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周耀群 著

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• 音乐史
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• 音乐理论
• 音乐流派

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810963633

版次：1

商品编码：10674019

包装：平装

丛书名： 中小学音乐知识文库

开本：32开

出版时间：2010-12-01

用纸：胶版纸

页数：111

内容简介

　　 法国的文学大师雨果曾经说过：“开启人类智慧的宝库有三把钥匙：一把是数字，一把是字母，一把是音符。”曾获诺贝尔物理奖的杨振宁博士更是把音乐和数学奉为人类伟大的创造，这是因为它们超过了可看、可摸的具象感受，数学以抽象的逻辑思维，虚拟并开拓了一个计算的空间世界；而音乐，则以意象的音响载体，通过听觉引发你自身思绪情感的联想体验，在音乐流动的时间中，不断领略到心灵的颤动。所以，音乐可以说是一门具有“丰富想象开拓思维、陶冶情操、启迪智慧”独特功效的神奇艺术。
　　 如今，随着数码科技和互联网的应用日益普及，欣赏音乐已成为了众多中小学生的挚爱；不少中小学生还在学习乐器演奏或歌唱。但是对于相关古今中外的音乐文化知识，大家了解得还不够多，从而使得许多欣赏或学习音乐的中小学生，大多对音乐的理解和认识还停留在浅层次的“感受”和“感觉”上，难以上升到“感知”、“感悟”的层面。尽管近年来许多出版社也陆续出版了这方面的书籍，为普及音乐知识作了努力，可是绝大多数的书因过多的音乐专业用语，或行文的枯燥艰涩，令大多数爱音乐的中小学生望而却步，效果不够理想。

目录

第一章 古代希腊和罗马音乐
一、古希腊音乐
二、古罗马音乐

第二章 中世纪音乐
一、中世纪早期的圣咏
二、多声部音乐的兴起
三、游吟诗人歌曲
四、新艺术

第三章 文艺复兴时期音乐
一、勃艮第乐派和法-佛兰德乐派
二、法国尚松和意大利牧歌
三、器乐的发展
四、宗教改革与反宗教改革
五、威尼斯乐派

第四章 巴罗克时期音乐
一、意大利歌剧
二、法、英、德歌?及清唱剧和康塔塔
三、德国管风琴音乐和法国羽管键琴音乐
四、意大利奏鸣曲和协奏曲
五、巴赫和亨德尔

第五章 古典主义时期音乐
一、喜歌剧的发展与格鲁克的歌剧改革
二、前古典的奏鸣曲和交响曲
三、维也纳古典风格的形成--海顿与莫扎特
四、时代的英雄--贝多芬

第六章 浪漫主义时期作曲家
一、浪漫主义早期
二、浪漫主义中期
三、晚期浪漫主义和印象主义
四、19世纪的法国和意大利歌剧
法国大歌剧和抒情歌剧
从罗西尼到威尔第
真实主义歌剧和普契尼
五、19世纪的民族主义音乐
捷克--斯美塔那与德沃夏克
挪威--格里格
芬兰--西贝柳斯
俄国--从格林卡到斯克里亚宾

第七章 20世纪音乐概览
一、1945年以前
现代的开端
新的民族主义音乐
新古典主义音乐
表现主义音乐
初期的实验音乐
二、1945年以后
50、60年代的音乐
70年代的音乐
参考文献

