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店铺： 暗香盈袖图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806925362

商品编码：29806253722

丛书名： 辛笛应用钢琴基础教程

出版时间：2010-07-01

《二十世纪西方音乐思潮：从印象主义到后现代》 书籍简介 本书深入剖析了二十世纪以来西方音乐在思想、技法、美学观念上的剧烈变革与多元发展，旨在为音乐专业学生、研究者及对现代音乐有浓厚兴趣的读者提供一份全面而富有洞察力的导览。全书结构严谨，内容涵盖了从世纪之初的反叛浪潮到后现代主义的解构思潮，重点关注了关键作曲家及其核心作品在音乐本体论上的贡献。 第一部分：世纪之初的颠覆与重建（1900-1945） 本部分聚焦于对传统调性体系的瓦解与新音乐语言的探索。 第一章：印象主义的色彩与氛围 本章首先回顾了德彪西和拉威尔如何借用文学、绘画的象征手法，将音乐从严格的结构束缚中解放出来。重点分析了德彪西对全音阶、五声音阶以及和声的非功能性使用，如何营造出“光影流动”的听觉体验。我们将探讨《牧神午后前奏曲》中对管弦乐配器色彩的革命性运用，以及拉威尔如何将印象派的精致与新古典主义的清晰结构相结合。 第二章：表现主义与无调性音乐的诞生 本章深入研究了维也纳第二学派——勋伯格、贝尔格和韦伯恩——对传统音乐的激进反抗。我们详细解析了“自由无调性”的形成过程，探讨了情绪的极端外化如何取代传统的美学原则。特别关注了勋伯格的《月迷钢琴》（Pierrot Lunaire）在人声处理和音高组织上的创新。 第三章：十二音体系的建立与逻辑 本书详尽阐述了勋伯格如何系统化其无调性创作，创立了十二音序列作曲法（Dodecaphony）。我们不仅解释了音列的排列、旋转、倒影等基本操作，更重要的是，分析了这种严密逻辑如何影响了作品的结构连贯性和听觉感知。贝尔格如何将十二音技法与晚期浪漫主义的情感深度相结合的案例，如歌剧《露露》，是本章的重点分析对象。 第四章：原始主义与新古典主义的对立统一 本章考察了两种看似矛盾的潮流：以斯特拉文斯基为代表的对原始节奏、野蛮力量的回归，以及对巴赫、莫扎特等古典大师风格的理性借鉴。对《春之祭》的暴力节奏和对位法的突破性分析，展示了音乐如何重拾其仪式性功能。同时，分析了新古典主义如何试图在结构清晰和情感克制之间寻找平衡点。 第二部分：战后音乐的全面拓展（1945-1970） 二战后，音乐的版图被彻底重塑，技术革新与哲学思辨交织，推动音乐走向更极端的方向。 第五章：序列音乐的全面化与异化 本章讨论了序列主义从单纯的音高控制扩展到节奏、力度、音色等所有音乐参数的彻底序列化。以布列兹和巴比特为主要研究对象，分析了这种“全面控制”的哲学基础——将音乐视为一种高度理性的、数学化的结构。本书将对比分析序列主义在欧洲（如达姆施塔特夏令营的中心地位）和美国的不同发展路径。 第六章：电子音乐的兴起与声响的解放 电子音乐的出现彻底改变了音乐的物质基础。本章详细介绍了磁带音乐、具体音乐（Musique Concrète）的开创性工作，如香农和雷歇的探索。重点分析了早期电子音乐工作室（如科隆 WDR）的工作，以及合成器技术（如Moog）如何为作曲家提供了前所未有的音色调色板，使“非音高”的声音进入艺术殿堂。 第七章：机遇音乐与过程美学 约翰·凯奇（John Cage）及其对偶然性（Chance Operations）的引入，是对作曲家中心地位的根本挑战。本章深入探讨了随机性在作品中的实际应用，如《4分33秒》对“音乐”定义的颠覆。我们分析了机遇音乐如何迫使听众重新审视“意图”、“控制”与“聆听”之间的关系，以及它与禅宗哲学的内在关联。 第八章：极简主义的回归：重复与过程的魅力 本章转向美国，探讨了拉蒙特·扬、特里·莱利、史蒂夫·赖希和菲利普·格拉斯等人如何反叛前卫音乐的复杂性，回归到简单、渐进的结构。详细分析了“移相技巧”（Phasing）、重复段的累积与衰减，以及如何通过持续的、可感知的过程构建宏大的听觉体验。这种音乐对时间感的操控，成为对序列音乐过度理性的有力反拨。 第三部分：后现代的多元景观与文化交融（1970至今） 后现代思潮的核心是怀疑宏大叙事，拥抱拼贴、复古与文化杂糅。 第九章：新浪漫主义与极简主义的交汇 本章关注了二十世纪末涌现出的，具有强烈抒情性和可听性（Re-tonalization）的作曲家。探讨了极简主义对形式的简化如何被挪用于营造更具情感穿透力的作品。我们分析了阿沃·帕尔特（Arvo Pärt）的“三位一体风格”（Tintinnabuli）如何通过对极简的纯净音高与调性的巧妙结合，实现了跨越代际的广泛共鸣。 第十章：拼贴、引用与后现代反思 后现代作曲家热衷于对历史材料的挪用与解构。本章研究了如卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio）的《民谣》（Folk Songs）和《回声的剧场》（The Theater of Memory）中，如何通过并置不同风格和文化语境的片段，来评论音乐史的连续性与断裂性。这反映了对“原创性”概念的深刻质疑。 第十一章：谱外元素的拓展与媒介融合 随着技术的发展，音乐的边界持续被推移。本章讨论了空间音乐、多媒体作品以及新兴的“声音艺术”（Sound Art）如何模糊了音乐会厅与公共空间的界限。分析了如克塞纳基斯（Xenakis）将概率论应用于音乐结构，以及后来的作曲家如何整合录像、装置艺术等非听觉元素，拓宽了音乐表演的定义。 结语：二十世纪音乐的遗产与未来展望 本书最后总结了二十世纪音乐对传统音乐学的彻底重塑。它不再仅仅是关于旋律、和声的进步，而是关于“声音的本体论”、“时间的感知结构”以及“作曲家与听众角色的互换”。本章将简要展望数字技术和全球化背景下，新世纪的作曲家可能如何继承和挑战这些深刻的实验遗产。本书旨在提供一个坚实的理论框架，使读者能够自信地进入这一复杂而迷人的音乐领域进行深入探索。

