克拉莫84钢琴练习典全集 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539660868

商品编码：29563783006

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	克拉莫84钢琴练习典全集 音乐 书籍
作者：	陈学元，黄可为编译
定价：	70.0
出版社：	安徽文艺出版社
出版日期：	2018-04-01
ISBN：	9787539660868
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开本：	大16开

内容简介

本书是一部钢琴曲谱集，收录了克拉莫钢琴作品中有、具代表性的84作品。书中所收乐曲短小、精炼，集多种音乐风格和音乐要素于一体，能训练学生每个手指的独立性和弹奏的整体性。

好的，这是一本关于古典音乐史与理论的深度探讨，旨在为音乐爱好者、学生及专业人士提供一个全面而系统的知识框架。 --- 《和声的演进：从巴洛克到二十世纪的音乐语言变迁》 内容简介 本书是一部旨在深入剖析西方音乐语言核心——和声——自巴洛克晚期至二十世纪初的宏大演变历程的学术专著。它不仅梳理了音乐理论的表面规则，更着力于揭示这些规则在特定历史文化背景下的生成、发展、冲突与最终的突破。本书结构严谨，内容涵盖广博，旨在构建一个清晰的音乐史与和声学相互印证的知识体系。 第一部分：调性体系的奠基与成熟（巴洛克晚期至古典主义盛期） 本部分聚焦于巴赫和亨德尔时代奠定的功能和声基础，以及海顿、莫扎特和贝多芬如何将这一体系推向逻辑上的完美与情感上的张力极致。 第一章：巴洛克和声的逻辑与功能 深入探讨复调音乐的“垂直结构”——和声。分析巴赫在对位法中的和声处理，特别是如何利用严格的声部进行来自然地引出和解决不协和音程。重点分析降B大调与G小调等典型调性的功能主导性，以及固定低音（Basso Continuo）在驱动和声进行中的核心作用。详细解析了追逐导音（Leading Tone）的强化作用及其在终止式中的不可替代性。 第二章：古典主义的清晰与平衡 探讨奏鸣曲式结构对和声布局的制约与解放。古典主义作曲家如何通过主题呈示部中“功能区”的清晰划分（主调、副调、终止部）来构建宏大的音乐叙事。本书特别关注了“过渡段”和声的复杂化，分析了莫扎特和海顿如何通过模糊的、带有远关系调色彩的和弦序列来增加音乐的趣味性，同时保持整体的听觉清晰度。 第三章：贝多芬的“调性探索”与情感深度 贝多芬是调性体系的集大成者，也是第一个对其施加巨大结构压力的人。本章详细分析了他在慢乐章和戏剧性段落中对次属和弦、减七和弦的“滥用”（或曰“精用”）。通过对《C小调第五交响曲》第一乐章和《升C小调第十四钢琴奏鸣曲》的分析，展示了如何通过长时间停留在不稳定的和声状态来营造冲突感和宿命感。 第二部分：浪漫主义的和声扩张与调性模糊（19世纪） 浪漫主义时期，作曲家开始追求个体情感表达的无限性，这直接挑战了古典主义建立的严格调性框架。 第四章：舒伯特与弗朗茨·李斯特的色彩和声 分析舒伯特如何利用纯关系调的并置（如C大调与A小调的突然转换），创造出一种“抒情性的忧郁感”。李斯特则将“和弦色彩”置于功能驱动之上，引入了大量未经解决的、具有象征意义的和弦，预示着对传统功能性的背离。 第五章：瓦格纳的“无限旋律”与和声的停滞 本章是本书的核心分析之一。深入剖析了《特里斯坦与伊索尔德》中著名的“特里斯坦和弦”的结构、功能缺失及心理学意义。论证了瓦格纳如何通过持续的和声悬置（Harmonic Suspension）来匹配其“无限旋律”的理念，实质上是功能和声的“功能性消解”。探讨了这一现象如何深刻地影响了后来的德彪西和勋伯格。 第六章：德彪西与印象主义的和声革命 分析德彪西如何从法国音乐传统中汲取灵感，并借鉴非西方音乐（如印尼加美兰）的影响，构建了全新的和声语汇。重点分析了五声音阶、全音阶以及平行和弦（Parallel Chords）的使用。本书强调，德彪西并非“抛弃”调性，而是将其“液化”，使和弦的功能性让位于其纯粹的音响质感和色彩。 第三部分：调性边缘的探索与瓦解（19世纪末至20世纪初） 本部分探讨了调性体系在达到其表达极限后，作曲家们如何选择探索“无调性”（Atonality）的路径，以及这些探索如何彻底重塑了音乐的结构逻辑。 第七章：后浪漫主义的极限——理查·施特劳斯与马勒 分析了马勒对巨大管弦乐队编制的需求如何直接反映在他对和声密度的极致追求上。探讨了施特劳斯在《莎乐美》中对极端不协和音的使用，这些和弦在功能上已经极为不稳定，成为瓦解的先声。 第八章：调性的“十二音体系”的诞生 详尽介绍阿诺德·勋伯格在1920年代发展出的十二音技法（Dodecaphony）。本书系统解释了“音排”（Tone Row）的构建原则、音排的各种形态（逆行、倒影、倒影逆行）以及如何利用这些规则来保证音乐的“结构统一性”，即使在缺乏传统调性中心的背景下。 第九章：新古典主义的“回溯”与和声的重构 与激进的无调性倾向形成对比，本章分析了斯特拉文斯基等作曲家如何转向“新古典主义”。探讨他们如何有意地采用古典或巴洛克时期的和声手法，但通过引入非传统的功能关系（如调性戏仿、模进中的和弦错位）来创造一种疏离感和现代性的张力。 结语：和声的未来与开放的音乐观 总结从巴赫到勋伯格的线性发展，并展望了和声学在二十世纪后半叶，特别是序列主义、极简主义和电子音乐中如何继续拓展其边界。本书主张，理解和声的“历史”是理解任何现代音乐语言的基石。 --- 适用读者对象： 音乐学院本科及研究生，尤其主修作曲、和声学或音乐理论的学生。 专业管弦乐团和合唱团的指挥及演奏者，需要深入理解乐谱背后的结构意图。 资深的古典音乐爱好者和业余音乐理论研究者，寻求超越入门书籍的深度解读。 本书以严谨的分析和丰富的实例为支撑，是理解西方音乐“如何发声”和“为何如此发声”的权威参考读物。

