創造力的極論：村上隆在藝術現場談「覺悟」與「繼續」 设计理论 商周出版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 艺力图书专营店

出版社： 商周出版

ISBN：9789862726525

商品编码：14779002247

包装：平装

出版时间：2014-11-04

页数：208

正文语种：繁体中文

书名：創造力的極論：村上隆在藝術現場談「覺悟」與「繼續」作者：村上隆语言：繁体中文装帧：平裝页数：208出版：商周尺寸：14.8cm×21cm                                                                           ISBN:9789862726525出版日期：2014-11-04「傑作與平庸之作，僅一紙之隔。

而且這張紙很難弄破。

為了突破這張紙，進入傑作的境界，必須不斷繃緊神經。」「唯有被逼到極限，才能看清楚某些東西。」——村上 隆

本書是在「正論」時代中的「極論」。

當你不再認為「惹惱別人」、「看不見成果的努力與付出」是不合理的事，

你才能真正將才華發揮的淋漓盡致。

這是一個懷有遠大志向的人，只會被嘲笑的時代。

但我不是要大家放棄理想，壓抑自我，

而是希望大家能擁有高遠的目標，抓住達成目標的訣竅。

這是我寫這本書的理由，也是一個祈願。

他一再地強調——

◎別把工作與夢想混為一談！！

不管你多麼成功，只要待在當代藝術界一天，就不會有能自由做任何事的日子到來。就算真的有那麼一天，也必須經過一關關嚴苛的考驗。而且考驗期間，就算你對將來再怎麼焦慮不安也無計可施。獨處之時，隨你怎麼煩惱「往後該怎麼辦？」都行，但若是將這種焦躁情緒帶進職場，就是完全不了解藝術界的不專業表現。

◎成功的創作者都有著「非比尋常的執著力」！

就像是對真心立志成為藝術家的年輕人，不斷耳提面命：「不准睡！繼續畫！」

就某種意味來說，或許也和宗教的洗腦方式很像……

廢寢忘食的撐了好幾天，不管睡意再怎麼濃，還是不停地畫。

一旦這樣的生活持續了三年，對繪畫再有興趣的人，也會變得意興闌珊，這時，不妨問問自己——真的想繼續走這條路嗎？

若你的答案是：「堅持下去」，表示你得到了以藝術為人生職志的資格。

◎位居第一線的創作者都明瞭自己是位於社會最底層的人！

藝術作品不是為了滿足自己而創作，而是一筆生意，必須想辦法賣出去的東西。因此，必須克服價值觀的差異，求得能讓對方、客戶理解的「客觀性」。

要是一味抱著「等待伯樂」的心態，絕對等不到這一天。

唯有主動出擊，才能讓別人理解你的想法。

這才是位於最底層之人的生存之道。

捨棄等待別人賞識的心態，就是成為成功藝術家的第一步。

◎想要，將個人力量發揮到極致、想要躍上國際舞台，就要這樣奮戰！

雖說「自由創作誠可貴」，但處在只會讓自己更混亂的自由中，絕對無法創作出自己真正想要的東西。若能讓學生清楚認知「現在國際藝壇是這種趨勢」、「為了在這業界生存，應該這麼做」，我想日本的藝術界一定會有所改變。

這一本書，是寫給所有下定「決心」，卻還沒有真正「覺悟」的創作者、年輕人以及許許多多的逐夢人。不管你是不是藝術家或者要不要當藝術家，這一本書都將讓你起心動念、尋找自己在地球上的生存之道。

【作者简介】

村上隆

藝術家，kaikai kiki有限公司負責人。生於1962年，東京都人。

東京藝術大學研究所藝術研究科博士後期課程修畢。

kakakiki有限公司的經營項目包括負責藝術家的經紀事務、畫廊、相關藝術商品商店經營等。2008年被《時代雜誌》選為「世界最有影響力的百大人士」，曾與LV、六本木Hills、知名歌手肯伊威斯特、日本知名樂團柚子等合作。於巴黎凡爾賽宮舉辦名為「MURAKAMI VERSAILLES」（2010年）的個展一時蔚為話題。也曾被英國藝術雜誌、Art Review特輯連續九年選為「領導國際藝術界的100人」，2003年高居第7位。此外，2011年7月還被藝術經濟情報網站、Art tactics評選為世界第5位最值得信賴與合作的藝術家。2013年跨界執導，一口氣推出《水母看世界》電影系列與動漫作品《6HP》等。