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我最近一直在研究巴赫的一些早期对位法练习，希望能找到一本能系统梳理对位原理，并且能兼顾实践操作的教材。我手里有好几本号称“经典”的教材，但大多要么过于学术化，充满了艰涩的理论术语，让人望而却步；要么就是练习过于简单，无法真正深入理解复调音乐的精妙之处。然而，我偶然翻阅到一本关于复调音乐写作的专著，它的思路非常独特。它不是简单地罗列“第一种对位”、“第二种对位”这些规则，而是将对位法视为一种“对话”的艺术。书中用大量的实例，详细分析了不同声部之间如何相互呼应、如何制造张力与和解，配图方面，它使用了非常直观的声部进行图示，甚至引入了现代的视觉化工具来展示声部运动的轨迹，这比单纯看五线谱要容易理解得多。作者似乎很注重从听觉感受出发来阐述理论，而不是纯粹的数学推导，这一点深得我心。读完其中关于“模仿与转位”的一章，我对如何处理赋格主题的引入和发展，都有了更深一层的领悟。它确实是一本能够将抽象理论转化为具体音乐实践的优秀读物。

评分☆☆☆☆☆

我最近在系统学习和声进行与转调的技巧，市面上的教材汗牛充栋，但大多停留在“固定调式”的和弦连接上，一旦涉及到远关系转调或者模态和声，就显得力不从心了。我最近发现了一本讲解“功能和声的延伸与突破”的参考书，它的视角非常开阔。这本书并没有急于介绍那些繁复的和弦名称，而是从调性的“色彩”变化入手，解释了为什么某些看似不和谐的和弦放在一起时，听起来却非常自然。作者用一种类似建筑学中“结构力学”的比喻来讲解和声功能，比如，主功能是地基，属功能是承重墙，而副属和弦则是精美的装饰。最棒的是，它系统地讲解了如何使用“等音关系”来平稳过渡到功能完全不同的调性，这对于即兴演奏和编曲来说是实战级别的技巧。书中提供的练习，要求学习者不仅要写出正确的和弦，还要用文字描述出转调后听众的“心理感受”，这种强调主观体验的学习方式，极大地锻炼了我的音乐直觉。这本书真正做到了将和声理论与现代音乐创作的实际需求紧密结合。

