音乐的结构与功能 结构主义的音乐美学探讨 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王次炤 著

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• 音乐学
• 结构主义
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• 音乐理论
• 结构分析
• 音乐哲学
• 西方音乐
• 美学
• 文化研究
• 符号学

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103053799

版次：1

商品编码：12246376

包装：平装

开本：32开

出版时间：2017-09-01

用纸：胶版纸

内容简介

本书运用西方现代结构主义原理，探讨音乐的本体结构、功能结构、价值结构以及传统结构等问题，以求拓展音乐美学研究的视野。该书是音乐美学专家王次炤运用结构主义方法研究音乐美学有关问题的研究成果集结，这些成果迄今在音乐美学领域仍具一定参考价值。书稿部分内容曾获中国音乐金钟奖“理论评论奖”金奖。

作者简介

王次炤 中央音乐学院教授、学术委员会主任、原院长。先后开设“音乐美学基础”“中国传统音乐与传统音乐思想”等九门课程，著有《音乐美学基础》（与张前合著）、《音乐美学新论》等著作和译作十部，发表论文和评论文章百余篇。曾获“全国优秀教学成果”一等奖、“中国音乐金钟奖理论评论奖”一等奖、“中国文艺评论奖”一等奖、“北京市优秀教学成果”一等奖、“北京市哲学社会科学优秀成果”一等奖、“全国研究生教育优秀成果”二等奖、“文化部优秀教材奖”、“教育部人文社会科学优秀成果奖”、“北京市哲学社会科学中青年优秀成果奖”等奖项。“音乐美学基本问题”被评为国家精品课程和精品资源共享课。
荣获“国家有突出贡献中青年专家”、“文化部优秀专家”、英国皇家音乐学院和中国香港演艺学院“荣誉院士”等称号，以及耶鲁大学“Sanford Medal”荣誉勋章。任全国政协委员兼政协教科文卫体委员会委员、国家艺术教育委员会副主任、国务院学位委员会音乐与舞蹈学科评议组召集人、中国文艺评论家协会副主席兼音乐舞蹈委员会主任、中国音乐评论学会会长、中国数字化音乐教育学会会长、北京国际音乐节艺术委员、浙江音乐学院名誉院长等。

