小提琴考级曲集.第3册(7-8级)附CD2张 - 上海音乐学院小提琴考级委员会 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 小提琴
• 考级
• 乐谱
• 7级
• 8级
• 上海音乐学院
• 附带CD
• 音乐教材
• 弦乐
• 练习曲

店铺： 上海书城旗舰店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806926161

商品编码：18187838286

小提琴考级曲集.第3册(7-8级)附CD2张

小提琴考级曲集.第3册(7-8级)附CD2张

小提琴考级曲集.第3册(7-8级)附CD2张

無附鋼琴伴奏譜

自1987年開始舉辦的上海小提琴考級已經走過了二十四個年頭。 “考級”在普及音樂教育、鼓勵孩子們學習樂器、培養對音樂的熱愛和對小提琴的喜好方面無疑是有著積極作用的。在每年的“考級優秀學生音樂會”上我們高興地看到不斷涌現出來的優秀人才；與此同時我們也看到，由于當今社會強調功利性所造成的負面影響，出現了“為證書而考級”、“為加分而考級”的現象。有的孩子面無表情地單純進行技術操作，少了音樂帶來的歡樂和激情；有的家長或教師則急功近利讓孩子亂跳級，沒有符合樂器演奏規律認真的學習，而是用蒙混態度撈取一紙文憑，這也將會傷害孩子學習樂器的積極性（這一情況近來還有上升的趨勢），我們應當制止和改變這種情況。2011年的考級版本是在2006年版本基礎上的再一次修改。為了更多培養孩子們對音樂的興趣，在原來考試內容中大量增加了自選曲目，孩子們可以通過聆聽小提琴的經典樂曲，熟悉在參加樂隊時可能演奏的曲子，從而在考級中選擇自己喜歡的樂曲充分展現表現音樂的能力。對于音階和練習曲部分我們適當作了刪減和集中，讓小提琴？術進度更趨合理。我們規定了每一級的*學習數量，這就要求每個學生必須學完報考級別中的全部曲目。我們在考試前三個月公布當年考試內容，以此保證每位考生基本達到所考級別的真正程度與演奏能力，防止拔苗助長的不良傾向。

