唐剧音乐创论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

韩溪 著，张辉 编，颜小平 校

图书标签:

• 唐代戏剧
• 唐剧
• 音乐史
• 戏曲音乐
• 音乐学
• 文化研究
• 历史音乐学
• 传统音乐
• 艺术史
• 戏曲理论

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103028773

版次：1

商品编码：10407012

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 戏曲研究丛书

开本：32开

出版时间：2004-10-01

用纸：胶版纸

页数：400

编辑推荐

《唐剧音乐创论》是对是这个剧种42年的总结，这本书的作者-韩溪同志是这个新中的关键人物之一。能写此书者非韩溪莫属。

内容简介

唐剧音乐是由唱腔、伴奏器乐曲牌、打击乐三部分组成，而其中则以唱腔为主体。

目录

唐剧音乐絮语（代序）
一、概述
（一）引言
（二）音乐是剧种之“种”
（三）学透传统是必练的基本功
（四）为适应新的生存环境要改良“种子”
（五）剧目是带动音乐发展的关键
（六）创新是剧种发展的生命
（七）育种人的思考
二、唐剧音乐导言
（一）唐剧唱腔的体制
（二）唐剧唱词的格律和结构
（三）唐剧音乐中“板”的概念
（四）唐剧唱腔行当的划分、类别、调式
（五）唐剧的演唱艺术
（六）地方语言调值与唐剧唱腔特点
三、唱腔
（一）女腔
1．平调
2．花调
3．河东调
4．悲调
5．呤腔
6．三赶七
7．硬辙
8．综合板腔
（二）男腔
1．平调
2．花调
3．悲调
4．三赶七
5．硬辙
6．金边儿
7．综合板腔
（三）不同行当、不同腔体、不同板式的组合
1．腔体相同，行当、调性不同的组合
2．腔体相同，行当、感情、板式不同的组成
3．板式相同，行当、腔体不同的组成
4.同一腔体、同一板式，不同行当相互借鉴组合
（四）伴唱与合唱
1．以某一板腔为基础加以发展变革
2．以某一腔体音调为主要素材，依据戏剧的需要，运用一些新的技巧，进行较大的发展变革
3．以同一行当不同腔体音调为素材，加以融合发展
4．以不同行当不同腔体的曲调为素材加以融合发展
5．不拘泥于某一具体行当和腔体，自由运用本剧种的音调旋法特点谱写新声
四、器乐曲牌
（一）主奏乐器-四胡
1．滑揉
2．压弦
3．打弦
4．掸弦
5．回旋音
6．运弓
7．用指和换把
（二）打击乐和乐队特色
1．打击乐
2．乐队特色
（三）与唱腔关联的器乐曲
1．开头
2．收头
3．底鼓
4．挂儿
5．小垫头
6．行弦
（四）曲牌
跋
后记

精彩书摘

唐剧音乐导言
唐剧音乐是由唱腔、伴奏器乐曲牌、打击乐三部分组成，而其中则以唱腔为主体。
唐剧唱腔的体制
唐剧唱腔基本上是以某一曲调为基础，通过节奏、旋律的扩展与压缩，以及速度、力度、润腔的变化，从而演变成一系列板腔，属板腔体。试以平调三种板式的变化为例，可见一斑。
唐剧还有一种介于板腔体和曲牌体之间的唱腔“三赶七”。其唱词由三三、四四、五五、六六、七七组成，字数、句数都相当规范，近于曲牌体结构。然而其曲调刚依照某一曲调则一腔调的基本曲调为基础，以字行腔，同时在板式上变可随感情而自由变化，这又属于板腔体结构。
唐剧的唱词的格律和结构
唐剧唱词的结构，通用十三道大辙。上句比较自由，可在辙上，亦可不在辙上，下句则必须在辙上。由于地方语言的关系，善用“乜斜”、“灰堆”两个韵路比较“仄”的辙路，其次就是“中东”、“江阳”、“言前”、“人辰”等。在不同行当中，由于唱腔音调不同，还有些辙韵尽量不用，如旦行（小儿）少用“姑苏”，生行少用“乜斜”，净行（大儿）少用“发花”。
从格律上分“上仄下平”和“上平下仄”两大类。后者在其他剧种罕见，唐剧称之为“硬辙”。
从结构上分十字赋、七字赋、楼上楼、三赶七、五字锦、金边儿等。
……

