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出版社： 现代出版社

ISBN：9787514367232

商品编码：29608031386

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	基本乐理 音乐 书籍
作者：	崔宪 主
定价：	39.8
出版社：	现代出版社
出版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787514367232
印次：	1
版次：	1
装帧：	平装
开本：	16开

内容简介

高职(高等职业学校)和高专(高等专科学校)是我国高等教育体系中不可或缺的重要组成部分。 针对我国现有高职高专院校音乐系科的学制与教学特点，本套教材（共4册）聘请了我国音乐理论界的中国音乐史、西方音乐史、基本乐理，以及视唱练耳等学科专家担任主编，并在本科教材的基础上做了大幅度的内容精简和压缩，具有逻辑清晰、突出、简明实用、易学易懂等特点，为我国迄今为止高职高专音乐系科不可或缺的教材。  《基本乐理》按照音乐的基本产生到律制，用十二讲讲述，包括了十二律制、五声、七声音阶民族乐制。便于学生能够在短期内掌握音乐理论的相关知识。

编辑

难度适宜，实用易学。填补空缺。

音乐的结构与心灵的对话：一部探索音乐本质的经典之作 书名：旋律的织锦：解析西方音乐的骨架与灵魂 作者：[此处留空，或填写虚构作者名，如：阿尔弗雷德·冯·斯特劳斯] 出版社：[此处留空，或填写虚构出版社名，如：和声学研究学会出版社] --- 导言：穿越声音的迷雾 音乐，是人类情感最古老而又最精妙的表达方式之一。它并非仅仅是悦耳的音符组合，而是一个建立在严密逻辑和深厚文化积淀之上的复杂体系。然而，对于许多渴望深入理解音乐的人而言，如何从感性的聆听跃升至理性的认知，一直是横亘在面前的一道门槛。《旋律的织锦》正是一把旨在开启这扇大门的钥匙。 本书并非一本枯燥的教科书，它更像是一趟深入音乐心脏地带的探险旅程。我们不满足于停留在对“什么是音阶”的表层描述，而是着力于探究这些基础元素如何被赋予意义，如何构建起宏伟的音乐结构，并最终与听者的心灵产生共鸣。 本书的写作宗旨是提供一个全面、深入且具有人文关怀的音乐理论视角，它将传统和声学的严谨性与对音乐史、美学思想的深刻洞察相结合，旨在培养读者“用耳朵思考，用心灵聆听”的能力。 第一部分：音高的几何学——声音的组织原则 本部分从物理学的角度出发，迅速过渡到音乐学中的基础概念，但着重于对这些概念的历史演变和文化语境的探讨，而非机械的定义。 第一章：频率、泛音列与音高的主观性 我们首先审视声音的物理基础——频率。但我们很快将讨论的重点转向了巴赫时代，乃至更早的五度律体系是如何在数学和可听性之间寻求平衡的。泛音列如何决定了我们对“和谐”的直觉？我们将详细分析毕达哥拉斯、柏拉图对音程的哲学解读，探讨这些早期理论如何塑造了西方音乐的基础音高结构。 第二章：调性中心的构建与瓦解 调性（Tonality）是西方音乐（特别是巴洛克至浪漫主义时期）的基石。本书详细剖析了主音（Tonic）概念的形成，以及它如何作为听觉的“家”和“锚点”。我们将对比大调与小调的内在情绪差异，不仅仅归因于三度音程的差异，更探讨其在不同历史时期中社会情感的投射。同时，本章会引入对“非调性”音乐的初步概念性认识，为后续对现代音乐的解析做铺垫。 第三章：节奏的脉搏与时间的雕塑 节奏是音乐的骨骼。本书超越了简单的节拍划分，深入探讨了复节奏（Polyrhythm）和错位节奏（Hemiola）在不同作曲家作品中的作用。我们研究了从格里高利圣咏的自由节奏到德彪西和拉威尔作品中对自然流动感的模仿，强调节奏如何成为指挥时间流逝的艺术工具。 第二部分：和声的逻辑——多声部思维的演进 和声是音乐织锦中最绚烂的丝线。本部分着重于和声的功能性、审美性和历史性的辩证关系。 第四章：三和弦的统治与纵向思维的诞生 我们将追溯和声学从早期对位法的垂直实现，到十七世纪和声学体系确立的全过程。