中国音乐学院 社会艺术水平考级全国通用教材 圆号1级-7级圆号考级教程书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787515329949

商品编码：29562108275

出版时间：2010-08-01

商品详情

铜管乐器演奏精粹：管弦乐队与室内乐的探索 （本书籍不包含《中国音乐学院 社会艺术水平考级全国通用教材 圆号1级-7级圆号考级教程书》中的任何内容。） 本书籍旨在为对铜管乐器演奏艺术抱有浓厚兴趣的学习者、爱好者以及专业音乐人士提供一个广阔而深入的视角，聚焦于管弦乐队与室内乐合奏领域中铜管乐器的核心地位、技巧的精进与音乐理解的深化。全书结构严谨，内容涵盖从基础气息控制到复杂交响作品解析的多个层面，力求构建一套全面且富有实践指导意义的音乐学习资源。 第一部分：铜管乐器发声原理与基础技巧的超越 本部分将彻底摆脱针对特定级别考级的僵化训练模式，转而探讨铜管乐器发声机制的底层逻辑与科学训练方法，以期突破演奏技术的瓶颈。 第一章：气息的科学掌控与能量转化 本章深入分析呼吸在铜管演奏中的作用，区别于一般的“深呼吸”概念，我们侧重于“气流的稳定性和速度控制”。内容包括： 横膈膜与肋间肌群的协同工作模式： 详述如何通过精确控制辅助呼吸肌群，实现长时间、高强度演奏中的气流不衰减。 气流阻力与声带振动的物理关系： 探讨气柱内部的压力变化如何影响唇部振动（Embouchure）的效率和音色的纯净度。 “气流塑形”技术： 介绍如何通过微调气流的形状，实现音色的细腻变化，例如从丰满的“歌唱音色”到明亮的“穿透音色”的即时转换，这在交响乐中是至关重要的表现手法。 持续音与动态范围的极限挑战： 针对专业演奏的实际需求，提供如何安全、有效地扩展乐器最大音量（fff）和最小音量（ppp）的训练方案，确保极端动态下的音准稳定。 第二章：唇部技巧的精细化打磨 本章专注于唇部肌肉的耐力、灵活性与反应速度的训练，重点不在于音阶或琶音的机械重复，而在于其在复杂音乐语境中的应用。 长周期耐力训练体系： 设计一套基于生理反馈的训练方案，旨在建立持久的肌肉记忆，而非单纯的疲劳堆积。讨论如何区分“疲劳”与“拉伤”的界限。 高低音区的无缝衔接： 探讨如何利用口腔腔体（Vowel Shaping）的变化来辅助唇部肌肉群的自然切换，避免“跳跃感”，实现音域内的平滑过渡，尤其关注跨越换音区时的处理。 颤音（Trills）与装饰音的精准性： 深入分析不同风格（巴洛克、古典、浪漫）对颤音速度和清晰度的要求，并提供针对性地提高手指与唇部协调性的练习方法，确保装饰音的音乐性大于技术炫耀性。 第二部分：管弦乐队中的角色定位与合奏艺术 本部分将焦点转移到铜管乐器在大型管弦乐队编制中所扮演的关键角色，强调协作与声部平衡的艺术。 第三章：管弦配器法与和声功能 本章不再停留于基础的记谱，而是深入探讨铜管乐器在管弦乐总谱中的和声功能和音色配置策略。 