正版 西方音乐史导学 沈旋/梁晴/王丹丹 教材教辅 音乐教材 上海音乐学院出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806922224

商品编码：29867057831

丛书名： 西方音乐史导学

开本：32开

出版时间：2009-09-01

巨牛图书专营店

音乐的脉络：一部宏大叙事下的西方音乐史漫游 本书旨在带领读者穿越时空，探索西方音乐自古希腊萌芽至二十世纪末的波澜壮阔的发展历程。我们聚焦于音乐作为一种文化现象的演变，深入剖析不同历史时期、地域和流派的音乐风格、核心思想、关键人物及其作品，旨在构建一个清晰、连贯且富有洞察力的音乐史图景。 第一卷：序曲与奠基（古代至中世纪） 第一章：源头活水——古希腊与古罗马的音乐遗产 本卷伊始，我们将追溯西方音乐的哲学根基。探讨毕达哥拉斯的音程学说如何奠定西方音乐的数学基础，以及柏拉图、亚里士多德关于音乐的伦理和情感作用的深刻见解。我们将考察古希腊的“乐调”（Modes）系统，并分析早期记谱法的尝试，为后世音乐理论的形成打下坚实的哲学和理论基石。古罗马时期的军事音乐、公共仪式音乐虽然继承了希腊传统，但在实践中展现出更偏向实用性的特点，这些元素如何在基督教的兴起中被吸收和转化，是本章的重要议题。 第二章：神圣之声——中世纪的单音音乐 进入中世纪，教会成为音乐生活的主导力量。本章核心内容是格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成与发展。我们将详细解析圣咏的无伴奏、无固定节拍的特点，以及它如何通过“调式”来表达宗教情感。随后，我们将探讨记谱法的革命性突破——纽姆谱（Neumes）的出现及其向更精确的五线谱系统的演进过程。 第三章：复调的曙光与早期技法 中世纪的伟大创新在于复调（Polyphony）的诞生。本章将聚焦于巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的代表人物列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），他们如何将两个、三个甚至四个独立的声部有机地结合起来，创造出结构更为复杂的音乐形式。我们还将讨论奥尔加农（Organum）的发展，以及经文歌（Motet）如何从早期的宗教文本走向世俗主题的探讨，预示着音乐语言的解放。 第二卷：文艺复兴的和谐与巴洛克的激情 第四章：人性的回归——文艺复兴的音乐理想 文艺复兴时期，人文主义思潮深刻影响了音乐创作。本章将分析对位法（Counterpoint）的成熟——从严格的模仿到自由的交织。重点关注弥撒曲和经文歌的典范作曲家，如若斯坎·德普雷（Josquin des Prez），以及他们如何追求文本与音乐的完美契合。此外，世俗音乐的复兴，特别是法国香颂（Chanson）和意大利假面舞曲（Madrigal）的兴盛，体现了音乐审美从神圣转向世俗的倾向。对威尼斯画派作曲家（如帕莱斯特里那）的音乐风格和情感处理方式的比较研究，将使读者对“文艺复兴之声”有更立体的理解。 第五章：巴洛克——情感的戏剧性表达（1600-1750） 巴洛克时期是音乐史上一个充满活力和对比的时代。本章将详细介绍歌剧（Opera）在意大利佛罗伦萨的诞生，以及“巴洛克之父”蒙特威尔第（Monteverdi）如何运用主调音乐（Monody）和巴松数字低音（Basso Continuo）来增强戏剧表现力。 我们将深入探讨巴洛克音乐的核心特征：强烈的对比（如快慢、强弱）、装饰技巧的运用，以及性能（Doctrine of Affections，即情感表达理论）的指导思想。对协奏曲（Concerto）、赋格（Fugue）等体裁的成熟进行分析，重点关注维瓦尔第的“四季”和巴赫的《平均律键盘曲集》所代表的技艺巅峰。 