一次讀懂西洋繪畫史: 解密85幅名畫, 剖析37位巨匠, 全方位了解西洋繪畫的歷史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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田中久美子/ 監修 Kumiko Tanaka 著

图书标签:

• 艺术史
• 西洋绘画
• 绘画史
• 艺术鉴赏
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• 艺术
• 文化
• 历史
• 艺术普及
• 绘画

出版社： 積木文化股份有限公司

ISBN：9789864590650

商品编码：16091372

出版时间：2016-11-12

页数：160

内容简介

全書精選37位繪畫大師與85幅代表性畫作：
● 從文藝復興、印象派到現代主義；
● 依畫作派別分門別類，輕鬆理解西洋繪畫的傳承脈絡；
● 人物年代簡明圖解， 一次搞懂各時期藝術家；
● 作品時空背景描述，深入了解畫作背後的創作意涵；
● 畫作細部放大解析，從微小細節了解畫家欲傳達的隱諱含意。

一本書讓你融會貫通西洋繪畫史，
學會以專家的眼光觀察細節、掌握背景，
深入領略大師創作精髓，感受名畫藝術之美！

專為喜愛藝術的讀者編寫的西洋繪畫入門圖解，精選大師畫作搭配精簡扼要的解說與圖表，呈現作品的歷史背景、畫作特徵、作品寓意及作畫技法等鑑賞關鍵，更針對一般人觀賞作品時不會注意到的細節，放大畫作局部加以說明，連同畫家的生平故事，讓讀者觀賞名畫時，除了*直接的感官享受， 還能學習各種相關知識。

作者简介

■作者簡介

田中久美子監修 Kumiko TANAKA
文星藝術大學準教授。東京藝術大學美術學院美術學系畢業，奧勒岡州立大學美術史學科碩士課程修畢結束，東京藝術大學研究所美術研究系藝術學碩士課程修畢，博士課程取得後期學分，期滿退學，在跡見學園女子大學科擔任講師。

主修法國中世紀、近代美術史。合著著作有《李奧納多．達文西的世界》、法國近代美術叢書I《裝飾與建築》、II《繪畫與包容》、III《美術與都市》。譯作有《國家美術館口袋導覽聖人篇》、《邊緣的形象》等。

陳嫻若
東吳大學日文系畢業。從事編輯、翻譯工作多年。譯有《喜樂京都》、《東京下町職人生活》、《今天也謝謝招待了》、《避稅天堂》、《怒》、《走向荒野》、《老爸的剪紙課》等書。

目录

前言
本書的使用法

第一章　西洋繪畫是什麼？
　西元前～14世紀西洋繪畫的源流
　 15～16世紀美的大革命──文藝復興
　 19世紀後半：印象派與其時代背景

第二章　美的躍動：文藝復興～巴洛克時期
　文藝復興時期人物相關圖
　 文藝復興前期
喬托．迪龐多內《哀悼基督》
　 文藝復興全盛期　
桑德羅．波提且利《維納斯的誕生》
李奧納多．達文西《蒙娜麗莎》
　 文藝復興後期
米開朗基羅．布奧納羅蒂《最後的審判》
　 文藝復興全盛時期
拉斐爾．聖齊奧《雅典學院》
　 北方文藝復興　
楊?范艾克《阿爾諾非尼夫婦的婚禮》
阿布雷希特．杜勒《1500年的自畫像》
　文藝復興全盛時期（威尼斯畫派）
提香．維伽略《聖母升天》
　 矯飾主義
亞尼奧羅．布隆齊諾《維納斯和丘比特的寓言》
　 巴洛克時期
米開朗基羅．梅里西．達．卡拉瓦喬《聖馬太蒙召喚》
彼得．保羅．魯本斯《基督上十字架》
林布蘭．范．萊茵《沐浴的拔示巴》
　 17世紀荷蘭繪畫
約翰尼斯．維梅爾《倒牛奶的女人》
　 洛可可時期
安東尼．華鐸《發舟塞瑟島》
　 浪漫主義前期
法蘭西斯科．哥雅《裸體瑪哈》