关键在于理解和弦功能（Tonic, Dominant, Subdominant）如何创造出听觉上的紧张与释放的驱动力。我们不会仅仅列举和弦的转位，而是分析一个终止式（Cadence）如何通过预期的建立和满足来讲述一个微型的音乐故事。 第五章：色彩的扩张：七和弦与延伸和声 随着音乐表现力的增强，和声的色彩也随之丰富。本章深入分析了属七和弦（Dominant Seventh）的解决机制及其潜在的替代方案。更重要的是，我们将探讨九和弦、十一和弦和十三和弦在浪漫主义晚期（如瓦格纳和布鲁克纳）作品中的“悬浮感”的营造，以及它们如何开始挑战传统的功能性框架。 第六章：对位法与复调的对话艺术 对位法（Counterpoint）是音乐思维的“语法”。本书通过巴赫的赋格曲实例，详细解析了模仿、倒影、增值、减值等技巧，强调对位法并非僵硬的规则集合，而是一种多重旋律线之间的平衡对话。我们探讨了严格对位与自由对位的区别，以及对位思维如何渗透到非巴赫时期的作品中。 第三部分：结构的宏伟蓝图——音乐的建筑学 音乐的宏大叙事需要建筑般的结构支撑。本部分关注乐思如何被组织成具有内在逻辑的整体。 第七章：乐思的提炼与动机的发展 动机（Motive）是音乐的基本细胞。我们分析了动机的展开技术：如反复、移位、扩展、碎片化以及与不同和声背景的结合。贝多芬和勃拉姆斯是这一领域的大师，本书将通过具体乐段的细致分析，揭示微小的音型如何被锤炼成贯穿一部宏大作品的统一力量。 第八章：形式的模塑：从曲式到宏大结构 我们将系统梳理西方音乐中的主要形式：从早期的二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A），到复杂的奏鸣曲式（Sonata Form）。对于奏鸣曲式，本书将重点放在呈示部、展开部和再现部各自承担的叙事功能上——它如何建立冲突、发展主题、最终解决矛盾。此外，咏叹调（Aria）、回旋曲（Rondo）和变奏曲（Variation）的结构逻辑也将被清晰阐释。 第九章：管弦乐的声场与配器的魔力 音乐的音色是其表现力的重要组成部分。本章着重于配器学（Orchestration）的原理，而非简单的乐器介绍。我们研究作曲家如何利用乐器的音区、音色对比和演奏技巧来创造特定的听觉空间感和情感氛围。例如，弦乐群的层次感、木管乐器的独白特性，以及铜管乐器在需要时所爆发出的戏剧性力量。 结论：走向未来的聆听 《旋律的织锦》的最终目标是解放读者的耳朵。理解了这些结构和原则，并非是为了将音乐束缚在规则之下，而是为了更好地欣赏那些成功地利用、挑战甚至打破这些规则的伟大作品。音乐的精髓在于其内在的张力与自由。掌握了骨架，方能真正体会到血肉的奔放与灵魂的自由。本书希望成为您在探索音乐的无尽深海中，最可靠的指南针。 --- 适合读者群体： 音乐学院学生及专业音乐人士 希望从根本上提升古典音乐鉴赏水平的爱好者 影视、戏剧配乐从业者，需要深入理解音乐结构与情感逻辑的创作者 对人文科学与美学交叉领域感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局简直是教科书级别的典范，尤其是在处理复杂的图表和示例时，这一点让我印象极为深刻。我发现很多技术性强的书籍，为了节省篇幅或者因为排版混乱，经常把关键的例子挤在一角，或者用很小的字体标注，导致读者需要反复对照好几页才能把理论和实际操作联系起来。但这本《基本乐理 音乐 书籍》完全没有这个问题。它在讲解和声进行时，会将和弦的数字标记、五线谱实例、以及对应的键盘图示，清晰地并列呈现。你可以一眼看出，这个“V级和弦”在键盘上应该按哪个位置，在乐谱上看起来是什么样的结构。这种多维度的信息呈现方式，极大地降低了学习的认知负荷。我特别喜欢它在引入“转位”概念时所使用的对比图，通过颜色的深浅变化，清晰地勾勒出了低音声部的线条变化，使得原本容易混淆的概念变得一目了然，这对于我这种视觉型学习者来说，简直是如获至宝。