弦音的轨迹：一部系统探索小提琴学习与演奏的进阶指南 本书籍并非《小提琴考级曲集.第3册(7-8级)附CD2张 - 上海音乐学院小提琴考级委员会》的任何组成部分或衍生品，它是一部独立、全面、深入的小提琴学习与演奏进阶参考书，旨在为不同阶段的小提琴学习者提供一套系统、详尽的理论指导、技术解析与曲目赏析体系。 --- 第一部分：奠基与精进——演奏技法的深度剖析 本书的核心目标是提供对小提琴演奏技术进行精细解构和科学指导的框架。我们深知，技术是音乐表达的物质载体，唯有扎实的基本功才能支撑起复杂的艺术构思。 第一章：持弓与运弓的物理学基础 本章首先从人体工程学角度切入，详细分析了正确的持弓姿势如何优化手臂的自然放松状态，并减少不必要的紧张。重点解析了弓杆的重量分配、手指与弓杆的微妙互动，特别是对于右手“重量”与“速度”的精确控制。 细微的触弦点研究： 探讨了弓毛与琴弦接触点的微小变化如何影响音色的色彩（如：靠近指板的“空气感”与靠近琴码的“穿透力”）。 “波浪式”运弓的实践： 摒弃僵硬的直线运弓概念，引入具有弹性和延展性的“波浪式”或“螺旋式”运弓模型，以实现连弓的极度流畅和分弓的清晰颗粒感。书中配有大量的慢动作图示，解析不同弓段（空弓、中段、弓尖）的力度转换技巧。 第二章：左手技术的革新与精准度提升 左手的训练强调的不再是单纯的音准记忆，而是手指的独立性、跨度拓展和高效的换把系统。 音准的“立体声”校准： 介绍了如何利用听觉的左右脑协调能力，而非仅仅依赖视觉标记（指甲位置），来确定音高。探讨了不同把位（如高把位）上，手指的侧重角度对泛音和纯净度的影响。 换把的“无缝”技术： 详细分解了四种主要换把模式（快速移动、保持手指形状、弧形过渡、靠前预位），并针对性地设计了克服换把噪音的练习序列。特别关注了小提琴演奏中极具挑战性的“大跨度换把”——如何在保持音准稳定的前提下，实现快速且平滑的把位转移。 揉弦的个性化发展： 揉弦被视为左手的“呼吸”。本书区分了不同风格对揉弦速度和幅度的要求，从基础的“脉冲式”揉弦，逐步引导学习者发展出“椭圆形”或“复合式”揉弦，以适应巴洛克、古典到浪漫主义时期作品的不同情感表达需求。 --- 第二部分：音乐的构建——风格、解读与诠释 技术是手段，音乐理解是目的。本部分致力于拓宽学习者的音乐视野，帮助他们从演奏者转变为诠释者。 第三章：历史风格的实践指南 小提琴曲目横跨数百年，不同时期的演奏规范和美学趣味差异巨大。 巴洛克与古典的“清晰性”： 强调了早期演奏实践（E.P.）对连弓与分弓的清晰度要求，对装饰音（如颤音、回音）的演奏时机与力度进行了规范性指导，避免过度浪漫化处理。 浪漫主义的“叙事性”： 深入分析了力度对比（subito 强弱变化）和速度的弹性（rubato）在塑造宏大叙事中的作用。重点解析了大型奏鸣曲与协奏曲中，如何通过声部线条的层次感来构建戏剧张力。 20世纪现代技法导览： 简要介绍了如倍弱音器使用、非传统音色（sul ponticello, sul tasto）的有效运用，为进阶学习者预留了探索空间。 第四章：作品的结构分析与情感挖掘 本书倡导“知其所以然”的演奏方式。每一部重要练习曲或乐曲，都应被视为一个独立的音乐结构。 奏鸣曲式的“骨架”： 提供了分析奏鸣曲中呈示部、再现部、呈示部主题的对比关系的方法，帮助学习者明确乐句的“目的性”，避免机械性地演奏音符。 协奏曲中的“对话艺术”： 专门讨论了独奏者与乐队之间的互动关系。如何保持独奏线条的突出性，同时又不失对乐队织体的尊重，是本章讨论的重点。我们提供了一套快速识别“提问句”与“回答句”的分析工具。 练习曲的功能性重估： 将著名的技巧性练习曲（如克雷采克、沃尔法特）视为“微型音乐会作品”，引导学习者在解决技术问题的同时，保持音乐的完整性和美感，而非仅仅将其视为枯燥的指法训练。 --- 第三部分：超越演奏的维度 本书的终极目标，是帮助学习者建立起一套可持续、自我纠错的学习系统，并培养对音乐的长期热情。 第五章：录音、录像与自我评估的科学方法 在缺乏日常导师指导的情况下，自我评估至关重要。 音频盲听训练： 介绍了如何分辨自己演奏中的关键问题，例如：弓的起始点是否平稳、高把位音准的微小偏差、以及左右手节奏的微小不同步。 视觉反馈的应用： 鼓励使用视频记录，并提供了一份详细的“演奏者自检清单”，涵盖了从身体姿态到弓杆角度的每一个细节，实现客观化自我批评。 第六章：小提琴“保养与维护”的实用知识 为确保乐器的最佳发声状态，本章提供了实用的乐器维护建议，延长乐器寿命并优化音色表现。 湿度与温度的管理： 详细说明了环境变化对面板和背板的影响，以及如何在不同季节保护提琴。 松香的选择与清洁： 探讨了不同松香（深色、浅色、硬度）对声音的实际影响，以及如何安全有效地清洁琴身和琴弦上的松香残留，以保持声音的清晰度。 --- 总结： 本书籍旨在成为小提琴学习者从初级技巧掌握迈向高级艺术表达的桥梁。它关注的并非某一特定级别的考试内容，而是贯穿整个学习生涯中，对技术精炼、风格理解、以及音乐诠释深度的全面提升。通过对演奏物理学的解构、音乐史的融入以及自我评估体系的建立，我们力求为所有热爱小提琴艺术的探索者，提供一套扎实且富有启发性的进阶路径。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了一本关于“十九世纪欧洲浪漫主义作曲家群像”的传记集，这书的叙事风格简直是妙不可言，完全没有传统历史著作那种刻板和沉闷。作者的笔力极其老道，他不是简单地罗列生平和作品，而是将每一位音乐巨匠置于他们那个波澜壮阔的时代背景下去剖析。比如，描述肖邦的章节，与其说是写他如何创作出那些哀婉的夜曲，不如说是在描摹那个被沙俄高压统治下的波兰灵魂如何在钢琴上找到了最后的慰藉与呐喊。文字极富画面感，读到李斯特穷尽一生在欧洲各个歌剧院和沙龙间奔波，为推广前人作品所付出的心力时，我仿佛能听到掌声雷动和随后的寂静，感受到那种艺术家的孤寂与荣耀交织的复杂情感。这本书的厉害之处在于，它成功地将音乐史还原成了“人”的故事——那些天才的傲慢、脆弱、爱恋与挣扎。它让我明白，伟大的艺术作品从来都不是真空产生的，它们是特定时空下人类情感的浓缩。每次合上书，我都会立刻去听相关作曲家的作品，那种共鸣感是前所未有的强烈，音乐仿佛都被赋予了厚重的历史回响和人物性格的烙印。对于任何渴望超越“技术层面”去理解古典音乐的人来说，这本“群像志”无疑是一剂强心针，它让你爱上的不只是旋律，更是旋律背后的那一个个鲜活的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

