重要性，这简直是实战中的“外交艺术”。作者通过大量的案例分析，展示了如何通过呼吸的统一、弓速的细微调整，甚至是对乐句起伏的预判，来实现完美的融合。我印象深刻的是其中对“动态的相对性”的论述，书中强调，一个“强音”在钢琴三重奏中可能需要比独奏时更克制，因为它必须容纳大提琴的厚重和钢琴的颗粒感。这本书让我明白了，室内乐的成功，不在于每个演奏者都弹得多好，而在于他们如何共同“创造”出一个超越个体表现的整体声音。它教会了我如何倾听，如何将自我融入到更大的音乐结构之中，非常实用且富有启发性。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院在读学生，我手头上的和声教材堆积如山，但这本书——《巴洛克时期赋格创作的逻辑与实践》——提供的视角是革命性的。它不是那种只会告诉你“对位规则是什么”的死板手册，它更像是一本解剖学报告，将巴赫那些看似天马行空的对位手法，还原成了一套严谨且充满数学美感的逻辑体系。作者的功力在于，他能将抽象的和声进行与具体织体结构紧密结合起来讨论。例如，在分析D小调赋格时，书中用图示清晰地展示了主题进入后，如何通过转位、倒影以及严格的主题变形（Augmentation and Diminution）来构建起那令人叹为观止的复调立体声场。最让我受益匪浅的是关于“不协和音的张力释放”的讨论，它不再是简单地将七和弦归类，而是探讨了在特定调性背景下，特定声部如何利用半音进行和经过音，来制造恰到好处的“疼痛感”和随之而来的“慰藉感”。这本书极大地拓宽了我对“好听”的理解，让我明白，真正的音乐美感往往诞生于对规则的精准把控和巧妙的边界试探之中。对于想要深入理解复调音乐写作的严肃学习者来说，这本是必读的案头工具书。

评分☆☆☆☆☆

这份关于《二十世纪电子音乐合成器原理详解》的学习资料，简直是为我这种对声音设计痴迷的科技控打开了一扇新世界的大门。这本书的难度系数不低，因为它直接深入到了振荡器（Oscillator）的波形生成机制、滤波器的截止频率控制以及低频振荡器（LFO）在调制中的非线性应用。它完全避开了那些肤浅的“如何使用X软件”的教程，而是从物理声学的角度解释了“为什么这个波形听起来是那样”。书中详细对比了模拟合成器中电压控制振荡器（VCO）与数字波表合成（Wavetable Synthesis）在音色纯净度和调制复杂度上的差异，并通过大量图表展示了傅里叶级数展开在声音设计中的实际意义。我尤其欣赏作者对“包络（Envelope）”的精细划分，特别是 ADSR 参数如何影响声音的起音、持续、衰减和释放，以及如何通过调整这些参数来模仿自然界中复杂的声音现象，比如风吹过金属管的声音。对于想要从用户层面跃升到声音架构师的人来说，这本书提供的理论基础是坚实且不可替代的。

评分☆☆☆☆☆

《欧洲浪漫主义歌剧的文本与舞台视觉语言研究》这本书，完全颠覆了我对歌剧仅仅是“听觉艺术”的刻板印象。作者的跨学科研究功力令人叹服，他将美学、文学批评、灯光设计乃至十九世纪的服饰史，巧妙地编织进了对威尔第和瓦格纳作品的分析之中。书中有一个长篇章节专门研究了浪漫主义时期舞台上“阴影”与“光晕”的象征意义，如何利用当时的舞台技术（如气灯的局限性）来烘托角色的心理状态，比如在《茶花女》的葬礼场景中，灯光如何被用来模糊现实与幻觉的界限。最让我感到震撼的是对“场景转换”的分析，作者指出，在瓦格纳的歌剧中，场景的拉长和幕间的音乐织体，不仅仅是叙事需要，更是一种对观众时间感知的结构性重塑。这本书让我意识到，一部伟大的歌剧，其成功的关键在于文本、音乐与视觉语言在特定历史语境下的完美共谋。它提供了一个宏大的框架，帮助我更全面、更深入地去欣赏和解读舞台上的每一个元素。