评分☆☆☆☆☆

这部所谓的“典全集”给我带来了些许困惑，坦白说，我期待的是一套系统、全面、能真正指导我提升演奏技巧的权威教材。然而，当我翻开它的时候，感觉更像是在一个庞杂的音乐资料堆里打捞。内容上，虽然涉及了不少练习曲目，但它们的编排逻辑性实在令人费解。前一首还在强调快速音阶的精准度，下一首就跳跃到了复杂的和弦分解，中间缺少了必要的过渡和技术递进的说明。对于初学者来说，这简直是灾难，他们根本无法理解为何要进行这样的跳跃练习，也找不到循序渐进的路径。即便是对已经有一定基础的钢琴学习者，这种缺乏清晰的教学大纲指导的感觉也让人难以接受。它更像是一份曲目清单的汇编，而不是一本精心设计的“练习典范”。我希望看到的是，每一组练习都有明确的技术目标、详细的指法建议，以及对常见演奏误区的警示。这部书似乎完全忽略了教学的艺术性，只是简单地堆砌了大量的练习材料，使得学习过程变得枯燥且效率低下。如果只是想找一些零散的练习曲来打发时间，或许可以考虑，但若想通过它系统性地提升钢琴技艺，我持保留态度。我更倾向于那些结构严谨、讲解透彻的传统教材，它们至少能告诉我“为什么”要这么练，以及“如何”才能练好。这部书在这方面做得远远不够，给人的感觉就是重量有余，而质量不足。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感受是：过于注重“全”，而忽略了“精”与“用”。在当今这个信息爆炸的时代，学习资源唾手可得，一本优秀的教材或练习集的核心竞争力，在于它能否为学习者节省时间、避免走弯路，并提供清晰的进步阶梯。然而，这部“典全集”在结构上呈现出一种近乎线性的、没有太多智慧编排的堆砌感。当你练习到一些高难度段落时，比如需要极其精细的触键控制和对踏板的微妙运用时，书中的指导文字少得可怜，仿佛默认读者已经具备了超越书本的理解力。这对于绝大多数在攀登技术高峰的琴童和业余爱好者来说，是一种冷漠的姿态。真正的“典范”应该像一位耐心的导师，在你遇到困难时，能适时地伸出援手，给出切实可行的建议。这部书的遗憾就在于，它提供了一堆“工具箱”，却没有附带说明书，更没有教你如何正确地使用这些工具来修理那些“坏掉”的技术环节。最终，我发现自己还是得依赖网络上的各种教学视频和名师的解读，来理解书中那些晦涩难懂的练习背后的真正意图。这无疑背离了一本权威练习集应有的核心价值——独立且有效的指导能力。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，当我满怀憧ட்ட地购入这本厚厚的乐谱集时，心中描绘的是一个可以伴随我多年成长的坚实伙伴，一个真正能助我攻克技术难关的“全集”。但实际体验下来，它的份量感更多来自于纸张的厚度，而非知识的深度。书中的曲目跨度很大，这本无可厚非，毕竟是“全集”嘛。问题在于，对于那些经典的技术难点，比如双吐奏法、复杂的跨越性琶音、或者某些巴赫赋格中的声部独立性处理，书中提供的“练习”往往只是提供了几页现成的谱子，却鲜有深入的剖析和针对性的“特训”。我需要的是那种能将一个技术点拆解到极致，通过不断变奏和节奏变化来雕琢手指肌肉记忆的精妙设计。