精彩书摘

　　肖邦是19世纪最伟大的钢琴音乐作曲家。贝多芬在钢琴上表现管弦乐队的效果，李斯特则把钢琴视为万能乐器，而肖邦探求的只是钢琴的效果，创造了自成一派的钢琴艺术。肖邦也是浪漫主义时期唯一一位完全献身于钢琴音乐的重要作曲家。他创作的体裁及风格表现出独具的创造性。肖邦从在波兰时期就开始创作马祖卡舞曲，他生平的最后一首作品也是马祖卡舞曲。50多首马祖卡贯串了他一生的创作。他把一直流传于波兰民间的舞曲带人艺术音乐领域。马祖卡既展现了肖邦丰富的内心世界，又是他的音乐艺术民族性格的象征。波洛奈兹舞曲长期以来是波兰的一种华丽的贵族舞曲，肖邦的波洛奈兹从早期的华丽、辉煌的技巧逐渐发展成内容深刻的、激昂慷慨的风格。他的《降A大调波洛奈兹》（Op.53）和《升f小调波洛奈兹》（Op.44）已成为缅怀波兰民族光辉业绩的史诗。肖邦首创了器乐的叙事曲，《g小调第一叙事曲》（op.23）受波兰爱国诗人密兹凯维奇长诗《康拉德·华伦洛德》的启发，音乐体现了长诗的精神。《f小调第四叙事曲》（0p.52）则具有幻想和色彩的性质。肖邦的四首谐谑曲已无这种体裁原有的戏谑格调，而完全是一种严肃、刚强有力、热情快速的音乐。肖邦的短小的音乐体裁更富有创造性。24首前奏曲是他沉迷于巴赫音乐时创作出来的，这些不再具有前奏曲性质的独立小曲包含了丰富的情感内涵和新颖的和声。他受菲尔德影响写了梦幻般的19首夜曲。3首即兴曲也是让人倍感亲切的作品。肖邦的3首奏鸣曲和2首钢琴协奏曲充满了浪漫主义精神。此外他还有圆舞曲、船歌和摇篮曲等。
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前言/序言

