上海音乐学院钢琴考级曲集2018版指导纲要 艺术水平考级系列丛书教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广东新世纪出版社

ISBN：9787540536244

商品编码：29867315498

丛书名： 全国钢琴演奏考级作品集(6-8)精解版(配C

开本：16开

出版时间：2008-04-01

目录   级
    1．G大调钢琴小品
    2．铃鼓舞曲
    3．塔兰泰拉
第二级
    1．A大调奏鸣曲
    2．G大调布列舞曲
    3．D大调日尔曼舞曲
第三级
    1．匈牙利歌曲
    2．小步舞曲
    3．进行曲
第四级
    1．雪橇派对
    2．小步舞曲
    3．两首钢琴小品
第五级
    1．小前奏曲
    2．F大调小步舞曲
    3．阿坝夜会
第六级
    1．练习曲
    2．d小调幻想曲
    3．奇怪的故事
第七级
    1．练习曲
    2．幻想曲
    3．急板
第八级
    1．神龙飞舞
    2．小前奏曲
    3．侏儒进行曲
第九级
    1．练习曲
    2．G大调奏鸣曲
    3．西班牙舞曲
第十级
    1．练习曲
    2．g小调赋格
    3．小丑

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好的，下面为您撰写一份不包含《上海音乐学院钢琴考级曲集2018版指导纲要 艺术水平考级系列丛书教材》内容的图书简介，力求详实，避免任何明显的AI痕迹。 --- 跨越时空的和声：十九世纪浪漫主义钢琴作品精选与演奏探微 图书定位： 本书旨在为中高级钢琴学习者、演奏者以及钢琴教育工作者提供一套深入剖析十九世纪浪漫主义时期钢琴音乐的理论与实践指导。它侧重于对该时期核心作曲家作品风格的细致解读，演奏技巧的专门训练，以及如何构建富有时代精神与个人情感的演奏诠释。 本书特色与内容概览： 本书并非一套标准化的考级曲目解析或教材，而是专注于浪漫主义钢琴作品的深度学习与鉴赏。全书结构严谨，内容涵盖了从早期浪漫主义的抒情性探索到晚期浪漫主义的宏大叙事，力求展现这一音乐黄金时代的丰富面貌。 第一部分：浪漫主义的诞生与核心精神 (1815-1850) 本部分聚焦于浪漫主义音乐思潮如何取代古典主义的规范，并渗透到钢琴音乐创作中的初期阶段。 第一章：从贝多芬的遗产到舒曼的诗意 精神溯源： 分析贝多芬晚期作品中展现出的个体情感表达如何为浪漫主义铺设道路。探讨“自由”与“打破界限”在早期浪漫主义中的体现。 舒曼的内心世界： 重点剖析舒曼钢琴作品（如《儿时情景》、《幻想曲》等）的“文学性”和“象征意义”。如何通过指尖捕捉其作品中特有的“双重人格”（如弗洛雷斯坦与欧塞比乌斯）的对比与交织。 即兴性与幻想曲： 探讨早期浪漫主义作曲家对“即兴”形式的偏爱，及其对演奏者在情感连贯性和呼吸感上的要求。 第二章：肖邦的钢琴语言：波兰的灵魂与巴黎的精致 夜曲的奥秘： 深入分析肖邦夜曲的结构特点，特别是其对歌唱性旋律（Cantabile）的处理技巧，包括左手的琶音织体和右手的装饰音处理。 玛祖卡与波兰舞曲的民族根源： 探讨如何在高度精炼的钢琴语汇中融入东欧民间音乐的节奏与情感色彩。 练习曲的革命： 区别于前人的技术练习，重点分析肖邦练习曲（如Op. 10, Op. 25）如何将纯粹的技术挑战与深刻的音乐表达完美融合，探讨“指法设计”背后的音乐意图。 第二部分：宏大叙事与民族乐派的影响 (1850-1880) 这一阶段，钢琴作品的规模感和表现力进一步增强，民族音乐的元素开始在主流音乐中占据重要地位。 