第三章 激昂的十九世紀，近代的名畫
　 到印象派時的人物相關圖
　 新古典主義　
傑克．路易．大衛《蘇格拉底之死》
多米尼克．安格爾《保羅與法蘭西斯卡》
　 浪漫主義
尤金．德拉克洛瓦《自由領導人民》
　 巴比松學派（寫實主義）
尚．法蘭索瓦．米勒《拾穗》
　 象徵主義
居斯塔夫．莫羅《顯靈》
　 拉斐爾前派
　約翰．艾弗雷特．米萊《奧菲莉亞》
　 印象派　
艾德華．馬奈《草地上的午餐》
奧古斯都．雷諾瓦《船上的午宴》
克勞德．莫內《睡蓮．綠色和諧》
　 後印象派（後印象派）
文森．梵谷《向日葵（15支）》
　 新印象主義（後印象派）
喬治．秀拉《傑克島的星期天下午》
　 後印象派
保羅．高更《我們從何處來？我們是什麼？我們往何處去？》
　 新印象主義（後印象派）
保羅．席涅克《紅色浮標》
　 後印象派
保羅．塞尚《有大松樹的聖維克多山》
　 象徵＆表現主義
愛德華．孟克《吶喊》
　 學院派繪畫
讓．里奧．傑洛姆《皮格馬利翁和伽拉忒亞》
　從女神開始的裸女演變

第四章　自由奔放：二十世紀的名畫
　 新藝術運動
　古斯塔夫．克林姆《吻》
　 抽象主義
　瓦西里．康丁斯基《構成第八號》
　 表現主義等
　保羅．克利《塞尼西奧》
　巴黎畫派
　亞美迪歐．莫迪里安尼《穿黃毛衣的珍妮．海布特》

