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《创作60练：技法解析与实例》是一套详尽的国画技法书，创意内容点在于将实景步骤示范与例图有机结合。作者总结山水、花鸟创作中易面临的60个问题，以问答的形式指明重点。10张实景写生示范与50张例图有机结合，层层递进，旨在让读者巩固、提高创作技法。
内容简介
全书共分为三章。第一章以问答的形式，从理论上对山水画绘画、创作进行总结，指出绘画、创作要点。第二章为步骤示范。通过10张特定的场景写生，每张写生都配有场景照片与步骤示范，详解写生的步骤与重点。第三部分是图例。收录作者创作与古画临摹，共计50幅作品。旨在技法解析与步骤示范的基础上，让读者进一步巩固提高，彻底掌握山水画创作技法，后期可独立进行创作写生。
作者简介
计锋是浙江外国语学院艺术学院教师，本科、硕士、博士均就读于中国美院。本科、硕士阶段师从著名山水画家张伟平教授、林海钟教授，博士期间师从著名思想史大家金观涛教授与美术史专家毛建波教授。计锋博士的画作多次参加国内外各项展览，得到业内人士好评。山水画教学经验丰富，其授课形式通俗易懂，深受学生喜欢。
用户评价
我一直觉得，山水画中最难表现的部分，往往是那些微妙的、难以捕捉的“气息”和“神韵”。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，却恰恰在这方面给了我极大的启发。书中不仅仅是教你如何画出“形”，更是在引导你如何画出“神”。我非常欣赏书中对“气韵”的解析，它将笔墨的运行与中国传统的哲学思想联系起来，阐述了如何通过笔墨的轻重缓急，线条的起伏顿挫，来表现大自然的生命力和流动感。例如，在讲解“水”的画法时，作者不仅仅是教你如何画出水的形态，更是引导你如何去感受水流的动态，如何用灵动的笔触去捕捉水的“势”。同样，在画“云”的时候，作者也强调要表现出云的“飘逸”和“变幻”，而不是简单的涂抹。此外，书中关于“留白”的运用，也给了我深刻的启示。作者阐述了留白不仅仅是画面的空白，更是“气”的通道，是留给观者想象的空间。通过学习书中关于留白的应用，我开始懂得如何运用画面中的“无”来烘托“有”，从而使画面更具意境和深度。
评分我一直对中国的山水画艺术情有独钟，但苦于没有专业的指导，总是在自己摸索中感到困惑。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，如同一盏明灯，为我指明了方向。我特别欣赏书中“技法解析”部分的严谨和全面。它并没有简单地罗列各种画法，而是深入浅出地讲解了山水画创作中的每一个关键环节。例如，对于“勾勒”这一基础技法，作者不仅详细介绍了各种线条的粗细、曲直、方圆变化，还阐述了线条的“顿挫”和“转折”所能表达的物象质感。这让我明白，看似简单的线条，其实蕴含着丰富的表现力。更令我惊喜的是，书中对于“渲染”的讲解，作者将墨色的运用分解为“墨分五色”的理论，并结合实际的画面范例，指导读者如何通过不同程度的墨色叠加，来表现山体的层次感和光影效果。我之前总是觉得自己的画面显得平淡，通过学习书中关于墨色渲染的技巧，我开始能够有效地运用墨色来塑造画面的立体感和空间感。这本书让我从一个望而却步的旁观者，变成了一个跃跃欲试的实践者，每一次的练习都充满了成就感。
评分作为一名业余水墨画爱好者，我一直觉得自己在处理画面“虚实”关系上存在很大的问题。要么画面过于实，显得沉闷；要么过于虚，又显得空洞。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，可以说是为我量身定做的。它对山水画的“虚实”处理，进行了非常深入和细致的解析。书中针对不同的景物，比如远山、云雾、流水、树木，都提供了具体的技法指导，如何通过墨色的浓淡、笔触的虚实、留白的运用，来营造出画面的空间感和意境。我尤其喜欢书中关于“云雾的画法”的章节，作者详细讲解了如何利用“渲染”和“飞白”相结合的方式，来表现云雾的飘逸和体积感。特别是那些关于如何通过墨的晕染，让云雾看起来既有厚度又显得轻盈的技巧，让我豁然开朗。同时，这本书也没有忽略“实景”的刻画，例如山石的皴法，虽然看似是“实”的描绘，但作者却能通过笔墨的运用，让这些“实”的线条和墨块，传递出一种“虚”的空间和光影效果。这本书让我明白，山水画的魅力就在于这虚与实的辩证统一，而这本书则提供了最有效的学习途径。