前言/序言

华夏戏曲的流光溢彩：中古时期戏曲美学与地域流变研究 本书概要 本书是一部深入探讨中国中古时期（特指魏晋南北朝至唐宋时期，重点聚焦于唐代及五代十国至北宋初年）戏曲艺术形态、美学观念、以及其在不同地域间传播与演变的历史性与理论性著作。它并非聚焦于某一种特定的“唐剧”音乐学研究，而是以更宏观的视角，审视了中国舞台艺术从早期歌舞剧向成熟戏曲过渡阶段的复杂生态。全书共分五大部分，二十个章节，以扎实的文献考据为基础，辅以跨学科的研究方法，力求还原那个时代戏曲艺术的真实面貌及其对后世戏曲体制的深远影响。 第一部分：中古戏曲的源流与背景（上古遗绪与时代土壤） 本部分首先回溯了先秦两汉时期“百戏”的遗存，着重分析了乐舞、相和歌、角抵等艺术形式如何为中古戏曲的孕育提供了原始素材和技术支撑。 第一章：魏晋清谈与乐府的衰变： 探讨了玄学思潮对传统雅正音乐的冲击，以及民间乐府歌辞在社会动荡中如何转向叙事性和表演性，为后来的“唱”与“演”结合奠定了情感基调。 第二章：胡旋与健舞：外来影响的深度渗透： 详细剖析了西域传入的乐舞，如胡旋舞、柘枝舞等，它们带来的节奏、服饰和舞台调度，如何丰富了宫廷燕飨的娱乐内容，并催生了更具情节性的歌舞表演。 第三章：佛教密宗与俗讲的兴起： 论述了佛教在中古时期的盛行，特别是变文、俗讲等布道形式对叙事结构和人物塑造技巧的贡献。这些说唱艺术的“说白”技巧，被后世戏曲的“念白”环节吸收。 第二部分：宫廷燕乐与教坊体制的构建（盛唐的辉煌与规范化） 本部分的核心在于分析唐代宫廷对音乐舞蹈的集中管理，以及由此产生的制度化和程式化对舞台艺术的标准化作用。 第四章：梨园祖庭的建立与乐工的职业化： 详述唐玄宗时期梨园的设立，它如何从一个单纯的音乐机构，逐渐演化成为培养专业演员、规范音乐演奏和舞蹈编排的摇篮。分析了其内部结构、教学内容以及对后世戏曲科班的直接影响。 第五章：燕曲的结构分析：宫廷歌舞的音乐特征： 细致解构了盛唐燕乐中的主要曲式，如“相和曲”和“燕曲”，探究其旋律的组织方式、乐队的配置（如奚琴、琵琶、筚篥等乐器的配置与作用），并尝试重构其可能的音乐面貌。 第六章：教坊戏：从宴饮娱乐到情节初显： 重点研究教坊所演出的“戏”，辨析其与纯粹歌舞的区别。考察了《踏歌集》等文献中记载的简单情节片段，揭示了叙事性在盛唐舞台表演中的萌芽状态。 第七章：唐代“俳优”的社会地位与表演范式： 考察了与教坊并存的“俳优”（或称“散乐百戏艺人”）群体，他们的表演风格往往更为世俗化和诙谐，是民间喜剧元素向官方舞台渗透的重要通道。 第三部分：五代十国：地方戏的萌芽与“杂剧”的滥觞 唐代衰落后，地方割据和文化交流的加剧，促使戏曲艺术在民间和地方政权中走向多样化和成熟化。 第八章：南唐金陵的文人化倾向： 聚焦于南唐李璟、李煜父子对词曲艺术的推崇，分析他们如何将文人的雅词引入戏曲演唱中，提升了剧目的文学品位。 第九章：后蜀的“蜀中歌舞”及其独特性： 研究四川地区在五代时期的独特艺术风格，探讨其与中原传统的差异性，并分析其对宋代“诸宫调”的影响。 第十章：汴梁“杂剧”的初步定型： 详细考证了北宋开封城内“瓦子”兴起前，民间已经出现的，具备相对固定角色、唱腔和简单情节的“杂剧”形态，这是成熟戏曲的直接前身。 第十一章：从“说唱”到“表演”：角色表演的雏形： 比较了五代时期，从说书艺人向演员转化的案例，探讨“扮相”和“做功”是如何在这一时期被初步建立起来的。 第四部分：宋代戏曲的繁荣与体制化（“词曲”的巅峰对决） 宋代，特别是北宋，是中国戏曲结构趋于成熟的关键时期，专业化的戏园和成熟的剧本开始出现。 