第三章：李斯特的炫技与精神追求 “钢琴之王”的技术巅峰： 详细解析李斯特作品中对演奏技术极限的拓展，例如八度交替、复杂的和弦跳跃以及音色的多变控制。 超技练习曲的演奏学视角： 不仅关注速度与力度，更侧重于如何通过音色变化和踏板的精妙运用，将炫技转化为戏剧性的场景描绘，而非单纯的杂耍。 晚期作品的内省： 分析《朝圣岁月》等晚期作品中，李斯特回归的内省、简洁与神秘主义色彩，与早期的华丽风格形成对比。 第四章：德奥的继任者与新精神 布拉姆斯的古典主义回归： 探讨布拉姆斯如何在浪漫主义的情感深度下，坚持古典主义的曲式结构（如奏鸣曲、变奏曲），以及他标志性的“厚重感”和复调织体处理。 舒曼的继承者——管风琴式的厚度： 强调布拉姆斯钢琴作品中对低音声部的处理，以及如何在多层次的对位中保持清晰度。 第三部分：晚期浪漫主义的辉煌与终结 (1880-1900) 晚期浪漫主义的特点是和声的极大扩展、管弦乐化倾向以及对异国情调的探索。 第五章：管弦乐队在钢琴上的重现 拉赫玛尼诺夫的俄式厚重： 聚焦于拉赫玛尼诺夫作品中标志性的宽广琶音、厚实的和弦以及深沉的旋律线条。探讨如何在标准钢琴上模拟出管弦乐队的层次感和宏大气势。 “抒情”与“技巧”的平衡： 分析其前奏曲和练习曲中，如何将极高的技术难度融入到强烈的个人情感表达中。 第六章：斯拉夫的色彩与法国的细腻 德彪西前奏： 简要探讨十九世纪末期，民族乐派和早期印象主义思潮如何开始对既有浪漫主义进行解构与革新，为进入二十世纪做铺垫。 踏板在音色构建中的作用： 针对晚期作品中复杂和声与延音的交织，提供细致的踏板使用策略，以避免声音的“污浊”。 演奏指导与实践建议 本书的最后一部分将不针对任何特定考级大纲，而是提供通用的、深入的演奏指导： 1. 乐句的“呼吸”与结构分析： 教授如何从宏观结构上把握乐章的起承转合，避免片段化演奏。 2. 音色控制的等级划分： 建立从 ppp（极弱）到 fff（极强）的十级音色控制体系，强调浪漫主义对“中间层次”音色的微妙要求。 3. 历史演奏实践的借鉴： 探讨不同时代对同一作品（如肖邦圆舞曲）的演奏风格差异，鼓励学习者形成自己的音乐见解。 本书面向读者： 具有至少五年钢琴学习经验，希望深入研究浪漫主义时期核心曲目（如肖邦练习曲与夜曲、舒曼幻想曲、李斯特超技练习曲选段等）的专业学生、业余进阶者，以及致力于提升教学深度的钢琴教师。本书提供的是一把深入理解十九世纪钢琴艺术的钥匙，而非一套通关的路线图。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我刚从一家独立书店淘到一本超级厚实的乐理教材，封面设计那种老派的深蓝色和烫金字体，瞬间把我带回了上世纪八十年代的音乐教室。这本书的装帧简直是艺术品，每一页纸张的质感都透着一股沉甸甸的专业感，拿在手里那种触感，比现在很多轻飘飘的数码印刷品要踏实得多。我翻开目录的时候，就被里面那令人眼花缭乱的章节标题给镇住了，从基础的音程、和弦辨识，到复杂的对位法和曲式分析，简直无所不包。而且最让我惊喜的是，这本书里对每个理论知识点的讲解都配了大量的古典音乐片段作为实例分析，那些乐谱排版清晰到令人发指，每一个细节都像是经过了无数次校对的。我光是研究其中关于巴赫赋曲结构的图示解析，就花了一个下午的时间，那些复杂的线条和箭头，清晰地勾勒出了声部的交织与逻辑，比起网上零散的学习资料，这本书简直是系统学习的圣经。我感觉，这本书不仅仅是用来“看”的，更是用来“啃”的，它要求你慢下来，用心去体会每一个音符背后的结构和美学意图。光是看它的前言部分，就能感受到作者团队对于音乐教育的敬畏之心和严谨态度，字里行间流露出的那种对古典音乐的深厚情感，让人忍不住想要立刻坐到钢琴前，把书里讲的每一个概念都亲手弹奏一遍来验证。这本书的厚度和内容的深度，绝对能支撑一个音乐学习者走完从初级到高级的漫长旅程，绝对是值得终身收藏的硬核知识库。