 第一章 藝術界的生存之道

以成為藝術家為目標的你，一定要明白的處世之道

逐漸衰退的「勞動力」

別將「工作」與「夢想」混為一談！

一般企業界也適用的「成功術」

社會底層之人的生存之道

對藝術家來說，什麼是「成功」？

「實事求是」的行事風格

商業行為、啟蒙活動，以及非法盜版的差異

認清現實，藝術創作之路才能走得長久

學會放下身段，當個取悅別人的小丑

「堅持」與「戰略」的重要性

「縱向社會」裡的人際關係

藝術家其實是運動員

第二章 「修行（鍛鍊）」與「工作術（行事風格）」

唯有具體行動，才能傳達心意

朝會簡報與放鬆操

「仁、義、禮」與魯山人的箴言

要求自己努力不懈三年，才有資格留在藝術界

《爆漫王》與《青春少年漫畫誌1978～1983》

為了捕捉到靈感，不要害怕徒勞無功

我住在工作室的理由

羽生善治和賈伯斯足以作為「美的範本」

捨棄自由創作平台，改行高壓作風

藝術家也要學會「如何取悅別人」

我與肯伊威斯特合作的經驗

我與路易．威登的初次合作經驗

調查客戶的需求

取悅別人也是一種服務精神的表現

「kaikai kiki」有一本「如何與村上隆溝通」的教戰手冊

避免因為一知半解而出錯

第三章 解析成功的戰略與訓練方式

掌握原則與市場分析

訴求當下的大眾藝術以及跨越時代的當代藝術

得不到大眾認可的「特殊行業」

「在世時的影響力」以及「條理的力量」

藝術家不僅要活在當下，還要思考死後的事

追求成功的「六大類型」

「努力型」的成功方程式

成為時代寵兒的「戰略型」

「蓋棺論定型」留下來的是人生故事

引導成功的「座標軸」

原則與特色的對應關係

不少年輕人都成了「剎那主義」的追隨者

第四章 如何在「正論時代」培養極端言論人才

「正論時代」中的極端言論

背負諸多「不合理」的特殊行業

世代論與「分析戰力」

去留問題就看緣分了

角色分配與原則

組織的不合理，社會的不合理

「CHAMBER」進行的密教修行

給年輕藝術家們的「一封信（Mail）」

利用電子郵件進行密教式問答

「CHAMBER的七大守則」與「新三大守則」

重要的是，自己究竟能留下什麼？

一切都是為了不讓業界萎縮

第五章 藝術界也是一種「產業」

藝術界最具影響力的人

你是以AKB為目標？還是以秋元康為目標?!

你想站上什麼位置？你企求的是什麼？

產業的中間階層

踏入藝術界的教戰手冊

讓藝術界更趨成熟的決勝點

藝術界的潛在力量

將負面因素轉換成加分的力量！

「New Day」與《五百羅漢圖》

兼顧自由與社會性的平衡點

瞭解規則與打造品牌

找到自己真正想創作的東西

「發現自我」以及「探尋自我」

因應各種目的，改變心智以及改造肉體

產業中的角色分工

特別對談　村上隆×川上量生

「管理教育」以及「放任」

努力爭一口氣，不想淪為別人的笑柄

背負赤字的「niconico超會議」

尼特族是日本的不良債券還是資產？

網際網路是不毛之地

砸下百億，「努力做自己想做的事」

「Cool Japan」應該替村上隆背書?!