最近读完的这本《管弦乐队配器法详解》让我彻底刷新了对“声音组合”的认知。我过去总以为配器无非就是“小提琴拉高音，大提琴拉低音”，但这本书完全颠覆了我的刻板印象。它不是简单地列举乐器音域表，而是深入探讨了每一种乐器在不同力度、不同音区时所产生的“音色质感”和“穿透力”。比如，书中花了整整一个章节来分析圆号在弱奏时如何与双簧管的低音区形成一种“天鹅绒般的融合”，而一旦力度加强，圆号的铜管特性又如何能“刺破”弦乐的厚度，成为声音的焦点。作者的描述极其细腻，他会告诉你，在快速跑动时，长笛的清晰度远胜于单簧管，但在抒情段落，单簧管的醇厚才是无可替代的。书中的配器实例分析更是让我受益匪浅，他选取了从莫扎特到斯特拉文斯基的经典范例，逐句拆解作曲家是如何通过巧妙的对位和声部设计，来构建出立体、多层次的听觉空间。读完后，我再去看总谱，眼睛里看到的不再是横竖的音符，而是一张张精确绘制的声音地图。这本书对于任何想尝试自己编写乐曲配器，或者想深入理解交响乐魅力的学习者来说，都是一本无可替代的实战宝典，它的价值在于教会你如何“听见”被隐藏的声音线条。

评分☆☆☆☆☆

我发现了一本关于“巴洛克音乐演奏实践”的专著，这书的独特之处在于它将历史考证与实际演奏技巧完美地结合在了一起。它并没有停留在“巴赫是伟大的”这种泛泛的赞美上，而是非常细致地探讨了当时使用的乐器构造、琴弓的形制，乃至乐谱印刷的习惯对演奏风格的影响。比如，书中详尽论述了“巴洛克时期小提琴”的琴码更平、琴弦张力更小的特点，如何导致了当时演奏者倾向于使用更柔和的弓法和更少的揉弦技巧，从而形成了我们今天听到的那种清晰、颗粒感强的音色。更具启发性的是，它对“装饰音”的处理提出了极具说服力的观点。很多现代演奏者习惯于在古典音乐中加入大量的、夸张的揉弦和快速的装饰音，但这本书通过分析当时的教学法著作，指出很多装饰音其实是要求“即兴化”和“功能性”的，而不是僵硬地写在谱子上。读完这些考据和分析，我回去尝试用更直、更少的揉弦来演奏一首赋格，出来的效果立刻变得更加“古朴”和“有逻辑性”。这本书的文字风格非常严谨，但它的核心目标非常明确：帮助演奏者穿越时空的迷雾，去还原那些逝去的、最接近作曲家初衷的声音面貌。它不是一本让你弹得更“快”或“响”的书，而是让你弹得更“对”、更“有历史感”的书。

评分☆☆☆☆☆

我手里这本《高级和声学精讲》简直就是一本“理论的‘断头台’”，但这里的“断头”不是毁灭，而是精准切割、直击核心。市面上很多和声教材都喜欢在基础概念上反复纠缠，搞得学习者心力交瘁，但这本书开篇就假设你已经掌握了基本的和弦连接，然后一头扎进了最让人头疼的那些“灰色地带”——比如后浪漫主义时期复杂的离调和弦运用，以及德彪西对传统功能和声的颠覆性处理。它的例证选择极其高明，完全避开了那些烂熟于心的简单例子，而是直接引用了马勒晚期交响曲中那些令人费解的转调片段，然后用一种近乎“手术刀”般精确的分析，将每一个不协和音和每一个“出乎意料”的导向，都纳入一个可以理解的逻辑体系中。我尤其喜欢它探讨“色彩性”和声的部分，作者没有用空泛的形容词，而是通过对比分析，告诉你为什么在特定情况下使用增六度和弦比使用普通属七和弦能带来更强烈的戏剧张力。说实话，我刚开始看的时候感觉像在啃一块硬骨头，但每攻克一个难点，那种掌控全局的成就感是无与伦比的。这本书绝对不是给新手准备的“入门读物”，它更像是一位严苛的导师，逼着你把自己的音乐思维提升到下一个量级。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐理论基础教程》简直是为我这种半路出家、想系统学习音乐的人量身定做的！翻开第一页我就被它清晰的逻辑和详尽的解释吸引住了。它不像某些教材那样上来就堆砌复杂的术语，而是循序渐进地从音高、音程这些最基础的概念讲起，每一步都有详实的图示辅助理解，即便是完全没有乐理背景的人也能轻松跟上。最让我欣赏的是，它并没有将理论与实践割裂开来，每一个知识点后面都会紧接着出现相应的练习题和案例分析，比如讲解到调式转换时，会立刻引用贝多芬某首奏鸣曲中的片段作为实例，这让抽象的理论立刻变得鲜活起来。我记得我过去对着乐理书上的定义冥思苦想，总觉得云里雾里，但这本书里的讲解方式，比如用“色彩”来比喻不同的调式，一下子就打通了我的任督二脉。作者似乎非常了解初学者的困惑点，总能在最关键的地方提供“拐杖”。我用了大概一个月的时间，跟着这本书认认真真地过了一遍，现在再去看五线谱，那些复杂的和弦进行和旋律走向，在我眼中不再是密密麻麻的符号，而是一幅幅可以被解读的音乐画面。对于准备参加任何等级的音乐考试，或者仅仅是想提升自己演奏理解深度的音乐爱好者来说，这本书绝对是案头必备的“武功秘籍”。它的排版也相当舒服，纸张质量上乘，长时间阅读也不会觉得眼睛疲劳。