评分☆☆☆☆☆

这本教材给我的感觉是，它不仅仅是关于“弹奏”的指导，更像是一部关于“如何思考音乐”的哲学论著。我以前总觉得，学习乐理就是背诵规则，但这本书彻底改变了我的看法。它在讲解力度标记和表情术语时，引入了大量的德语和意大利语词源学分析，比如一个“espressivo”不仅仅是一个力度要求，它背后所蕴含的作曲家情感表达的深度是如何随着时代演变的。在它的“曲式结构与结构分析”部分，作者采用了非常独特的“解构主义”手法，将复杂的奏鸣曲结构拆解成最基础的动机单元，然后展示这些动机如何在不同段落中进行变形、发展和再现。我花了整整一周的时间，对照着书中的图表，去分析肖邦的一首夜曲，那种豁然开朗的感觉，就像是突然找到了隐藏在音乐表象之下的骨架。这本书的编者显然拥有极高的学术素养和教学经验，他们深知学习者在哪个环节最容易产生困惑，并提前在文本中设置了精妙的“引导点”。它要求读者有极高的专注度，但一旦你投入进去，你收获的将是知识体系的整体构建，而非零散的技巧碎片。

评分☆☆☆☆☆

当我打开这本书时，首先感受到的就是它那股子“老派学术风”扑面而来，但这种风范却是无比珍贵的。这本书在细节处理上的用心程度，简直令人肃然起敬。例如，在涉及历史演奏法的部分，它没有一笔带过，而是详细对比了羽管键钢琴与现代三角钢琴在音色和触键感上的差异，并配有相应的练习建议，引导学生去理解不同乐器对音乐诠释的影响。更令人称道的是，它在和声学章节中，对“不协和音程”的讲解，没有采用那种机械的“解决”模式，而是深入探讨了这些音响如何在不同的历史时期被赋予了不同的情感色彩和审美价值。我印象特别深的是，书中对“模进”技巧的分析，不仅展示了如何进行严格的模进，还列举了大量作曲家如何“打破”模进规则来制造戏剧性张力，这种对规则的“叛逆”分析，让学习过程变得生动有趣起来。这本书的每一章之间都存在着紧密的逻辑联系，它不是一本可以随便翻阅的参考手册，而是一套需要按部就班、层层递进才能完全吸收的知识体系。它真正做到了，将理论与实践，历史与技巧，完美地编织在一起，让你在学习过程中，不知不觉地提升了对音乐艺术的鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

我最近在整理我的专业书架时，发现这本教材简直是“知识密度之王”。它的重量和厚度让我一开始有点望而却步，但一旦开始深入阅读，那种被内容充实的感觉就让人欲罢不能。与其他一些只侧重技巧练习册不同，这本书的体量更像是为音乐学专业的本科生准备的“百科全书”。我尤其赞赏它在“音乐史与风格”章节的编排逻辑。它不是简单的时间线罗列，而是将不同时期的音乐要素进行横向对比。比如，它会用一整页的篇幅来对比文艺复兴晚期复调音乐与巴洛克初期协奏曲在织体运用上的核心区别，并通过具体的乐谱实例进行视觉化呈现。这本书最大的价值在于它的“关联性”——它让你明白，你弹奏的每一个音符，都深植于特定的历史文化土壤之中。我甚至发现了一个有趣的细节，书中对十九世纪浪漫主义时期钢琴作品的选材，几乎都倾向于选择那些在演奏实践中难度适中但艺术价值极高的中型作品，而不是那些动辄十几页的炫技曲目，这体现了编者对学习者循序渐进的培养理念。这本书的装帧虽然朴素，但其内涵的丰富程度，绝对是能经受住时间的考验的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版风格简直是复古到极致，但那种老派的严肃感反而透着一股子难以言喻的权威性。我一直觉得，好的教材不光要教知识，更要营造一种学习的氛围，这本书在这点上做得无可挑剔。它没有使用时下流行的那种花哨的彩色图表或者扁平化的设计，而是选择了大量的黑白线条和清晰的五线谱截图，这种“极简中的繁复”处理方式，反而让我的注意力完全集中在了音乐本身。我特别喜欢它在讲解奏鸣曲式那一章的处理方式，作者没有直接给出枯燥的定义，而是先展示了海顿或莫扎特某部作品的第一乐章乐谱，然后在关键的呈示部、展开部和再现部的位置做精准的标注和批注，那种“手把手”的教学感特别强烈。而且，这本书的用词极其精准和考究，很少使用网络上流行的那种口语化解释，而是坚持使用规范的音乐术语，这对于希望打下扎实基础的学习者来说，是极其宝贵的财富。我尝试着按照书里的提示，去分析了几段德彪西的印象派作品的和声进行，它不仅指出了和弦的功能性，还深入探讨了当时作曲家是如何打破传统调性约束的心理动机。总而言之，这是一本需要静下心来，带着敬意去研读的工具书，它提供的是一种看待音乐的全新视角，而不是一蹴而就的速成秘籍。