中国传统音乐概论/中国艺术教育大系 袁静芳　中央音乐学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 中国传统音乐
• 音乐史
• 音乐理论
• 艺术教育
• 民族音乐
• 袁静芳
• 中央音乐学院
• 中国艺术教育大系
• 音乐概论
• 传统文化

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787805538341

商品编码：29867314938

丛书名： 中国传统音乐概论

开本：16开

出版时间：2010-09-01

 

内容提要

 

---

 

《中国艺术教育大系：中国传统音乐概论（音乐卷）》是“中国艺术教育大系”丛书之一。《中国艺术教育大系：中国传统音乐概论（音乐卷）》分上下两篇共八章，内容涉及民间音乐，宗教、祭祀音乐。《中国艺术教育大系：中国传统音乐概论（音乐卷）》以辩证唯物主义与历史唯物主义为方法论的指导思想，强调理论与实践相结合的原则。《中国艺术教育大系：中国传统音乐概论（音乐卷）》为音乐院校专业基础课的理论教材，其内容经过适当选择与调整，同时也适用于普通大学音乐必修课及师范院校的教学。

目录

 

---

 

 

《中国艺术教育大系》序
绪论
一、中国传统音乐文化的悠久历史
二、中国传统音乐文化的丰富内涵
三、中国传统音乐文化的主要特征

上篇 民间音乐
章 民间歌曲
节 概述
一、民间歌曲界定
二、民间歌曲历史沿革
（一）春秋、战国至汉代的民间歌曲
（二）三国、两晋、南北朝时期的民间歌曲
（三）唐、宋时期的民间歌曲
（四）明、清时期的民间歌曲
三、民间歌曲在我国人民生活中的地位
第二节 民间歌曲的类别与艺术特征
一、汉族民歌
（一）号子
（二）山歌
（三）小调
二、少数民族民歌的代表种类
（一）蒙古族的长调与短调
（二）哈萨克族的独唱和弹唱歌曲
（三）维吾尔族的情歌
（四）朝鲜族的抒情谣
（五）藏族的山歌和酒歌
（六）彝族“腔”
（七）少数民族的多声部民歌
思考题
附：一、本章学生参考书目
二、听群与分析曲目
第二章 舞蹈音乐
节 概述
一、舞蹈音乐界定
二、舞蹈音乐历史沿革
（一）远古时期的原始乐舞
（二）夏、商、周三代的民间舞蹈音乐
（三）汉、魏至唐、宋时期的民间舞蹈音乐
（四）元、明、清时期的民间舞蹈音乐
三、民间舞蹈的艺术特征
（一）民间舞蹈是一门综合性民间艺术形式
（二）民间舞蹈的体裁分类特征
第二节 舞蹈音乐的类别与艺术特征
一、声乐类歌舞音乐
（一）采茶舞歌
（二）花鼓调
（三）二人台
（四）佤族玩调
（五）舞歌的一般音乐特征
二、器乐类舞蹈音乐
（一）花鼓灯
（二）秧歌
（三）芦笙舞
（四）舞乐的一般音乐特征

……
第三章 说唱音乐
第四章 戏曲音乐
第五章 器乐与乐种

下篇 宗教、祭祀音乐
第六章 佛教音乐
第七章 道教音乐
第八章 祭祀音乐
图片目录
本著作参考书目
后记

 