過於膚淺的「正論時代」

不要輕易否定「年輕世代」

「秀歌喉」的業餘愛好者與村上隆的共通點

年輕創作者的「滿口大道理」與「今後發展」

構築一個能與「專業人士」一較高下的環境

「niconico動畫」能進軍國際嗎？！

吉卜力無法成為皮克斯的理由

「自由開闊的活動」與「框架」

從日本可以預見世界的未來

為了孕育出藝術家而設的框架 

藝術的邊界與未竟之境：當代視覺文化中的解構與重塑 一書簡介 本書深入探討當代視覺藝術領域中，幾股關鍵性的思潮如何形塑藝術家與觀眾之間的關係，以及藝術作為一種社會實踐的本質。我們將聚焦於那些挑戰傳統敘事框架、勇於解構既有美學規範的創作實踐，探討藝術在資訊爆炸時代如何保有其批判性與介入性。 全書分為三個主要部分，旨在提供一個多維度的視角，審視當代藝術生態中的權力結構、媒介變革與情感勞動。 第一部：解構權力與凝視的政治 本部分著重於分析藝術史書寫中的隱蔽性偏見，以及當代藝術家如何運用挪用（appropriation）與反諷（irony）的策略，來質疑主流話語的真實性。 一、再現的困境與他者的發聲： 我們將詳細考察「他者」（the Other）在西方藝術傳統中是如何被建構與客體化的。從愛德華·薩義德的文化理論出發，本書探討了殖民地經驗與後殖民語境下，非西方藝術如何透過自我敘事，抵抗被單向度定義的命運。探討的關鍵案例包括戰後全球南方藝術家的作品，他們如何運用在地材料與口述歷史，重建被殖民化記憶中的斷裂點。這不僅是風格的轉向，更是一種認知論上的革命，要求觀者重新校準其文化參照系。 二、美術館作為意識形態的載體： 博物館與美術館，作為文化權威的堡壘，其策展邏輯與空間設計本身即是一種意識形態的展現。本書將分析從十九世紀末以來，西方博物館如何透過藏品分類、歷史編排，強化特定文明的中心地位。我們將考察「後博物館學」（Post-Museum Studies）的興起，探討藝術機構如何通過去中心化的展覽模式、社區合作項目，試圖消解其固有的精英化氣質。特別關注當代藝術家如何利用裝置藝術和表演藝術，直接在展示空間內製造「干擾」（interruption），迫使觀眾面對機構本身的結構性問題。 三、媒介的身體性與數位拓撲學： 媒介不再是中立的載體，其物質性與傳播機制深刻影響著內容的解讀。本書探討從傳統繪畫到數位媒體的轉向中，藝術的「光環」如何消逝，又如何以新的形式在虛擬空間中再生。我們分析了「螢幕凝視」（screen gaze）的心理學效應，以及當藝術品被無限複製和模塊化後，其「原件性」（originality）的意義何在。重點將放在那些探索數據隱私、演算法偏差的數位藝術作品，它們如何將科技工具轉化為批判的武器。 第二部：時間、記憶與身體的政治學 此部分聚焦於藝術家如何處理內在經驗與外部歷史的交織，特別關注時間感、身體性（corporeality）以及創傷記憶的物質化過程。 一、慢電影與時間的延宕： 在追求即時滿足的文化中，部分藝術家選擇了對抗性的「慢速美學」。本書分析了那些具有極長片長或極度靜態的影像作品，探討它們如何迫使觀眾進入一種近乎冥想的觀看狀態。這種對時間的拉伸，實質上是對現代性中效率至上原則的反叛，旨在重新激活觀看者的感知力，讓被日常淹沒的細節得以浮現。 二、身體作為戰場：表演性與物質殘留： 表演藝術在當代已遠超戲劇範疇，它成為處理身份政治、性別流動性與身體政治最直接的場域。本書細緻分析了那些涉及極端身體經驗或自我殘害的表演作品，探討它們如何挑戰社會對「可接受身體」的界線。更重要的是，我們將考察這些表演結束後留下的「物質殘留」（material traces）——錄像、文件、受損的道具——這些殘留物如何承載了表演的能量與意圖，成為新的時間膠囊。 三、創傷的非線性敘事： 歷史創傷往往無法以線性的、因果關係的敘事完整呈現。本書研究了藝術家如何運用拼貼、碎片化結構和幽靈般的意象，來表達難以言喻的集體記憶。例如，在處理大屠殺、戰爭或政治壓迫時，藝術家傾向於「不完整性」（incompleteness），這種不完整性本身即是對歷史敘事暴政的反抗。 第三部：社會介入與美學的倫理學 最後一部分將目光投向藝術與現實社會的交界處，探討藝術介入公共領域的責任與限制。 一、從「作品」到「事件」：參與式藝術的界限： 參與式藝術（Participatory Art）的興起模糊了創作者與觀眾的界限，但這類實踐面臨著「社會工作美學化」的風險。本書批判性地審視了那些試圖解決社會問題的藝術項目，探討它們的真實影響力是停留於象徵層面，還是能產生結構性的改變。關鍵在於區分「藝術性的干預」與「單純的社會服務」。 二、美學的抵抗與公共空間的佔領： 塗鴉藝術、街頭藝術（Street Art）在當代城市景觀中的普及，展現了一種對公共空間使用權的重新爭奪。本書分析了這些非正式藝術形式的生命週期——從違法創作到被主流收藏——探討城市管理者如何將其「馴化」（taming）為旅遊資源，從而消解其原有的反叛能量。這是一個關於美學的合法性與城市資本流動性的深刻討論。 三、倫理的懸置與藝術的邊界： 當藝術作品涉及敏感的倫理議題（如對死亡、暴力或宗教的描繪）時，藝術的自主權與社會的道德規範之間產生了尖銳的張力。本書探討了「冒犯的藝術」（art of offense）的必要性，並分析了在當前「取消文化」（Cancel Culture）日益盛行的環境下，藝術家如何捍衛其探索禁忌內容的自由，以及這種自由在實踐中應如何自我約束。 透過對這些多元化主題的深入剖析，本書旨在提供一套紮實的理論框架，用以理解和批判當代藝術現場的複雜性，鼓勵讀者超越表象，直視藝術在後現代世界中持續不斷的辯證性掙扎。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于“觉悟”这个核心概念的剖析，实在是太具颠覆性了。它没有给出任何标准答案或鸡汤式的鼓舞，反而更像是一面冰冷的镜子，映照出“想要有所成就”的个体背后必然要付出的那些沉重代价。我感受到的“觉悟”不是一种突然的顿悟，而是一种长期的、近乎苦修般的自我折磨与重塑。书中对艺术家如何处理失败、如何与外界的喧嚣和期待共存，这些描述极其真实而赤裸。它挑战了我们对“成功”的浪漫化想象，揭示了在每一个光鲜亮丽的里程碑背后，都堆砌着无数次自我怀疑和推倒重来的痛苦。这种对“代价”的坦诚，反而赋予了“觉悟”更坚实的重量感，让人意识到，真正的创造力不是天赋的馈赠，而是意志力与持续对抗平庸的残酷选择。读完后，对于很多曾经犹豫不决的决定，似乎都有了更清晰、也更沉重的把握。