對照世界史的西洋繪畫史年表
主要參考文獻及圖片提供
索引

探寻艺术的边界：当代视觉文化与后现代主义思潮 一册聚焦于20世纪中后期至今的视觉艺术实践，深入剖析后现代主义对传统美学范式的颠覆与重塑。 本书并非追溯古典大师的技法演变，而是将目光投向一个艺术范式发生剧烈转折的时代——自二战结束后，尤其是20世纪60年代以来，艺术如何挣脱画廊和博物馆的古典束缚，渗透进日常生活的肌理，并以全新的语言对抗既有的权力结构和审美标准。我们探索的不是文艺复兴的和谐比例，而是波普艺术的商品符号学；不是巴洛克的戏剧张力，而是概念艺术对“物”的本体论质疑。 第一部分：从抽象表现主义的终结到波普的崛起：媒介与大众的交锋 本部分首先考察了战后美国艺术的权力转移，特别是抽象表现主义的“形而上学”倾向在面对更具社会参与性的新思潮时所展现的局限。我们将详细分析罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）如何通过放大漫画的“低俗”符号，对消费文化进行一种既挪用又讽刺的复杂对话。这不仅仅是关于点阵印刷（Ben-Day dots）的技术模仿，更是对原创性（Originality）这一现代主义核心概念的结构性解构。 随后，我们将深入安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的工作室——“工厂”，考察丝网印刷技术如何成为批量生产艺术品的发动机。沃霍尔的作品挑战了“天才艺术家”的神话，将艺术创作等同于商品生产线上的一个环节。我们将比对他的香蕉、坎贝尔汤罐头与玛丽莲·梦露系列，探讨媒介复制性（Reproducibility）对艺术价值的影响，并引入瓦尔特·本雅明（Walter Benjamin）关于机械复制时代艺术作品的光晕（Aura）丧失的论述。 此外，本卷还将审视早期极简主义（Minimalism）的冷静与客观性。我们聚焦于唐纳德·贾德（Donald Judd）的“特定物体”（Specific Objects）理论，以及丹·弗拉文（Dan Flavin）对工业化荧光灯的使用。这些艺术家摒弃了叙事、象征和手工艺痕迹，要求观众直接面对材料、空间和观看行为本身，预示了概念艺术的到来。 第二部分：概念的胜利：语言、文本与非物质化倾向 本章节是理解后现代艺术的关键转折点。概念艺术（Conceptual Art）的兴起标志着艺术的重心彻底从“物件”转移到“观念”上。 我们将重点分析约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）的《三把椅子》（One and Three Chairs）。这件作品不仅是关于一张实物椅子、一张照片和一把椅子的词典定义之间的关系，更是对“什么是艺术”这一哲学问题的直接质询。我们探讨语言哲学如何成为艺术创作的工具，以及文本本身如何被视为视觉艺术的载体。 此外，本书还探讨了早期女性艺术家如何利用概念框架来挑战父权制下的艺术史叙事。劳拉·费尔德曼（Laura H. Felsman）等人的实践，如何通过档案的重组和身份的解构，暴露了权力话语对历史的建构。我们不会仅仅展示作品，而是分析其背后的文本操作与批判意图。 第三部分：身体、空间与行为的介入：从偶发艺术到大地艺术 在概念艺术的冷静之外，一股强调身体经验与现场性的艺术浪潮正在兴起。我们转向偶发艺术（Happenings）和表演艺术（Performance Art）。 对艾伦·卡普罗（Allan Kaprow）的“活动”（Activities）的分析，揭示了艺术如何从固定的剧场空间解放出来，进入日常生活。接着，我们会详述玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）早期作品中对疼痛、耐力与观众互动的极限探索。她的身体成为画布和媒介，挑战着艺术与生活、控制与失控的界限。 在空间维度上，我们考察了大地艺术（Land Art）对传统画廊空间的彻底拒绝。罗伯特·史密森（Robert Smithson）的《螺旋堤》（Spiral Jetty）不仅是雕塑，更是对地质时间、熵增原理和人类干预自然边界的沉思。我们分析这种作品的“非场所性”（Non-Site），探讨其传播媒介——摄影和纪录片——如何反过来成为作品不可分割的一部分。 第四部分：对媒介的解构与身份政治的浮现 进入20世纪80年代和90年代，艺术对媒介本身的批判愈发尖锐，身份政治成为核心议题。 本书深入探讨了辛迪·雪曼（Cindy Sherman）的《无题电影剧照》系列。雪曼通过扮演各种刻板印象的女性角色，揭示了媒体和文化如何塑造女性的自我认知。这并非对“美”的再现，而是对“被观看的凝视”（The Gaze）的批判性反思。 同时，我们将审视巴尼特·纽曼（Barnett Newman）之后，色彩在后绘画性抽象（Post-Pictorial Abstraction）中的转变。如布莱斯·马登（Brice Marden）如何利用蜂蜡和颜料的混合，创造出表面纹理的微妙变化，使色彩本身成为一种物质体验，而非情感的投射。 最后，本书将触及新媒体艺术的萌芽。早期对视频技术、录像带和电子图像的试验，如何为数字时代的艺术爆发奠定基础。我们分析这些早期探索如何将时间性、互动性引入艺术创作，为21世纪的沉浸式体验铺平道路。 本书的目标读者是那些对现代主义的清晰线条感到厌倦，渴望理解艺术如何从“描绘世界”转向“质疑世界”的读者。我们通过精炼的案例分析和对关键理论文献的梳理，提供一个理解当代视觉文化复杂性的坚实框架。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计简直是艺术品本身。从拿到手的那一刻起，那种沉甸甸的质感和封面那幅经典画作的印刷效果就让人爱不释手。纸张的选择非常考究，触感细腻，而且色彩还原度极高，即便是早期油画那些微妙的光影变化，也能在书页上得到忠实的呈现。在翻阅的过程中，能明显感觉到出版方在细节上的用心，无论是装订的牢固程度，还是跨页大图的平整度，都体现出对艺术书籍制作的敬畏之心。书的开本适中，既保证了欣赏高清细节的空间，又方便日常携带和阅读，这对于想要随时随地沉浸在艺术世界的人来说，是一个巨大的加分项。封面那种深沉而富有历史感的色调，仿佛预示着即将开始的视觉盛宴，让人充满期待，迫不及待地想深入探索那些隐藏在历史尘埃中的笔触与故事。它不仅仅是一本工具书，更像是一件可以收藏和反复摩挲的艺术品，光是摆在书架上，都能为整个空间增添一份宁静而高雅的艺术气息。