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一股清流，那种沉静的蓝色调，配上简洁的字体，一下子就抓住了我的眼球。我一直觉得好的音乐书籍不应该搞得花里胡哨，要让人一看就知道它走的是专业、扎实的路线。《基本乐理 音乐 书籍》做到了这一点，拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也很好，翻阅起来非常舒服，那种淡淡的书香气，让人一下子就沉浸到学习的氛围中去。说实话，我之前买过几本号称“零基础入门”的乐理书，结果内容要么过于学术化，术语堆砌得让人望而却步，要么就是简单到几乎没什么用，讲了等于没讲。而这本，从目录就能看出作者的用心，它似乎非常注重“学以致用”，不像有些教材那样只停留在理论的空中楼阁，它更像是一个引路人，知道初学者最容易在哪一步卡住，然后用最直观的方式去解释那些抽象的概念，比如音程的听觉辨识，和弦的功能性等等，我光是看着目录，就觉得对未来的学习充满了信心。装帧的细致程度也体现了出版方的专业水准，拿在手上感觉非常“靠谱”，绝对不是那种随便印刷的入门小册子。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我是一个对节奏感把握不太好的人，每次看到那些复杂的复合拍号或者附点音符的连写，大脑都会自动进入宕机状态。我尝试过跟着节拍器敲打，但很快就失去了耐心，因为我不知道为什么这些节奏要这样排列组合，它们之间除了“时间长短”的机械区别外，似乎没有内在的联系。然而，在翻阅到这本书中关于“律动与时间组织”的部分时，我的看法彻底改变了。作者没有直接扔给我一堆复杂的数学公式，而是用了类似“建筑结构”的比喻，将小节的强弱拍比作支撑整个旋律的“梁柱”，而那些不那么显眼的附点和切分音，则是用来增加建筑美感的“装饰性飞檐”。这种将抽象时间概念具象化的描述，让我一下子抓住了节奏的“骨架”。我现在再看那些复杂的切分节奏，脑子里不再是一团乱麻，而是能清晰地听到那个“重量”和“错位感”是如何协同运作的，仿佛是第一次真正“听懂”了音乐中的呼吸和停顿。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度让我感到惊喜，它远超出了我最初对于“基本乐理”这个词的认知范围。我原本以为它顶多会覆盖到大调、小调、七和弦的基础知识，但它竟然非常详尽地探讨了配器法在乐理基础中的应用，而且谈得非常到位。例如，在讲解如何构建一个饱满的和声织体时，它不仅告诉你应该使用哪个和弦，还会非常直白地指出，为什么在某个声部使用长笛比使用大提琴来演奏那个特定的音符会更具穿透力或融合感。这让乐理学习不再是孤立的理论知识，而是直接与实际的音乐创作和演奏紧密结合了起来。对我这种有志于编曲和配器的业余爱好者来说，这种“理论指导实践”的路径设计，极大地提高了学习的效率和乐趣。它让我明白，乐理不是为了限制创作，而是为了提供更精妙的“工具箱”，让你能更精准地实现脑海中那些模糊的音乐构想。总而言之，这是一本兼顾了学术严谨性和实用指导性的优秀读物。

评分☆☆☆☆☆

我抱着一种“试试看”的心态开始阅读，结果发现，作者对于旋律线条的分析简直是神来之笔。很多人在学习乐理时，总是被五线谱上的符号和各种大小调的转换搞得晕头转向，仿佛在学习一门外星语。但这本书的处理方式非常巧妙，它不是孤立地讲解每一个音符或符号的意义，而是把它们置于一个动态的音乐流中去理解。比如，当讲到“导音”和“主音”的关系时，作者没有用枯燥的音高百分比来解释，而是通过引用了一些非常经典的、大家耳熟能详的旋律片段进行对比演示。我甚至能“听”到那个导音如何带着强烈的倾向性想要回到主音上，这种“听觉化”的教学方式，对于提升乐感比死记硬背要有效一百倍。我过去总是觉得乐理是“算”出来的，而这本书让我明白，乐理更是“听”出来的。它不是强迫你接受规则，而是让你理解规则背后的音乐逻辑和美学原理，读到那些关于模态（调式）的章节时，我甚至觉得自己在进行一场音乐旅行，每一种调式都有它独特的“色彩”和“情绪”，这种感受的培养是无可替代的。