评分☆☆☆☆☆

初读这本书的体验，更像是一场深入当代艺术前沿的沉浸式体验，而非简单的理论学习。作者在叙述艺术家的创作心路历程时，那种抽丝剥茧的叙事手法，极其考验读者的专注力，但回报也是巨大的。他没有停留在对作品表象的描述，而是敏锐地捕捉到了艺术家在面对创作瓶颈、商业压力与自我坚持之间的那种微妙的心理博弈。我特别欣赏其中对“商业化”与“艺术纯粹性”之间张力的探讨，那种描述仿佛将我们带到了某个深夜的工作室里，看着艺术家如何在看似矛盾的两极之间寻找那个微妙的平衡点。文字的节奏感把握得恰到好处，时而如急流般奔涌，抛出令人震撼的观点；时而又像山涧的细流，娓娓道来那些不为人知的幕后故事和挣扎。这种叙述的张弛有度，使得即便是对于非专业人士来说，阅读过程也充满了智力上的满足感，让人不断停下来深思，试图将书中描绘的抽象概念，在自己的生活经验中找到对应的投影。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，拿到手的时候，那厚重而富有质感的封面就让人爱不释手。色彩的运用非常大胆，那种饱和度极高的撞色搭配，仿佛直接将村上隆作品中那种奇幻、迷离的次元感搬到了实体书上。特别是烫金工艺的字体处理，在光线下闪烁着低调却又奢华的光芒，与书名本身的重量感形成了绝妙的平衡。内页的纸张选择也颇为考究，触感细腻，即便是长时间翻阅，手指拂过纸张的触感也令人愉悦。装帧设计显然不是简单的包装，它已经融入了对艺术和哲学思考的初步引导，让人在正式进入内容之前，就感受到一股强烈的仪式感和对“创造力”这个宏大主题的敬畏。这种对细节的极致追求，让这本书的收藏价值瞬间飙升，它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心打磨的艺术品，摆在书架上本身就是一种宣言，体现了出版方对当代艺术书籍设计美学的深刻理解和不妥协的坚持。翻开书页的每一刻，都像是揭开了一幅层层叠叠的画卷。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来概括这本书带来的最大收获，那一定是“韧性”的重建。它讨论的“继续”并非是盲目的坚持，而是一种在深知局限和痛苦之后，依然选择向前迈进的理性抉择。书中引用的一些细节，关于艺术家如何系统性地管理自己的精力和情绪，以确保创作的火种不至于熄灭，这些实际操作层面的探讨，比空泛的励志口号要有价值得多。它让我意识到，真正的专业主义，最终会沉淀为一种高度自律的生活方式，这种方式必须能够抵御时间的侵蚀和外界的诱惑。阅读过程中，我仿佛进行了一次深度的精神体检，那些曾经被搁置的长期项目和未竟的雄心，在“觉悟”与“继续”的对谈中，重新获得了被执行的能量。这本书像是一剂强效的清醒剂，让人看清艺术（或者任何高难度领域）的真实面貌，并为迎接那场漫长而孤独的战役，做好了心理和策略上的准备。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑和排版风格呈现出一种高度的实验性和解构主义倾向，这使得阅读体验充满了意想不到的惊喜和挑战。它似乎拒绝以传统学术著作的面目出现，而是大量穿插着一些似乎是草稿、涂鸦或者会议记录的文本片段，这些“非正式”的内容反而成为了理解核心思想的钥匙。布局上，图文的排布常常是不对称的，有时文字会占据整整两页，有时则被一个极具冲击力的视觉元素完全打断，这种视觉上的断裂感，恰恰模拟了创造过程中思维跳跃和灵感碎片化的状态。我个人非常欣赏这种“不完整性”的美学，它邀请读者主动参与到知识的建构过程中，而不是被动地接收既定信息。这种大胆的排版策略，无疑是出版方对传统阅读习惯的一次有力冲击，它要求读者放慢速度，去解读那些潜藏在视觉噪音中的信息流，从而获得了远超一般书籍的阅读深度。