评分一直以来，我都是一位对中国传统山水画充满向往的普通爱好者。虽然也曾尝试过临摹一些名家作品，但总觉得自己的画作缺乏灵魂，缺少那种“气韵生动”的韵味。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，正好弥补了我在理论与实践之间的鸿沟。它不只是枯燥的技法罗列，更像是循循善诱的教学过程。我特别喜欢书中对“山石的结构与骨骼”的讲解，作者并没有停留在表面，而是深入剖析了山石的形成过程，以及这些自然规律如何体现在山水画的笔墨之中。例如，在介绍“披麻皴”时，作者会结合地质学的知识，讲解岩石的层理结构，然后指导读者如何通过不同方向、不同力度、不同枯湿程度的线条来表现这种层叠和断裂的痕迹。这让我对山水画有了更深层次的理解，不再是单纯的模仿，而是开始理解其背后的逻辑。此外，书中关于“构图”的部分也给了我极大的启发。作者在讲解技法的同时，始终强调构图的重要性，如何通过“三远法”来安排景深，如何运用“虚实对比”来突出主体，这些都让我学会了如何更有意识地去组织画面，而不是随意堆砌元素。这本书让我从一个被动的观赏者，逐渐变成一个主动的创作者。
评分我一直对中国山水画情有独钟，但苦于自身技法不精，总觉得画面缺少几分灵动与神韵。偶然间翻到了《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，当即就被它详尽的教程所吸引。书中的内容并非是那种泛泛而谈的理论，而是将山水画的创作过程拆解成一个个具体的练习，从勾勒山石的皴法，到点染树木的枝叶，再到烘染云水的变化，每一个步骤都细致入微。作者用大量清晰的范图和逐一剖析的文字，让我能够非常直观地理解每一个技法的要点。例如，在讲解披麻皴时，作者不仅展示了不同形态的披麻皴，还详细说明了笔法的运用，如何通过线条的粗细、干湿、方圆来表现山石的体积感和质感，甚至连下笔的力度和行笔的速度都给出了建议。这让我这种初学者，不再对着空白的纸张感到无从下手，而是能够一步一步跟着书中的指引去实践。我最欣赏的是，这本书并不是简单地罗列技法，而是强调“创作”二字，在技法解析的同时，也融入了构图的考量，如何安排景物，如何取舍，如何通过虚实对比来营造意境，这些都给了我很多启发。我甚至觉得，这本书就像一位经验丰富的老者，手把手地教你如何用画笔去捕捉大自然的美。
评分作为一名对中国传统水墨画有着浓厚兴趣的学习者，我一直在寻找一本能够系统性地提升我绘画技巧的书籍。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，绝对是我近期遇到的最宝贵的学习资料。它之所以让我如此推崇，在于它将抽象的绘画理论，转化为一套套具体的、可操作的练习。我尤其喜欢书中关于“山石的组合与变化”的讲解。作者不仅仅展示了如何画单一块山石，而是教会我如何将不同的山石形态进行组合，形成连绵的山峦，以及如何通过“仰视”、“俯视”、“平视”等不同的视角来表现山石的不同姿态。这让我意识到，山水画的创作，不仅仅是笔墨的堆砌，更是对自然形态的理解和再创造。另外，书中关于“树木的点景”也给我留下了深刻印象。如何根据不同的山石背景，选择合适的树种，以及如何运用点苔和色彩来丰富画面的层次感，这些细节的处理，都让我受益匪浅。这本书让我明白，山水画的魅力在于其整体的意境，而这些意境的营造，则需要我们对每一个细节都精益求精。