第六章：巨匠的对决——巴赫与亨德尔的巅峰成就 本章聚焦于两位巨人。巴赫的音乐——其结构严谨的对位技巧、深邃的宗教情怀和对键盘乐器的登峰造极的掌握（如赋格艺术），代表了巴洛克晚期的集大成者。亨德尔则更侧重于宏大的叙事和戏剧性，特别是其清唱剧（Oratorio），如《弥赛亚》，展示了其掌握公众审美的能力。通过对比分析这两位大师在音乐语言上的异同，读者可以理解巴洛克风格在不同创作领域中的多样化体现。 第三卷：古典的清晰与浪漫的狂想 第七章：秩序与平衡——古典主义的审美革新 随着启蒙运动的推进，音乐审美转向追求清晰、平衡与普世价值。本章解析奏鸣曲式（Sonata Form）的建立及其在交响曲、协奏曲和室内乐中的核心地位。海顿被誉为“交响曲之父”，我们研究他如何系统化了四乐章结构。 莫扎特的音乐以其旋律的完美无瑕和深刻的情感内蕴著称，本章将探讨他如何将歌剧中的戏剧张力融入器乐创作，尤其是在歌剧《费加罗的婚礼》和《唐璜》中对人物心理的细腻刻画。 第八章：贝多芬的革命与桥梁作用 贝多芬是连接古典与浪漫的关键人物。本章着重分析他如何突破古典主义的既有框架，扩大交响曲的篇幅和情感范围，将个人意志和英雄主义精神注入音乐。他的后期作品，如第九交响曲，预示了未来浪漫主义音乐对宏大叙事和哲学主题的追求。我们将详细审视其创作中“动机发展”的手法，理解其如何通过音乐结构来表达“斗争与胜利”的主题。 第九章：情感的洪水——浪漫主义的抒情与幻想 浪漫主义音乐强调个人情感、想象力、自然崇拜与民族主义的表达。本章将分析“艺术歌曲”（Lied）的繁荣，舒伯特如何将诗歌与音乐完美融合，创造出纯粹的抒情体验。 肖邦对钢琴语言的彻底革新，即“钢琴诗人”，及其如何通过波兰民间音乐元素（如玛祖卡、波兰舞曲）来表达民族情感。李斯特的交响诗（Symphonic Poem）开创了纯器乐叙事的先河，打破了传统曲式的束缚，为后来的印象派和现代音乐提供了自由的模板。 第四卷：民族的色彩与现代的探索 第十章：民族主义的觉醒与大国交响 十九世纪中后期，欧洲各国音乐家开始从德奥传统中寻求独立，挖掘本土民间音乐和历史传说。本章将考察俄罗斯的“强力五人组”（如穆索尔斯基、林姆斯基-科萨科夫）如何运用独特的音阶和和声构建俄罗斯风格；以及德沃夏克和斯美塔那等如何将本国历史和风土融入交响性作品之中。 第十一章：印象主义的模糊与象征主义的渗透 步入二十世纪的门槛，德彪西和拉威尔等作曲家开始挑战听觉的既有习惯。本章重点解析印象主义对色彩的追求——使用全音阶、五声音阶、非功能性和声，营造光影流转的听觉体验，而非明确的情感宣泄。这标志着音乐从“表现什么”（What to express）转向“如何描绘”（How to perceive）。 第十二章：现代音乐的剧变与探索（20世纪初） 二十世纪的音乐世界迎来了前所未有的动荡与革新。我们将探讨表现主义（Expressionism）在勋伯格手中如何通过十二音体系（Twelve-Tone Technique）寻求“无调性”的逻辑，试图表达人类内心深处的焦虑与恐惧。同时，我们也分析了斯特拉文斯基《春之祭》所引发的节奏革命，以及它对西方音乐美学构成的颠覆性冲击。本章最后将简要概述诸如新古典主义、序列音乐等不同流派对传统规则的继承与反叛，为读者理解当代音乐的多元面貌打下基础。 本书的整体结构旨在通过清晰的年代划分和主题聚焦，为学习者提供一个既有深度又有广度的音乐文化导航图，帮助读者建立起对西方音乐发展脉络的整体认知框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计得非常用心，封面选用的材质很有质感，拿在手里沉甸甸的，一看就是正规出版物，而不是那种粗制滥造的盗版货。字体排版清晰，行间距适中，阅读起来非常舒服，长时间看也不会觉得眼睛疲劳。