铜管声部的色彩层次分析： 剖析不同乐器组合（如小号与圆号的对比、长号与低音提琴的融合）在不同作曲家作品中的音色取向。例如，分析拉赫玛尼诺夫与马勒作品中铜管组的结构差异。 动态平衡的艺术： 讨论如何在乐团中准确找到自己的音量“位置”，避免“盖过”或“淹没”其他声部。重点讲解指挥法中对铜管组的信号解读，以及如何通过自身演奏的调整来配合整体的音响平衡。 导向性演奏（Leading vs. Following）： 学习在合奏中识别何时需要铜管声部作为旋律的“驱动力”，何时需要其作为和声的“基石”，并训练瞬间进入角色的能力。 第四章：室内乐合奏的细腻构建 室内乐对铜管演奏者提出了更高的要求，因为它剥离了大型乐队的“缓冲层”，要求每一件乐器的声音都必须独立且完美。 铜管五重奏的声学布局： 分析五重奏中各声部之间的空间感、音准的相互校正机制，以及如何分配和声中的高频、中频和低频能量。 “对话”与“角色扮演”： 探讨如何通过音色和力度变化来模仿人声对白，使室内乐作品更具戏剧张力。分析莫里康内或肖斯塔科维奇室内作品中铜管的对话技巧。 排练效率的提升： 提供实用的排练策略，如何快速定位并解决室内乐中常见的因乐器特性差异导致的音准和节奏问题，强调倾听与即时反馈的重要性。 第三部分：风格演绎与音乐文献的深度研习 本部分旨在拓宽学习者的音乐视野，使其能够驾驭不同历史时期和地域风格的铜管音乐作品。 第五章：从巴洛克到现代的风格适应性 本章关注历史演奏实践（HIP）对铜管乐演奏的影响，以及如何将这些洞察融入现代乐器的演奏中。 巴洛克与古典时期的清晰度： 研究早期铜管（如自然圆号、自然小号）的演奏限制如何影响了当时的乐句划分和装饰音的使用，并探讨如何在现代乐器上重现那种“纯粹感”。 浪漫主义时期的叙事性： 分析瓦格纳、布鲁克纳等作曲家如何利用铜管组来构建宏大的音乐场景，以及如何通过长乐句的连贯性来服务于作品的戏剧性结构。 二十世纪与当代的实验性技巧： 介绍超吹音（Multiphonics）、噪音（Noise elements）等现代作曲家对铜管乐器的拓展要求，并提供安全尝试这些新技术的指导，重点在于理解其音乐意图而非单纯的技艺展示。 第六章：管弦乐曲目精选解析 本章挑选了数部管弦乐作品中的关键铜管声部段落进行深入的音乐分析和演奏指导，这些段落是检验铜管演奏者综合能力的试金石。 交响曲选段的细致拆解： 例如，对德彪西《海》中圆号群的色彩运用、斯特拉文斯基《春之祭》中低音铜管的节奏精确性要求、或是伯辽兹《幻想交响曲》中特定乐器的音色模仿与戏剧冲突的展现。 技术难点的实践解决： 针对这些选段中出现的极速跑动、复杂和弦的快速切换、以及长篇幅高难度乐段的耐力维持，提供基于科学原理的针对性练习模版，确保技术提升服务于音乐表达。 本书籍的最终目标是培养演奏者成为一个有思想、有能力、能够深入理解并演绎不同音乐语言的独立音乐家，而非仅限于通过既定教材的考核。它提供的是通往音乐殿堂的深层思维路径和技术工具箱。