探寻世界音乐的广阔图景：一部跨越地域与时代的音乐编年史 书名：全球音乐脉络：从史前律动到数字回响 内容简介 本书旨在为读者构建一幅宏大而精微的全球音乐图景，它超越了单一文化或地理的藩篱，着重展现人类音乐发展过程中，不同文明之间如何互动、碰撞与融合，最终汇聚成我们今日听闻的万千声响。我们不将焦点局限于西方古典音乐体系，而是采用一种人类学与社会学交织的视角，去理解“音乐”作为一种普世人类活动，在不同历史阶段和社会结构中扮演的角色。 全书结构分为五大部分，层层递进，勾勒出从远古起源到当代多元格局的演变轨迹。 --- 第一部分：声音的起源与原始社会的律动（史前至青铜时代） 本部分追溯音乐的“创世之初”。我们探讨声音如何从自然界（风、水、动物鸣叫）中被人类有意识地提取和模仿，从而产生第一批有组织的节奏和旋律。 核心内容包括： 1. 早期人声与身体打击乐： 分析骨笛、陶制哨等早期乐器的考古发现，并结合人类学资料，重构狩猎仪式、祭祀活动中的音乐功能。强调音乐在早期社会中作为群体凝聚力和超自然沟通工具的作用。 2. 美索不达米亚与古埃及的宫廷音乐： 深入研究苏美尔的竖琴（如乌尔军旗上的描绘）、埃及的锡纳尔琴和长号，考察这些早期文明中，音乐如何被神权和王权所垄断和规范化。探讨文字记录对早期乐谱概念的萌芽的影响，即使这些“乐谱”多是仪式指示而非精确音高标记。 3. 古代中国（夏商周）的礼乐制度雏形： 侧重于礼器（如编钟、编磬）的出现，以及《周礼》中对“雅乐”的初步构建。分析音乐在确立宗法等级制度中的“教化”功能，以及与五音（宫、商、角、徵、羽）的哲学关联。 --- 第二部分：古典文明的声学哲学与东方韵律的独立发展（公元前500年 - 公元500年） 这一部分将视角分散至欧亚大陆的两端，展现古典音乐思想的奠基，以及非西方音乐体系的早期成熟。 核心内容包括： 1. 古希腊的“乐论”与“数学之声”： 详细阐述毕达哥拉斯对音程的数学发现，以及德谟克里特和柏拉图对音乐伦理（Ethos）的探讨。强调古希腊人如何将音乐视为宇宙和谐（Cosmos）的体现，而非仅仅是娱乐。 2. 印度早期吠陀赞颂与“拉格”（Raga）的萌芽： 介绍印度古典音乐的起源，分析口头传承的复杂性，以及其独特的音阶系统如何从宗教文本中脱离出来，开始构建自身的审美体系。 3. 中国汉代至魏晋的乐律学： 探讨汉代对“律吕”体系的标准化，以及《九韶》《云门》等乐曲的地位。分析此时期，士大夫阶层如何将音乐与个人修养（抚琴、操笙）紧密结合，形成注重意境而非结构的审美倾向。 4. 罗马的音乐与征服： 简述罗马对希腊音乐传统的吸收，以及军乐（如号角Tuba）在军事和公共工程中的实际应用，展现音乐的实用性层面。 --- 第三部分：中世纪的宗教统一与全球交流的暗流（公元500年 - 1400年） 本部分着重分析三大宗教（基督教、伊斯兰教、佛教）对音乐发展的影响，以及丝绸之路沿线带来的文化杂交。 核心内容包括： 1. 伊斯兰黄金时代的音乐科学： 重点介绍波斯、阿拉伯世界的音乐成就。剖析法拉比（Al-Farabi）、伊本·西那（Avicenna）等学者对调式理论（Maqam）的系统化，以及鲁特琴等乐器的传播对后世欧洲音乐的影响。 2. 东亚的雅乐与俗乐分流： 考察唐宋时期，燕乐（宫廷宴会音乐）的兴盛与吸收外来元素（如龟兹乐、天竺乐）的过程。分析民间说唱艺术（如宋词的音乐性）的活力与士大夫阶层对“雅”的坚守。 3. 拜占庭与欧洲早期圣咏的规范化： 聚焦于格里高利圣咏的形成，以及记谱法（纽姆记谱法 Neumes）的初步发展。强调教会如何通过统一音乐文本来巩固其精神权威。 4. 游吟诗人的兴起与世俗音乐的复苏： 探讨十字军东征背景下，普罗旺斯游吟诗人（Troubadours）和德语“歌者”（Minnesinger）如何将爱情、英雄事迹带入音乐，为世俗音乐的独立发展铺平道路。 --- 第四部分：全球化初期的声学实验与民族音乐的定型（1400年 - 1900年） 此阶段见证了印刷术、殖民扩张和科学革命对音乐形态的深刻重塑，不同地区的音乐传统在此期间基本定型。 核心内容包括： 1. 中非与拉丁美洲的音乐融合： 探讨跨大西洋奴隶贸易对音乐的灾难性影响，以及非洲鼓点、节奏模式如何与欧洲的和声结构在加勒比和南美洲（如巴西、古巴）发生化学反应，催生出如桑巴、哈巴涅拉等早期形式。 2. 印度次大陆的“胡斯蒂”（Hindustani）与卡纳蒂克（Carnatic）体系的成熟： 细致阐述莫卧儿王朝对北印度音乐的赞助，以及南印度传统对虔诚主义（Bhakti）运动的音乐化表达，两者在理论和实践上的分化与特点。 3. 东南亚的宫廷与地方戏曲： 考察爪哇的甘美兰（Gamelan）音乐，分析其复调结构与独特的五音或七音音阶，以及其与皮影戏、木偶戏的不可分割性。 4. 东亚的戏曲革新： 重点分析中国京剧的形成过程，探讨其如何融合地方声腔（如徽班、汉调），并在十九世纪中叶确立了程式化的唱腔、板式和角色行当。 --- 第五部分：现代性的冲击与声音的无限可能（1900年至今） 最后一部分聚焦于技术（录音、广播）和全球冲突如何彻底颠覆了音乐的生产、传播和消费模式，导致了前所未有的音乐爆炸。 核心内容包括： 1. 录音技术的革命性影响： 分析留声机如何打破了“现场性”的桎梏，使得地域性音乐能够被大规模复制和聆听。考察民族音乐学家（如鲁思·斯通、艾伦·洛马克斯）如何利用录音技术抢救濒危的传统音乐。 2. 