第十二章：瓦子勾栏的兴盛与市民文化： 深入描绘了宋代城市中瓦子、勾栏等专业娱乐场所的结构、管理制度和观众构成，这是戏曲艺术走向成熟的物质基础。 第十三章：宋杂剧的“正末”“副末”角色定型： 详尽分析了宋杂剧的五人角色配置（正末、副末、男女副扮、内职），以及这些角色在叙事中所扮演的功能，这是后世戏曲角色体制的基石。 第十四章：曲牌与板式的运用：音乐体制的严密化： 考察了宋代在词令、套数中使用的曲牌如何在杂剧中被固定下来，并分析了板式变化（如散板、慢板、流水板）在增强戏剧张力方面的作用。 第十五章：诸宫调与南宋的“戏文”： 重点研究了由说唱艺术发展而来的“戏文”（如《董卓传》《白兔记》等），分析其文学性、叙事容量与当时成熟杂剧的区别与互补关系。 第五部分：中古戏曲美学思想与影响 本部分从理论高度总结了中古时期戏曲艺术在美学范畴内取得的成就，及其对后世元明清戏曲的奠基性作用。 第十六章：中古戏曲的“象”与“意”： 探讨了早期戏曲在表现人物情感和场景转换时所遵循的象征手法，以及如何通过程式化的动作（“做”）来传达复杂的内心世界。 第十七章：音乐审美中的“雅俗共赏”： 分析了宫廷雅乐、文人雅词与民间俚俗表演在同一舞台空间内的张力与融合，揭示了中古戏曲“包容性”的艺术本质。 第十八章：戏曲体制的过渡：从“一曲终了”到“多支联缀”： 总结了从早期单段歌舞到宋代多支曲牌联缀成篇的结构演变，这是戏曲叙事结构成熟的关键一步。 第十九章：南北演艺流派的地域差异性： 对比了盛唐以来，不同地理区域（如关中、江淮、巴蜀）的音乐、舞蹈和表演风格，如何在唐宋时期形成各自的特色，为后世地方戏的形成埋下伏笔。 第二十章：中古艺术对后世戏曲体制的继承与超越： 总结全书论点，阐明唐宋时期的制度建设、曲式确立和表演技巧的积累，如何为元代杂剧和南戏的全面爆发提供了必要的技术和文化储备。 本书特色 本书最大的特点在于其跨越了通常被割裂的魏晋、唐、五代、宋代四个历史阶段，将戏曲艺术视为一个连续演化的有机体进行考察。作者不仅细致梳理了大量现存或散见的史料（如《旧唐书·音乐志》《宋史·乐志》及相关笔记小说），更运用了音乐考古、舞蹈人类学等方法，对那些“只可意会，难于言传”的古代表演艺术进行了审慎的学术重建和理论推演，为研究中国戏曲的起源和早期发展提供了扎实而开阔的新视野。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末才初步浏览完这本书的章节结构，给我的第一感受是，作者的知识体系构建得异常宏大而又逻辑严密。它不是那种按部就班的教科书式梳理，而更像是一幅由点到面徐徐展开的精细地图。书中对所探讨领域的历史脉络勾勒得极其清晰，每一个理论的提出、每一次流派的更迭，都有着详实的背景铺垫和严谨的论证过程。我尤其欣赏作者在引入新概念时，会先回顾前人的思想，然后巧妙地指出前人未触及或探讨不深之处，从而自然地引出自己的观点，这种“承前启后”的处理方式，让整个阅读过程充满了发现的乐趣。它迫使我不得不放慢速度，反复咀嚼那些关键的论述，甚至需要对照一些外部资料来加深理解。这本书的深度是毋庸置疑的，它绝对不是给初学者准备的“入门砖”，而更像是为资深研究者提供的一份深度对话邀请函。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，我一直对某些学术著作中那种故作高深的晦涩表达感到厌倦，但这本书彻底打破了我的刻板印象。