评分☆☆☆☆☆

说实话，刚开始选择时，我有点担心社会艺术考级教材会不会在艺术深度上有所欠缺，毕竟“考级”二字有时会让人联想到应试教育的局限性。然而，深入研习后发现我的担忧是多余的。这套书在深层次的音乐理解上做得非常出色。比如在高级别中，对于圆号特有的音色控制和弱奏技巧的讲解，简直是教科书级别的范例。它不仅仅是告诉你“要吹弱”，而是会详细解释如何通过调整口型、气流的稳定性和速度来实现真正优美、不飘散的弱音。更让我赞叹的是，它对圆号在管弦乐中的角色定位也有所阐述，即便是考级教材，也试图让学习者理解圆号在整个乐队中扮演的“中坚力量”和“和声粘合剂”的作用。这种宏观的音乐视野的培养，远超出了单纯的“考级证书”范畴，它是在培养学生对整个音乐世界的好奇心和敬畏心，这点对于任何级别的学习者都是极其宝贵的精神财富。

评分☆☆☆☆☆

这套教材刚到手，真是让我眼前一亮，尤其是对于一个初学圆号的孩子家长来说，简直是雪中送炭。我们之前在网上找的资料五花八门，有的偏重理论，有的又过于注重演奏技巧而忽略了基础的系统性训练，每次带着孩子去上课，都感觉像是在“打游击”，没有一个统一的脉络。这套“中国音乐学院社会艺术水平考级全国通用教材”给我的感觉就是——“靠谱”。它从一级开始，就非常注重基础的扎实度，音阶的练习不是那种枯燥的机械重复，而是巧妙地融入了不同的节奏型和力度变化，这对于培养孩子对音乐的敏感度至关重要。我尤其欣赏它在曲目选择上的独到眼光，既保留了古典音乐的精髓，比如一些改编自巴赫或莫扎特的简易片段，又加入了大量富有中国民族特色的乐曲，这不仅能让孩子在学习过程中保持新鲜感，更能让他们在演奏中体会到自己文化的美感。而且，教材的编排逻辑非常清晰，从指法、呼吸的初步建立，到乐句的处理和表现力的挖掘，每一步都像是一个精心设计的阶梯，让你清楚地知道下一阶段该朝着哪个方向努力，极大地缓解了家长在辅导过程中的焦虑感。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的配套资源和整体的出版质量也值得称赞。书本的纸张厚实，印刷清晰，五线谱的行距和字体设计都非常适宜长时间阅读和练习，这对于保护孩子的视力、提高练习效率是实实在在的好处。更重要的是，这套教材的结构完整性非常高，它似乎预设了“老师+学生+家长”三方协同学习的模式。在关键难点处，配有简洁明了的注释，这些注释不像学术论文那样高深莫测，而是非常贴近实际演奏操作层面的建议。例如，针对圆号在不同调性上的换号问题，教材给出的提示是如此直观和具有操作性，让我的辅导工作轻松了许多。总的来说，这是一套集系统性、专业性、艺术性和实用性于一身的典范之作，它不仅仅是一套学习工具，更像是一位耐心且博学的圆号导师，陪伴学习者从零基础稳步迈向高阶殿堂，其价值远远超过了书本本身的定价。

评分☆☆☆☆☆

我个人对这套圆号教程的整体设计语言有着非常深刻的印象。它不是那种老气横秋、充斥着密密麻麻五线谱和晦涩难懂术语的传统教材，而是充满了现代教育学的思考。比如，在涉及到一些高难度技巧的引入时，教材并没有直接给出复杂的练习，而是通过一些形象的比喻或者图示来解释圆号独特的“C”形构造对气息和口型带来的挑战，这对于自学者或者家长辅导来说，无疑降低了理解门槛。我发现，即便是七级的曲目，虽然难度陡增，但它对音乐性的要求却丝毫没有放松。它不仅仅是要求你把音吹准，更是在引导演奏者去思考“这个旋律想表达什么情感？”、“在哪个音符上应该进行呼吸处理？”。这种对音乐“灵魂”的探讨，让原本冷冰冰的练习曲变得有了生命力。很多时候，我看到孩子在练习时，不再是机械地‘嘣’‘嘣’地吹，而是开始尝试用不同的色彩去描绘乐句，这完全是这套教材潜移默化的结果，它在培养的是一个真正的音乐人，而不是一个只会考级的机器。

评分☆☆☆☆☆

作为一个多年来接触过不同级别圆号教学体系的旁观者，我必须说，这套教材的“全国通用”定位体现了极高的专业水准和普适性。它成功地架起了一座桥梁，连接了学院派的严谨和广大社会艺术培训的灵活性需求。以往很多教材可能更偏向于某一地区的教学风格，导致跨区域交流时会遇到教材体系不兼容的问题。但“中国音乐学院”的这套体系，显然是经过了全国范围内的教学实践检验的。它的难度递进曲线非常平滑，没有出现那种“平台期”或“陡坡”，从一级到七级，每提升一个级别，你会清晰地感受到对学生能力的新要求，这些要求都是循序渐进的、可达成的。举个例子，在三级到四级的过渡中，它开始引入换指和把位转换的练习，但这些练习都是穿插在旋律性极强的练习曲中的，使得技术训练变得不那么枯燥，而是服务于音乐表达的需要，这种“寓教于乐”的设计理念，是这套书的精髓所在。