异邦的回响：中世纪欧洲的世俗音乐与文化变迁（1000-1450年） 一部关于中世纪世俗音乐生态、社会功能及其与文化转型的深度研究 本书旨在深入剖析公元1000年至1450年间，在欧洲广阔的地理范围内兴盛发展的世俗音乐现象及其背后的文化动因。我们聚焦于那些游离于教会主导的宗教音乐体系之外，深深植根于贵族、市民阶层乃至流浪艺人生活中的音乐实践、文本与社会角色。本书并非对既有乐谱的机械梳理，而是力求重建一个多声部、充满生命力的中世纪声音景观，探究音乐如何成为记录社会变迁、阶层互动与个人情感表达的独特媒介。 第一部分：世俗音乐的场域与主体 中世纪的“世俗”并非一个单一的范畴，而是由一系列相互交织的社会场域构成的复杂网络。本部分将首先界定和描绘这些场域的物理空间与文化属性。 第一章：宫廷的咏叹与游吟诗人的权力 我们将目光投向封建领主的宏伟厅堂，考察吟游诗人（Troubadours, Trouvères）和德语Minnesänger（宫廷歌手）在贵族文化中的核心地位。他们的音乐，无论是颂扬“高贵之爱”（Fin' Amor）的抒情歌谣，还是叙事史诗，都承担着建构贵族身份认同和维护社会等级秩序的功能。 高贵之爱的意识形态批判： 深入分析“爱情”主题在歌词中如何被建构为一种服务与臣服的隐喻，探讨这种理想化情感叙事与现实政治联姻之间的张力。 音乐形式与口头传统： 考察单音音乐（Monophony）在这些宫廷作品中的结构特征，以及记谱实践尚未完全成熟时，音乐记忆与即兴变奏在表演中的关键作用。 地域差异性： 对比普罗旺斯、法兰西北部及神圣罗马帝国宫廷音乐在题材、风格和乐器使用上的细微区别，揭示地域文化对艺术表达的塑造力。 第二章：城镇的喧嚣与市民的歌谣 随着城市经济的复苏与市民阶层的壮大，新的音乐实践开始在集市、酒馆和行会活动中萌芽。本章将关注那些不直接服务于贵族审美，而是根植于日常劳动、娱乐和民间信仰的音乐形式。 “街头诗人”与流浪艺人（Jongleurs/Minstrels）： 探讨这些处于社会边缘的音乐人，他们如何在不同场域间穿梭，传播新闻、表演杂技，并以其技能换取生计。他们的曲目往往更为世俗化、戏谑化，甚至带有讽刺意味。 行会音乐的组织化： 研究城市中新兴的音乐组织或“兄弟会”，探讨音乐在市民庆典、宗教游行（如圣体节）中的组织化表演模式，以及这如何标志着音乐生产的初步“去个人化”。 讽刺歌与世俗道德： 分析那些以嘲弄社会弊病、揭露虚伪为目的的讽刺性歌谣，它们是民间舆论和批判精神的体现。 第二部分：世俗音乐的文本与功能转型 中世纪晚期，技术、社会结构及文化观念的剧烈变化，深刻影响了世俗音乐的文本内容与社会功能。 第三章：叙事、史诗与世俗历史的构建 不同于宗教音乐聚焦于永恒的救赎，世俗音乐承担了记录“现世”历史与个人经验的职责。 英雄史诗的流变： 追踪如《罗兰之歌》等英雄史诗在中世纪的口头传唱与书面记录过程中的演变，探讨这些文本如何塑造特定民族或地域的集体记忆。 爱情叙事的世俗化： 考察世俗叙事诗中对情感更直接、更具世俗色彩的描绘，包括对婚姻制度的探讨和对女性形象的多元呈现。 “讽世”的文学转向： 探讨中世纪末期，特别是“黑色瘟疫”后，音乐文本中流露出的对死亡的沉思、对生命无常的感叹，以及对既有社会秩序的深刻怀疑。 第四章：从单音到复调：世俗音乐中的技术革新 虽然复调音乐的重大发展主要发生在宗教领域（如巴黎乐派），但世俗音乐并非停滞不前。本章着重考察世俗音乐对音乐技术的吸收与改造。 早期复调世俗乐的证据： 分析在少数手稿中发现的，可能属于世俗吟唱的带有对位痕迹的文本，讨论它们是否代表了真正意义上的世俗复调实践，或是对宗教复调风格的模仿。 器乐的独立性： 探讨中世纪晚期，器乐（Instrumental Music）如何逐渐从依附于声乐的伴奏角色中脱离出来，形成独立的旋律和节奏模式。重点研究舞蹈音乐（Estampie, Saltarello）的结构特征与记谱尝试。 乐器配置的演变： 考察当时的乐器谱系，如鲁特琴（Lute）、维奥尔琴（Vielle）、肖姆琴（Shawm）等，它们在宫廷与市井表演中的具体配置与音色偏好。 第三部分：世俗与神圣的边界消融 本书的最终论点在于，中世纪后期的世俗音乐并非是一个孤立的文化现象，而是与宗教、学术及政治权力网络紧密交织的动态系统。 第五章：音乐的流动性与知识的传播 考察世俗音乐文本如何跨越社会阶层和地理界限。 手稿的收集与编纂： 分析如《波西米亚手稿》（Codex Buranus，即Carmina Burana）这类汇编手稿的意义。它们如何通过收集不同来源（往往是僧侣所写）的世俗拉丁语或方言歌谣，展示了知识分子群体对世俗享乐的关注与记录冲动。 抄写员与音乐精英： 探讨负责抄写和整理乐谱的人员——他们往往既服务于教会，也参与世俗音乐的记录工作，揭示了知识传播渠道的双重性。 第六章：世俗音乐中的“异端”与异见 世俗音乐常常被用作表达对教会权威不满的工具，或者成为被道德家谴责的对象。 道德家对娱乐的抨击： 收集当时教会人士对“过度享乐”和世俗音乐的道德批判文本，反向印证了世俗音乐在社会中的普及程度与影响力。 政治讽刺的载体： 考察在政治动荡时期，世俗歌曲如何成为传播政治口号、讽刺君主或教皇的隐蔽渠道。 结论：走向文艺复兴的世俗之声 本书总结了中世纪世俗音乐在文本、功能与形式上经历的深刻转型，指出它为文艺复兴时期日益突出的世俗人文主义音乐实践奠定了重要的文化基础。中世纪的世俗音乐，以其蓬勃的生命力和对现世的关注，最终打破了古典音乐语境中“神圣”的绝对垄断地位，开辟了欧洲音乐史上全新的表达维度。 适合读者： 对中世纪历史、欧洲中世纪文学、音乐人类学、以及早期西方音乐史感兴趣的学者、学生和专业音乐爱好者。本书力求以严谨的史料为基础，辅以对文本的细致解读，为读者提供一个立体、鲜活的中世纪声音世界的入口。