这部书的内容显得过于“宏观”，像是在俯瞰整个技术领域，却没能深入到微观层面去指导我如何精确地打磨我的技巧。想象一下，一个精细的钟表匠，他不会只给你一堆零件，而是会教你如何用最合适的工具去打磨每一个齿轮。这部书更像是把零件全摆在了桌上，让你自己去摸索组装的方法，这对于大部分非天才型的学习者来说，无疑是一种折磨和时间的浪费。我希望能看到更多像车尔尼599或哈农那样，具有高度针对性和重复性的“砖块”式练习，但在这本“全集”中，这种针对性练习的比例显得太低了，整体的教学设计缺乏那种令人信服的、层层递进的严密性。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本乐谱集给我的感觉就像是走进了一家陈旧的古董店，里面塞满了各种年代久远的乐谱碎片。它的价值可能在于其历史的汇集性，但作为一本现代的、面向实践的教学用书，它的实用价值实在大打折扣。首先是排版和印刷质量，有些地方的五线谱清晰度很差，尤其是在快速的十六分音符段落，几个音符挤在一起，初看很容易产生误判，这在练习中是致命的错误。更别提很多看似古老的指法标记，与现代钢琴教学的习惯大相径庭，硬生生地把我从流畅的练习状态中拉出来，去研究这些“古董”指法是否还适用。我尝试用它来巩固一些基础的音阶和琶音练习，但很快就放弃了，因为找到一个标准化的、经过时间检验的练习版本，远比在这本书里大海捞针要省心得多。此外，书中对于不同风格——比如浪漫主义时期的抒情性处理与古典主义时期的清晰颗粒感——在技术要求上的区分度不够明显。它把所有练习都放在一个锅里煮，结果就是，你练完后，技术上似乎“什么都碰到了”，但实际上“什么都没精通”。一部优秀的练习典范，应该能像定制西装一样，根据不同技术流派的需求，提供精准的“裁缝”式指导，而不是这种一刀切的粗放管理方式。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间试图理解这部“典全集”的编辑意图，但越是深入，越感到迷茫。它似乎试图涵盖所有已有的练习曲目，形成一种“包罗万象”的气势，但这反而导致了其核心价值的稀释。对于一个严肃的钢琴学习者而言，我们需要的不是量的堆砌，而是质的飞跃。高质量的练习，重在“少而精”，在于对某一技术难点的反复、深入挖掘，直到它内化为肌肉的本能反应。这部书在这方面明显不足，它更像是一个被动收藏家整理出来的目录，而不是一个主动的、具有前瞻性教学思想的教育家编纂的作品。例如，在处理高难度的音程跳跃时，专业的教材会给出专门的练习来训练手腕的放松和预判，而这本书里可能只有一两首曲目碰巧包含了这种要求，但没有提供配套的、纯粹用于“练跳跃”的辅助练习。这种“附带式”的教学让人感到非常不专业。读完之后，我依然需要回到我过去使用的、更专注于某一特定技术领域的练习册中去“补课”。所以，如果有人问我这本书是否值得购买，我会告诉他：如果你已经有了一套结构清晰的主教材，这本书或许可以作为偶尔翻阅的“资料库”，但如果它是你的主要技术提升工具，那无疑是选错了方向，它缺少了真正的教学灵魂和精确的技术指向性。