非洲的后殖民音乐景观： 探讨爵士乐（Jazz）在西非、加勒比地区的演化，以及阿弗罗比特（Afrobeat）、拉蒙（Rumba）等风格如何成为身份认同和政治批判的载体。 3. 电子合成与数字时代的声景： 概述早期电子音乐实验（如德国的电子音乐工作室）如何挑战传统乐器概念。探讨采样（Sampling）技术对传统音乐元素的挪用与重构，以及全球流行音乐工业如何塑造新的审美标准。 4. 当代世界音乐（World Music）的概念辨析： 批判性地审视“世界音乐”标签的局限性，并考察当代艺术家如何在全球化背景下，进行跨文化对话，创造出既植根于传统又面向未来的声音形态。 --- 本书的最终目标是让读者理解：音乐史并非一条从简陋到精美、从原始到“高级”的单线进化论，而是一个多中心、并行发展、相互影响的复杂网络。通过深入研究这些地域性的声音传统，我们才能真正把握人类表达情感和构建世界的全部声音可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是打开了我对古典音乐世界的一扇全新的大门！在此之前，我对音乐史的了解仅限于一些零星的片段，比如贝多芬的《命运交响曲》或者莫扎特的某些作品，但总觉得它们像是悬浮在空中，缺乏一个清晰的脉络。这本书就如同一个技艺精湛的向导，带着我一步步走过了漫长的音乐发展历程。从早期教会音乐的神秘庄严，到中世纪游吟诗人的自由歌唱，再到文艺复兴时期复调音乐的精致复杂，每一个时期都有其独特的魅力和鲜明的时代烙印。作者对不同时期音乐风格的描绘非常生动，不仅仅是枯燥的术语堆砌，而是通过对作曲家生活背景、社会思潮的解读，让我们理解了音乐是如何在特定环境中孕育而生的。例如，对于巴洛克时期，我不仅了解了宏大的赋格和精美的奏鸣曲，更感受到了那个时代宗教与世俗权力交织下的那种辉煌与激情。他没有过于深入的技术分析，而是侧重于音乐给人的整体感受和其在历史中的意义，这对于我这样的非专业读者来说，简直是福音。读完之后，再听那些古老的乐曲，感觉就像看到了隐藏在音符背后的灵魂，充满了故事和生命力。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐有一定基础的爱好者，我一直渴望能有一本书，能帮我构建一个系统性的音乐史知识框架。这本书，无疑填补了我的这一空白。我一直觉得，很多音乐史的书籍，要么过于学院派，充斥着晦涩难懂的理论；要么就过于浅显，流于表面，缺乏深度。这本书则恰恰找到了一个绝佳的平衡点。作者在保持学术严谨性的同时，又十分注重文字的易读性和趣味性。他不会回避音乐中那些复杂的技术概念，但他会用非常清晰、生动的语言进行解释，并巧妙地将它们融入到对时代背景和作曲家生平的叙述中。我尤其喜欢书中对不同音乐时期“性格”的刻画。比如，他把巴洛克时期的音乐形容为“充满了张力与戏剧性，如同宏伟的宫廷庆典”，而把古典主义时期的音乐比作“精致而优雅的对话，充满着理性和秩序的美感”。这种“具象化”的表达，让我对不同时期音乐的风格特点有了非常直观的认识，并且能够轻易地区分开来。读这本书，就像是和一位博学而风趣的长者进行一次深入的交流，他不仅传递知识，更激发思考，让我对音乐的理解上升到了一个新的层次。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐充满好奇，但总感觉自己像是个站在巨大宝库门前的人，里面藏着无数珍贵的宝贝，却不知道从何下手。这本书，就好像是那位慷慨的守护者，为我打开了通往宝库的大门，并耐心地为我指引方向。作者的叙述方式非常独特，他没有选择按时间顺序简单罗列，而是巧妙地将音乐发展中的一些关键节点和重要人物串联起来，形成了一条清晰而引人入胜的叙事线。我非常喜欢他对音乐“生命力”的描绘，他不仅仅是在讲述一段历史，更是在展现音乐是如何在人类社会中呼吸、生长、变革的。书中对不同音乐时期之间“对话”的解读，让我对音乐的演变有了更深的理解，明白了创新是如何在继承的基础上产生的，又如何影响着未来的发展。他避免了那些繁琐的乐理分析，而是将重点放在了音乐所承载的情感、思想和文化意义上，这对于我这样并非音乐专业背景的读者来说，尤其重要。读完这本书，我感觉自己不再是那个站在宝库门外的人，而是已经踏入了宝库，并开始欣赏那些闪耀着智慧和情感光芒的艺术珍品，对西方音乐的世界充满了更深切的敬意和喜爱。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我之前对西方音乐史的了解，几乎等同于零。就好像一个从未见过大海的人，突然被带到了海边，面对着无垠的碧波，感到既新奇又有些茫然。这本书，就如同一次精心策划的海上航行。它不是那种直白告诉你“这个时期是什么样的”的书，而是通过一种更具引导性的方式，让你自己去发现音乐的魅力。作者的叙事技巧非常高超，他就像一位技艺精湛的导游，总能在最恰当的时机，用最引人入胜的语言，为你揭示音乐世界中那些令人惊叹的角落。我最欣赏的是他对音乐“声音”的描述，他没有陷入过于技术性的术语，而是用丰富的意象和比喻，将那些抽象的音符转化为生动可感的画面，让我仿佛能“听见”那些古老的旋律在眼前回响。比如，他形容某个时期的音乐“如同一座精致的玻璃宫殿，每一个音符都闪耀着水晶般的光芒”，这种表达方式，瞬间就击中了我的想象力，让我对那段音乐产生了强烈的向往。这本书让我明白，音乐史不仅仅是关于作曲家和作品的列表，更是一部关于人类情感、思想和文化演变的史诗。