评分☆☆☆☆☆

对于像我这样对音乐有着浓厚兴趣但又缺乏专业训练的读者来说，这本书绝对是一本不可多得的宝藏。它用一种极其平易近人的方式，将那些原本看起来高深莫测的音乐理论变得触手可及。作者并没有使用过于晦涩的术语，而是通过生动的例子和形象的比喻，让我能够轻松理解那些关于音乐结构的精妙之处。我印象最深刻的是，书中对不同音乐体裁的分析，它让我明白了为什么巴洛克音乐听起来庄重，而浪漫主义音乐则充满情感。这种理解，让我对不同时期的音乐风格有了更清晰的认识，也让我能够更具辨识度地去欣赏音乐。读完这本书，我感觉自己像是获得了一副新的“音乐眼镜”，能够看到音乐中那些曾经被我忽略的美丽细节，也能够更深刻地体会到音乐的无穷魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的惊喜在于它对音乐“意义”的挖掘。我之前一直以为音乐的意义就停留在旋律的优美、节奏的动感，或者仅仅是歌词所表达的情感。然而，作者通过结构主义的视角，展现了音乐如何在没有语言的情况下，依然能够传递出丰富而复杂的意义。这就像是打开了一个全新的理解音乐的“开关”。我尤其喜欢书中对不同音乐风格进行结构性分析的部分，它让我看到了看似截然不同的音乐形式，是如何在深层结构上有着共通之处，又如何在细微之处展现其独特性。作者并非枯燥地罗列理论，而是巧妙地将抽象的概念与具体的音乐实例相结合，让我能够清晰地理解每一个理论是如何在实际的音乐作品中得到体现的。这种“抽丝剥茧”式的分析，让我对那些曾经令我困惑的音乐片段有了豁然开朗的感觉。读这本书，仿佛是在进行一场智慧的冒险，每一次阅读都像是在解锁一个新的理解音乐的密码，让我对音乐的美学有了更深刻的体悟。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是把我带入了一个前所未有的音乐世界！一直以来，我总觉得音乐里有什么东西深深地吸引着我，但却难以言喻。这本书，用一种极其严谨而又引人入胜的方式，为我揭示了音乐的内在逻辑。它不像那种简单的音乐史或者乐理书，教你识谱、和弦，而是更深入地探讨了音乐之所以能够打动人心的“为什么”。作者就像一位耐心的向导，一步步引导我解构那些熟悉的旋律，原来它们背后有着如此精巧的“骨架”，每一个音符、每一个和弦的连接，都并非偶然，而是遵循着某种深刻的结构。我印象最深刻的是关于“形式”的讨论，它让我意识到，那些宏伟的奏鸣曲、精巧的赋格，并非仅仅是音乐家随意的发挥，而是遵循着一种高度组织化的思维模式。读完之后，我再听音乐，感觉就像是看到了隐藏在声音背后的蓝图，那些曾经模糊的感动，如今都有了清晰的脉络可循。这种视角让我对音乐的理解提升了一个维度，也让我对人类创造力的精妙产生了深深的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格让我感觉耳目一新，它没有很多学术书籍的生硬和枯燥，反而充满了洞察力和思辨性。作者在探讨音乐的结构时，经常会引申到更广泛的文化和哲学层面，这使得整本书的阅读体验更加开阔和有趣。我尤其喜欢书中关于“音乐的通用性”和“文化独特性”的讨论，它让我开始思考，为什么有些音乐能够跨越国界和文化，而有些音乐则带有鲜明的地域特色。这种探讨，让我对音乐在人类社会中的角色有了更深刻的理解。作者的分析角度非常独特，他并非简单地从历史或技术角度来阐述音乐，而是从更抽象的“结构”层面，去揭示音乐的本质。读这本书，就像是在进行一场思维的拓展训练，它不仅提升了我对音乐的理解，也让我对其他领域的结构性思维产生了兴趣。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐如何影响我们的情感和认知充满好奇，这本书算是给了我一个非常权威且富有启发性的解答。它不仅仅是关于音乐理论，更像是探讨音乐如何构成我们内心体验的深层机制。作者的论述逻辑清晰，层层递进，让人很容易跟随他的思路去理解那些复杂的概念。我尤其欣赏书中对“听觉感知”与“音乐结构”之间关系的探讨，它解释了为什么某些音乐听起来会让我们感到愉悦、悲伤、紧张或放松。这种解释，将音乐从一种纯粹的艺术形式，提升到了与我们心理机制息息相关的层面。读完之后，我开始更加有意识地去聆听音乐，去感受不同结构带来的不同心理效应，这让我对音乐的体验更加丰富和深刻。这本书让我意识到，音乐的美，并不仅仅在于表面的华丽，更在于其内在的逻辑和对人类感知的影响力，这是一种更加深层次的美学体验。