评分☆☆☆☆☆

作者在叙事上的节奏感把握得炉火纯青，读起来完全没有传统艺术史书籍那种枯燥乏味的学术腔调。他仿佛是一位经验老道的导游，带着我们穿越时空隧道，从文艺复兴的初光到印象派的绚烂，再到现代主义的先锋探索，每一步都介绍得恰到好处。文字的衔接自然流畅，即便是对于复杂的艺术流派更迭和哲学思想的渗透，也能用通俗易懂的语言进行阐释，让人茅塞顿开。特别是对于那些看似难以捉摸的艺术家的内心世界和创作动机的描摹，充满了人文关怀和深刻的洞察力，读完后感觉自己与画作之间建立了一种新的、更深层次的联结。这种叙事手法，极大地降低了艺术鉴赏的门槛，让即便是初涉艺术殿堂的新手，也能轻松跟上作者的思路，享受探索的乐趣，而不是被陌生的术语和理论压垮。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏其中对于艺术评论角度的多元化处理。作者似乎并不满足于单一的学院派解读，而是巧妙地引入了现代的批评理论视角，对一些经典名作进行了富有启发性的重新诠释。比如，在分析某些作品的性别视角或社会阶层表达时，能够清晰地展示出艺术史是如何随着时代的进步而被不断修正和深化的。这种处理方式，让那些看似遥不可及的古典大师作品重新焕发出与当代议题对话的生命力，极大地激发了读者的批判性思考能力。它鼓励读者不要盲目接受既定结论，而是要带着自己的眼睛和思考去重新审视这些伟大的创造。这种引导我们进行独立思考的教育理念，使得这本书的阅读体验从知识的输入，上升到了思维的碰撞，让人在合上书本之后，仍能久久回味无穷。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读后，我发现这本书的价值远超一本入门指南所能提供的范畴。它在对历史背景和社会思潮的梳理上做得非常扎实，没有将艺术家的创作孤立化处理，而是将其紧密地置于他们所处的时代洪流之中。比如，当讲述某一时期风格转变时，作者会清晰地勾勒出当时的政治气候、科学发现乃至哲学思潮是如何潜移默化地影响了艺术家的审美取向和主题选择。这种宏大叙事的格局，使得对单一作品的解读不再是空中楼阁，而是有了坚实的文化根基。这种深度的挖掘，让读者不仅“知道”了某幅画的创作时间，更“理解”了为什么它会以这种方式诞生。这种历史纵深感，是很多同类书籍所缺乏的，它教会我们用更广阔的视野去审视艺术史的发展脉络。

评分☆☆☆☆☆

这本书在版式布局上的考量，体现出对“视觉体验”的极致追求。不同于一些仅仅堆砌图片和文字的书籍，这里的排版设计极具巧思。每幅画作的呈现方式都根据其内容和风格进行了定制化的处理，比如一些细节丰富的巨幅作品会被精心安排在跨页，确保观者能够毫无障碍地欣赏到画家每一个精妙的笔触；而一些强调构图和象征意义的作品，则会配合旁边的文字进行精确的留白处理，强化其视觉冲击力。作者对每一幅重点画作的配图选择也十分精准，不只是展示了作品本身，还常常穿插了相关的手稿、草图或是当时的历史照片，这种多维度的视角补充，极大地丰富了我们对作品背景的理解。这种对视觉细节的执着，让阅读过程变成了一种主动的、沉浸式的“看画”体验，而非被动的“读文字”过程。