巨牛图书专营店——专业正版音乐书服务商！

巨牛图书专营店——专业正版音乐书服务商！

好的，以下是根据您的要求，为您撰写的一份不包含《中国传统音乐概论/中国艺术教育大系 袁静芳 中央音乐学院》具体内容的图书简介。 --- 《华夏乐韵：中国古代音乐文化史纲》 ——一部深度探寻中华文明音乐基因的权威著作 本书并非一部简单的音乐史罗列，而是一部旨在勾勒出中国古代音乐文化演进脉络的宏大叙事。它力求以历史的纵深感和跨学科的广阔视野，为读者构建起一座理解中国传统音乐的立体认知框架。全书聚焦于从先秦至明清的漫长历史长河中，音乐如何在社会结构、政治哲学、宗教信仰与审美趣味的交织下，逐渐定型并衍生出其独特的艺术特征。 【第一部分：文明的序章——音乐在早期社会中的角色】 本书伊始，我们追溯华夏文明的源头，探讨音乐如何在原始社会中作为巫术仪式、劳动号子和群体交流的载体而诞生。重点阐述了“乐”与“礼”的早期绑定关系。在周代建立的宗法与礼制体系中，雅乐（宫廷音乐）被赋予了至高无上的政治伦理功能。我们细致分析了“礼器”与“乐器”的共生现象，特别是钟、磬、编钟等礼器的形制及其所承载的“中和”思想。 本部分深入剖析了《周礼》《礼记·乐记》等核心文献，解读了“德行与音律相应”的古代哲学观。它不再仅仅是艺术的阐述，更是国家治理理念的具象化体现。读者将清晰地看到，早期的音乐典章制度是如何确立了中国音乐“重义理、轻技巧”的初始基调。 【第二部分：思想的碰撞与音乐的转型期】 秦汉的统一为音乐带来了新的机遇与挑战。本章重点探讨了“雅乐”向“燕乐”的过渡。随着疆域的拓展和文化交流的深入，来自西域的音乐元素开始渗透，为原本肃穆的宫廷音乐注入了新的活力与世俗气息。 我们详细梳理了汉代“相和乐”的构成、曲目的变迁，以及“七弦琴”——中国士大夫精神的象征——如何在这一时期确立其独有的审美地位。不同于宫廷的宏大叙事，文人阶层的音乐活动，如“竹林七贤”的清谈与弹奏，标志着音乐开始从纯粹的政治工具，向个体情感表达的媒介转变。 【第三部分：多元文化的交融——隋唐盛世的音乐高峰】 隋唐时期，中国古代音乐迎来了前所未有的繁荣与多元化。本书将此阶段视为“世界音乐的熔炉”。我们详尽考察了“燕乐”的成熟与定型，特别是“曲项琵琶”等外来乐器的本土化过程。 本部分的核心在于对“教坊”制度的深入解读。教坊不仅是皇家乐舞的表演机构，更是音乐人才培养和曲谱整理的中心。我们不再局限于器物和曲目，而是考察了唐代音乐的“结构美学”——如燕乐的“慢”、“中调”、“急曲”等不同速度与情绪的处理方式，及其在诗歌（如唐诗的配乐）中的体现。同时，道教和佛教音乐在这一时期的兴盛，也为中国音乐的音色和调式带来了新的维度。 【第四部分：宋代的精致化与“文人音乐”的自觉】 宋代是中国文化发展史上一个极为特殊的阶段。宫廷音乐的规模有所收缩，但民间和文人阶层的生活音乐却达到了精致化的顶峰。本书着重分析了“词”与“曲”的紧密关系。宋词不仅是文学的成就，更是音乐活态传承的直接证据。 我们详细论述了“词牌”的概念，即一套固定的曲调框架如何允许不同的词人填入新的内容，从而保证了音乐形式的延续性与内容表达的灵活性。此外，这一时期“筝”和“琵琶”的独奏化倾向，标志着中国器乐艺术开始独立于声乐和歌舞，发展出复杂的演奏技巧和独立的审美范式。宋代的“点茶”“斗茶”等雅集活动，也为我们理解当时的音乐生活提供了生动的背景。 【第五部分：明清的定型与流派的形成】 明清时期，中国传统音乐进入了相对成熟与定型的阶段。本章聚焦于地方戏曲的崛起，特别是昆曲（以“水磨腔”为代表的典雅）与地方花部（如京剧的前身）的并行发展。 我们探讨了以“板式”为核心的戏曲音乐结构，解析了其如何实现对情节的细腻描绘。同时，本书对丝竹乐的专业化进行了深入剖析。江南丝竹等新兴的器乐合奏形式，开始强调乐器间的对话、声部的平衡与即兴发挥的空间，这与前代严谨的“合律”观念形成了有趣的张力。通过对这一时期乐谱的考察，读者可以清晰地看到，中国传统音乐的“程式化审美”在这一阶段得到了最终的巩固。 【结语：活着的遗产——传统音乐的当代价值】 本书最后总结了中国传统音乐在历史长河中形成的几个核心特质：注重意境而非炫技、强调群体和谐而非个体张扬、以及深厚的哲学底蕴。它不仅是一部学术专著，更是一份面向未来的文化思考，引导读者超越表象的旋律，去体悟支撑其千年的民族精神与艺术情怀。 本书特色： 史料扎实，逻辑清晰： 借鉴了最新的考古发现与文献研究成果，构建严谨的年代脉络。 注重器乐与声乐的平衡考察： 不偏废任何一个音乐门类，全面展现古代音乐生态。 文化语境的重建： 强调音乐与礼制、哲学、文学的关系，实现多维度的理解。 读者对象： 艺术史、文化史爱好者；高等院校音乐学、民族学、历史学专业学生；所有对中华文明深层结构感兴趣的求知者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的版式和插图处理，是我非常欣赏的一点。虽然主题严肃，但编排上却并不死板。大量的乐器图谱和乐谱片段的穿插，使得阅读体验大大提升，不再是枯燥的文字堆砌。特别是那些对于失传或罕见乐器的介绍，配上清晰的描绘，极大地满足了我的好奇心。我甚至会特意去对照着书中的描述寻找相关的历史影像资料。作者在介绍“文人画”与“文人音乐”的内在关联时，那种跨学科的洞察力令人拍案叫绝。音乐仿佛被赋予了色彩和笔触，听觉的体验被视觉化了。这种综合性的呈现方式，让这本书超越了单纯的学术专著，更像是一部制作精良的文化纪录片，只是载体是纸张和墨水。它让我意识到，理解中国传统音乐，不能仅仅停留在听觉层面，更需要理解其背后的美学观和生活方式。