作者在处理前沿或复杂议题时，展现出了一种罕见的“翻译”能力。他似乎有一种天赋，能够将那些盘根错节的学术概念，用最简洁、最直观的方式呈现给读者。书中大量使用的类比和模型构建，极大地降低了理解门槛，让原本高高在上的理论变得触手可及。比如，在解释某个核心机制时，他援引了一个日常生活中极易理解的场景进行类比，那种醍醐灌顶的感觉，是其他很多同类书籍中难以获得的体验。这本著作的价值不仅仅在于其研究成果本身，更在于它为后续学习者提供了一个极佳的范例：如何既保持学术的批判精神和深度，又能够做到真正意义上的知识普及与沟通。这体现了作者极高的学术修养和对读者群体的深切关怀。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是没得说，纸张的质感温润，触感很舒服，那种厚重又不失细腻的感觉，让人一上手就知道是本用心之作。封面设计很典雅，那种古朴的色调搭配上精致的字体排版，一下子就抓住了我的眼球。我特别喜欢这种传统与现代融合得恰到好处的设计，翻开扉页，连目录的排版都显得别有风味，让人阅读的欲望油然而生。拿到手里沉甸甸的，就知道里面内容肯定很扎实，不像是那种轻飘飘的普及读物。作者在细节上的追求，从内文的字体选择到章节之间的过渡处理，都体现出一种对学术的敬畏之心。特别是那些图文排版，布局疏密有致，读起来一点都不累，即使是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。这种对物理形态的重视，本身就是对读者的一种尊重，让我对书的内容充满期待，感觉作者不仅在文字上下了功夫，在书籍的实体呈现上也倾注了大量心血，绝对是值得收藏的一本佳作。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书之前，我对该领域的一些基本认知是碎片化和零散的，很多概念停留在表面，缺乏一个整合性的框架来支撑。然而，阅读这本书的过程，就像是进行了一次全面的思维重建。它并没有停留在简单的“是什么”的层面，而是深入探讨了“为什么会这样”以及“未来会走向何方”。书中提出的那些富有挑战性的假设和对现有主流观点的反思，极大地拓宽了我的思考边界。我发现自己开始用一种全新的、更具批判性的眼光去审视过去接触过的所有相关资料。它不是简单地罗列事实，而是引导你去建构一套属于自己的分析工具箱。读完之后，我感觉脑海中那些原本散落的知识点，都被这本书精心编织成了一张巨大且结构稳固的知识网络。这本作品的份量，绝不是一本普通的参考书可以比拟的，它更像是一位导师，在你思维的拐角处提供了精准而有力的推力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格实在是太对我的胃口了，它有一种独特的韵律感，读起来不像是在读一份冰冷的学术报告，更像是在聆听一位学识渊博的长者在娓娓道来。作者的语言驾驭能力极高，既能使用精确、严谨的专业术语，又能够在需要时切换到极富画面感的描述性语言，使得那些原本可能枯燥的理论分析瞬间变得生动起来。我特别喜欢他偶尔在严肃论证中穿插的那些带有个人色彩的深刻洞察，那些小小的、却掷地有声的批注，像黑夜里的星光，瞬间点亮了整个章节。这种张弛有度的叙述节奏，使得即使是涉及复杂理论的部分，我也能保持高度的专注力，完全没有中途走神的现象。它成功地在“学术的严谨性”和“阅读的愉悦性”之间找到了一个近乎完美的平衡点，让人爱不释手，想一口气读完，又舍不得太快翻页。