评分☆☆☆☆☆

这套书的排版真是让人眼前一亮，不是那种传统教材的死板设计，色彩搭配和图案运用都非常活泼，一看就知道是为现代学习者量身定做的。封面那种简约又不失艺术感的风格，就已经给未来的学习过程定下了一个轻松愉快的基调。内页的纸张质感也挑不出毛病，厚实且光滑，即便是长时间翻阅也不会觉得累眼，而且墨水附着得很好，黑白分明的乐谱线条清晰可见，对于初学者来说，这一点至关重要，能大大减少看错音符的概率。更值得称赞的是，它在每一课的开头都加入了一些与音乐史或乐理小知识相关的插图或小故事，这些内容虽然不直接涉及演奏技巧，却极大地拓宽了读者的音乐视野，让学习不再是机械地模仿指法，而是在理解音乐文化的基础上进行。比如，讲解某个小练习曲时，会附带一个关于那个时期作曲家生活的小花絮，一下子就把枯燥的练习曲变得鲜活起来，让人更有动力去钻研。这种寓教于乐的设计，无疑是提升学习兴趣的“秘密武器”，它成功地将一本严肃的教材变成了一本有趣的伴读书籍。

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对于一个热衷于研究古典时期奏鸣曲结构，特别是海顿和莫扎特的作品的业余爱好者来说，找到一本深入浅出解析奏鸣曲式复杂性的书籍实在不易。大多数音乐分析书籍要么过于侧重于某位作曲家，要么就是用过于简化的模板套用所有作品，无法体现出古典乐派内部细微的风格差异。我最近看到一本专门聚焦于“结构对称与打破”的分析读物，它颠覆了我对奏鸣曲式“呈示部-发展部-再现部”的刻板印象。这本书的核心论点在于，海顿和莫扎特的伟大之处，恰恰在于他们如何巧妙地在看似固定的框架内玩出新意。它细致地对比了莫扎特在再现部对呈示部主题进行“调性调和”的不同手法，以及海顿如何通过出人意料的尾声（Coda）来完成对整个乐章的“终极总结”。书中对每个乐章的段落划分精确到小节，并且配有大量简谱图例，清晰展示了主题动机的变形和再利用过程。阅读此书后，我再回听那些熟悉的奏鸣曲时，不再是简单的欣赏旋律，而是能清晰地“看到”作曲家在结构布局上的匠心独运，极大地提升了我的鉴赏层次。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对室内乐，特别是弦乐四重奏有浓厚兴趣的演奏者，我一直在寻找能够系统讲解室内乐合奏技巧的文献。我之前参加过一些大师班，老师们总是强调“倾听”和“呼吸”的重要性，但很少有书籍能将这些抽象的概念量化或具象化。最近接触到一本关于弦乐四重奏精讲的书籍，简直是如获至宝。这本书的核心不在于教授如何演奏单个乐器，而是专注于“群体性”的表达。它详细分析了不同乐器在四重奏中音色的融合点和冲突点，比如，大提琴如何支撑整体低音而不显得沉重，第一小提琴如何在保持旋律优势的同时，为中提琴和第二小提琴让出空间。书中引用了大量经典曲目（如海顿和贝多芬的晚期作品）的片段，并用标注清晰的动态记号和指法建议，说明不同乐器组合时应如何调整力度和音色。更让我感到惊喜的是，它探讨了“沉默”在四重奏中的作用——那个短暂的休止符，在不同乐器组中如何产生截然不同的心理暗示效果。这本书真正做到了从“我”的演奏，提升到“我们”的合奏境界，对于提升整体音乐表现力有着极强的指导意义。