评分☆☆☆☆☆

我特别喜欢作者在论及近现代音乐变革时的那种冷静而审慎的态度。面对西方音乐的强力冲击，很多论述容易陷入“全盘肯定”或“过度排斥”的两个极端。然而，这本书在这一部分处理得非常平衡，它没有简单地将传统音乐视为僵化的过去式，而是探讨了在现代化过程中，哪些元素得以保留、哪些遭到了重构，以及这种重构带来的得与失。那种对民族音乐在转型期所承受的巨大文化张力的细致描摹，读来令人深思。它提醒我们，音乐的传承不是一条单行道，而是一个充满妥协、选择和再创造的复杂过程。读完这部分，我感觉自己对当前舞台上演奏的许多“改良”或“融合”的民族音乐，有了更深层次的理解和更宽容的视角，不再轻易贴上“不纯正”的标签，而是去探究其背后的时代逻辑。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验上来说，这本书的知识密度非常高，需要反复咀嚼。它不是那种可以一口气读完的轻松读物，更像是一本需要时常停下来，在脑中反复构建知识体系的参考书。对于我这个试图系统学习中国音乐理论的人来说，它提供了一个近乎百科全书式的框架，涵盖了从理论基础到流派风格，再到社会影响的方方面面。作者在引用和注释上的严谨，也为进一步深入研究指明了方向，那些参考文献列表本身就是一张宝贵的资源地图。虽然内容深奥，但行文的逻辑性极强，即使在论述最复杂的乐理问题时，作者也努力用清晰的层级来引导读者，让人感到虽然攀登的是一座学术的高峰，但路标清晰可见，让人充满信心去征服每一个难点。这是一部值得放在案头，时常翻阅、时常对照的力作。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐史著作，初翻之下，便被其宏大的叙事结构所吸引。作者显然投入了极大的心力，试图构建一个清晰、有脉络的中国音乐历史图景。不同于那些侧重于某个朝代或某种乐器的专著，它更像是一张全景式的地图，试图勾勒出从远古的筚路蓝缕到近现代的流变轨迹。我尤其欣赏它在早期音乐形态探讨上的那种严谨与审慎，那些关于“礼乐”与“雅乐”的阐释，不仅仅是简单的名词解释，而是深入挖掘了其背后的社会功能与哲学意涵。读到那些关于宫廷雅乐如何影响民间乐曲发展的论述时，我仿佛能听到历史的回声，感受到那种庄重与肃穆渗透进每一个音符之中。那种试图将音乐置于更广阔的文化背景下去理解的努力，使得这本书的厚重感油然而生，它不是在教你如何欣赏某首曲子，而是在教你如何“阅读”中国音乐的历史本身。那种细致入微的考据，让人感觉作者是一位不倦的考古学家，小心翼翼地从尘封的文献中拂去岁月的尘埃。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初读这本书时，我曾被其中大量引用的古籍原文和专业术语弄得有些吃力，但坚持读下去后，我发现这恰恰是其价值所在。它没有为了迎合“大众化”而牺牲学术的深度。作者在处理不同音乐流派的交融与冲突时，展现出一种近乎辩证法的思维。比如，在论述宋代“文人音乐”的兴起时，书中不仅仅描绘了其精致与细腻，更不回避它在某种程度上对民间活力音乐的抑制作用，这种双向的审视非常到位。对于一个非科班出身，但对中国文化有浓厚兴趣的读者来说，它提供了一个非常坚实的理论基石，让你明白为什么今天的某些器乐演奏会有那样的风格倾向。那些关于乐律、音阶演变的讨论，虽然技术性强，但一旦理解了背后的逻辑，看待传统戏曲或器乐合奏的视角就会完全不同，仿佛突然获得了理解深层密码的钥匙。