评分☆☆☆☆☆

天呐，我简直不敢相信我竟然读完了这本厚厚的《西方音乐简史》！这绝对是我最近一年里最值得投入时间的一本书了。我一直以来都对音乐很感兴趣，但总觉得自己的知识体系有些杂乱无章，像是一堆零散的宝石，没有被精心串联起来。这本书就像是一位经验丰富的宝石匠，将那些散落的音乐知识点悉数拾起，然后用精巧的链条将它们编织成一幅壮丽的音乐画卷。我特别喜欢书中对不同音乐时期之间演变关系的阐述，作者并没有把它们割裂开来，而是清晰地展示了前一个时代如何为后一个时代奠定基础，又如何被后一个时代所超越和发展。比如，他讲到古典主义时期如何从巴洛克时期的繁复中解放出来，追求清晰、平衡和逻辑性，这种“承前启后”的讲解方式，让我对音乐风格的变迁有了更深刻的理解。而且，书中穿插的那些关于重要作曲家的趣闻轶事，更是让原本可能有些枯燥的历史变得鲜活起来。我不再只是机械地记住“谁是谁”，而是开始理解他们创作的动机，以及他们的作品是如何回应当时的时代精神的。这本书的文字流畅且富有启发性，读起来一点也不费力，反而有一种欲罢不能的感觉。

评分☆☆☆☆☆

goooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooood

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

（2）乾隆四十四年（1779年）新春，乾隆又一次在《新正雍和宫瞻礼》的诗中说：“斋阁东厢胥熟路，忆亲唯念我初生。”在这里，乾隆不仅认定自己诞生在雍和宫，而且还指出了具体的出生地点，就在雍和宫的东厢房。乾隆自己说自己出生在雍和宫东厢，应当算是比较权威的说法。

评分☆☆☆☆☆

乾隆是中国有文字记载以来享年最高的皇帝，也是中国历史上实际执政时间最长的皇帝。同时，乾隆又是在民间传闻最多、被文艺作品演绎最多和官方文献记载疑点最多的皇帝之一。出生地点之谜清朝12位皇帝中，出生地点不明的只有两位皇帝，这就是清太祖努尔哈赤和清高宗弘历。努尔哈赤出生时还没有创制满文，他当时也不是什么显赫人物，所以他的出生地没有留下明确的文字记载是可以理解的。但是，乾隆不一样，乾隆是雍正帝的第四个儿子，康熙五十年（1711年）八月十三日出生，他的出生地怎么会不确定呢？这里面必定大有蹊跷。

评分☆☆☆☆☆

（3）乾隆四十五年（1780年）新春，乾隆再一次到雍和宫礼佛时说：“十二初龄才离此，讶今瞥眼七旬人。”在这首诗下注云：“康熙六十一年始蒙皇祖养育宫中，雍正年间遂永居宫内。”

评分☆☆☆☆☆

乾隆自己认为：他生在雍和宫。雍和宫坐落在北京城安定门内，是著名的喇嘛庙。在康熙时代，这里原是雍亲王的府邸，也就是雍正做皇子时的王府，当时并不叫雍和宫。乾隆登极后，把他父亲雍正的画像供奉在这座府第里的神御殿，派喇嘛每天诵经，后来这里就改名叫雍和宫。乾隆曾经多次以诗或以诗注的形式，表明自己出生在雍和宫。

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（3）乾隆四十五年（1780年）新春，乾隆再一次到雍和宫礼佛时说：“十二初龄才离此，讶今瞥眼七旬人。”在这首诗下注云：“康熙六十一年始蒙皇祖养育宫中，雍正年间遂永居宫内。”

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（3）乾隆四十五年（1780年）新春，乾隆再一次到雍和宫礼佛时说：“十二初龄才离此，讶今瞥眼七旬人。”在这首诗下注云：“康熙六十一年始蒙皇祖养育宫中，雍正年间遂永居宫内。”

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