尤其是配图部分，印刷质量高，色彩还原度很棒，那些乐谱片段和艺术作品的插图看起来非常细腻，对于理解不同时期的音乐风格和背景简直是如虎添翼。每次翻阅这本书，都感觉像是在进行一场精致的视觉和知识的双重盛宴。书脊的胶装也很牢固，即便是经常翻阅，也不用担心书页会松脱，看得出出版社在细节上确实下了大功夫，这对于一本需要反复查阅的教材来说，实在太重要了。作者的名字印在封面上非常醒目，一看就是专业人士的作品，让人对内容的权威性充满了信心。这本书的开本大小也刚刚好，方便携带，无论是放在书包里还是放在书桌上，都显得非常得体。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节划分逻辑性极强，完全是顺着历史脉络层层递进的，从古希腊的萌芽一直讲到20世纪中叶的激变，时间轴梳理得井井有条，让人很容易建立起一个清晰的西方音乐发展的大框架。它没有那种堆砌枯燥年代和人名的毛病，而是巧妙地将历史背景、当时的社会思潮与具体的音乐流派变革紧密结合起来。比如，在讲巴洛克时期时，作者并没有仅仅罗列巴赫和亨德尔的作品，而是深入分析了路易十四宫廷文化对音乐形式的塑造作用，这种“以文化观音乐”的视角，极大地拓宽了我的理解维度。书中对于一些关键术语的解释也做到了深入浅出，即便是初学者，也能很快抓住核心概念。这种循序渐进的讲解方式，让原本复杂艰深的音乐史知识变得触手可及，为我后续更深入的学习打下了非常坚实的基础，感觉像是被一位经验丰富的老教授牵着手在历史的长廊里漫步。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格非常雅致而又不失学者的严谨，读起来有一种沉静的力量。作者的措辞精准到位，既有学术著作的规范性，又避免了过度使用晦涩的学术“黑话”，使得阅读体验保持在一种高度集中的舒适区内。尤其在描述那些极具情感冲击力的音乐作品时，文字仿佛自带画面感和声场效果，能让人在脑海中构建出当时的演奏场景和氛围。我感觉作者在遣词造句时，对音乐情感的捕捉极为敏锐，他们似乎能用文字描摹出音符之间的张力与和解。这种高水准的文字表达，使得原本严肃的历史学习过程，变成了一种美妙的文学享受。与市面上很多干巴巴的教科书相比，这本书的文字充满了温度和对艺术的敬畏之心，读起来让人心悦诚服。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在案例分析上所下的功夫，它不仅仅是理论的陈述，更是实践的导引。书中选取了大量标志性的音乐片段进行详细的“听力引导”，这些引导文字非常精准地指出了在听特定乐曲时应该关注的结构、配器和情感表达的转折点。例如，分析贝多芬的《英雄交响曲》时，作者对第一乐章呈示部和再现部的处理，对比分析得入木三分，让我不再是“听热闹”式的欣赏，而是真正进入到了作曲家的思维世界。这种“听中看，看中听”的学习方法，极大地提升了我的音乐鉴赏能力。而且，书后附带的学习资源列表也十分实用，提供了很多可靠的外部链接和推荐唱片版本，让我的学习路径不再局限于书本本身，而是一个立体的、多媒体的探索过程，这对于想要真正掌握音乐的读者来说，价值无可估量。

评分☆☆☆☆☆

作为一本教材兼教辅，这本书在知识的系统性和实用性之间取得了绝佳的平衡。我注意到，在每个单元的末尾，都设置了“自测与思考”的部分，这些问题设计得非常巧妙，它们并非简单的知识点重复，而是引导读者进行批判性思维和跨学科联想。比如，它可能会要求你思考某个时期的宗教改革对复调音乐发展的影响，或者探讨当时新兴的市民阶层是如何影响歌剧题材选择的。这种设计强迫读者必须将不同章节的知识点进行整合和迁移，真正做到了学以致用，而非死记硬背。对于准备参加相关考试或者希望未来从事音乐研究的人来说，这种深层次的引导是至关重要的“内功心法”，这本书无疑是为真正有志于深入音乐领域的人士量身打造的精品。