评分作为一名曾经尝试过水墨画，但总是觉得不得要领的业余爱好者，我一直渴望找到一本能够真正指导我掌握山水画精髓的书籍。《山水画创作60练：技法解析与实训》可以说是满足了我长久以来的期待。这本书最大的特点在于其“练”字，它提供了一系列循序渐进的练习，让读者能够将理论知识转化为实际操作。我特别喜欢书中对不同“皴法”的深入讲解，比如斧劈皴、雨点皴、米点皴等，作者不仅详细阐述了每种皴法的起源和特点，还通过分解步骤图，让我清晰地看到笔墨的走向和变化。这对我来说至关重要，因为我之前总是难以区分和运用这些看似相似却又各有千秋的皴法。此外，书中对于“点苔”的讲解也令我印象深刻。点苔看似简单，实则蕴含着丰富的表现力，可以用来表现树木的繁茂，也可以烘托山石的苍劲。作者提供了多种点苔的方法，并说明了如何根据不同的山石形态和季节变化来选择和运用点苔，这让我对山水画的细节处理有了更深层次的认识。这本书不仅提供了技法，更是在引导我如何去观察自然，如何将自然的形态转化为笔墨的语言，这种从“形”到“意”的转化过程，在这本书中得到了很好的体现。
评分我一直对中国山水画有着深厚的情感，但一直苦于没有系统性的学习，总是在技法上感到瓶颈。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，就如同我在山水画学习道路上遇到的一个宝贵的指引。我特别喜欢书中对“色彩的运用”这一部分的讲解。虽然山水画以水墨为主，但适当的色彩运用，能够极大地丰富画面的表现力。作者在这方面提供了一些非常实用的建议，例如如何根据季节和时间来选择不同的设色，如何运用“淡彩”来烘托水墨的韵味，以及如何通过色彩的对比来突出景物的重点。我之前总是对设色感到束手无策，不知道如何下笔，而这本书则提供了一些非常具体的方法和思路。比如，在表现秋天的山林时，作者会指导如何用赭石、花青等颜色来表现层林尽染的效果，同时又要注意保持水墨的清雅。此外，书中关于“苔点”的多种画法，也让我受益匪浅。不同的苔点，可以表现出山石的年代感、湿润感，甚至是一种生命力。这本书让我明白了，山水画的创作，不仅仅是黑白的水墨，更是对自然色彩和生命力的捕捉和表现。
评分我一直以来都对山水画的意境之美所着迷，但苦于自己没有受过系统训练，总是无法将心中所想的山水在纸上呈现出来。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，无疑是我在山水画学习道路上遇到的一个重要里程碑。书中包含的60个练习，每一个都针对山水画创作中的一个具体环节，从最基础的勾勒轮廓，到复杂的设色渲染，都进行了详细的拆解和指导。我印象最深的是，书中对“树木的画法”部分，作者不仅区分了松、柏、柳、竹等不同树木的形态特征，还教授了如何通过“点叶”来表现树木的生长姿态和季节变化。例如，如何用不同方向的笔触来表现松针的挺拔，如何用圆润的点来表现柳叶的柔美，这些细节的讲解，让我受益匪浅。此外，书中关于“水法的表现”也给了我很大的启发。无论是湍急的溪流，还是平静的湖面，抑或是磅礴的云海，作者都提供了相应的笔墨技法来表现其形态和动态。我之前总是觉得水是一种很难表现的元素，通过这本书，我学会了如何利用飞白、渲染和留白来营造出水的灵动和浩瀚。这本书让我明白，山水画不仅仅是描绘景物，更是要通过笔墨来传递一种生命力和自然气息。
评分我对中国传统艺术有着浓厚的兴趣，尤其是山水画，一直是我心中向往的艺术形式。然而，真正拿起画笔，却发现其中的奥妙远比想象中要复杂得多。《山水画创作60练：技法解析与实训》这本书，就像是给我打开了一扇通往山水画艺术殿堂的大门。我尤其喜欢书中对于“笔墨”的解析，它不仅仅是简单的线条和墨色的运用，更是蕴含了中国哲学思想和审美情趣。作者在讲解中，并没有回避这些抽象的概念，反而试图用非常接地气的方式将其融入到具体的技法练习中。例如，在讲解“用笔”时，作者会区分“中锋”、“侧锋”的运用，以及“干笔”、“湿笔”的效果，并说明这些不同的笔法如何能够塑造出山石的坚硬、松软、粗糙或光滑等不同质感。更让我惊喜的是，书中关于“用墨”的讲解，从“浓墨”、“淡墨”、“焦墨”到“宿墨”，每一种墨色的运用都配有精美的范例，并且详细解释了墨色的浓淡干湿如何影响画面的层次感和空间感。我之前总是觉得画面缺乏立体感，通过这本书的学习，我明白了墨色的晕染和层次是构建空间的关键。这本书不仅仅是技法的堆砌，更是在传授一种绘画的理念和方法，让我能够以更深入的方式去理解和创作山水画。
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