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傅妮编著 著

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960106

商品编码：10259426209

出版时间：2003-12-01

作  者:傅妮 编著 著作 定  价:25 出 版 社:中央音乐学院出版社 出版日期:2003年12月01日 页  数:175 装  帧:平装 ISBN:9787810960106 ●出版者的话
●复习提纲
● 音的分组
●第二节 等音自然半音自然全音变化半音变化全音
●第三节 省略记号演奏法标记装饰音
●第四节 节奏组合连音符
●第五节 变化音
●第六节 音乐术语
●第七节 音程
●第八节和弦
●第九节 中国民族五声调式音阶及其他
●第十节 大调式音阶小调式音阶
●第十一节 半音阶特种调式音阶等音调音阶
●第十二节 近关系调调式分析
●第二章练习题
● 音的分组
●第二节 等音自然半音自然全音变化半音变化全音
●第三节 省略记号演奏法标记装饰音
●第四节 节奏组合连音符
●第五节 变化音
●部分目录

内容简介

《乐理考前辅导教程》之所以没有划分级别，原因是目前绝大多数院校乐理在入学考试中都属于统考科目，而且就其性质而言乐理是知识性的，基本上不存在程度难易的问题。一些院校不理的入学考试已达到这门课程修毕的要求，学生入学考试成绩合格，学校在本科阶段不再开设乐理课。而另一些院校在学生入学后仍然设有乐理课，因此这本辅导教材对这些院校的学生继续学习乐理也是很有帮助的。 傅妮 编著 著作 傅妮，1991年毕业于中央音乐学院作曲系。同年留视唱练耳教研究任教，教授全院各系视唱练耳、乐理共同课。1998年编写了《不错多风格交响作品实用听觉教程》。2000年开始数字化乐理教学软件的研究开发工作。
2002年开设选修课《多媒体音乐听觉》。论文《电脑网络时代的视唱练耳教学》获2002年首届数字化音乐教学研讨会、视唱练耳乐理教学研讨会很好文论文。参加修订的视唱练耳教学软件《灵听》于2003年6月出版。《基础乐理》于2003年6月由中央民族大学出版社出版。
2002年-2003年为中央音乐院现代远程音乐教育学院编写网上远程教学院编写网上远程教学课程，并制作网络教学课件，担任认证等

音韵之境：古典音乐理论深度解析与实践指南 图书名称：《音韵之境：古典音乐理论深度解析与实践指南》 图书简介： 《音韵之境：古典音乐理论深度解析与实践指南》是一部旨在为音乐爱好者、学生以及专业人士提供全面、深入且系统化的古典音乐理论学习体验的专著。本书摒弃了传统教材中过于枯燥的公式堆砌，转而采用一种更具启发性、注重理论与实际应用相结合的叙述方式，力求将晦涩的音乐规则转化为生动、可感知的艺术语言。 本书共分为六大部分，层层递进，构建了一个严谨而又富有弹性的理论知识体系。 --- 第一部分：音乐的基石——节奏与节拍的精微结构 本部分从最基础的元素入手，但绝非浅尝辄止。我们深入探讨了节奏的本体论，超越了单纯的拍号识别。 一、时值的感知与心理学： 分析人类大脑如何处理和预期音乐中的时间间隔。探讨了不同文化背景下对“慢”与“快”的主观感受差异，并将其与具体的节拍记号关联起来。 二、复节奏与不规则节拍的交织艺术： 详细解析了复拍子（如6/8, 9/8）的内在驱动力，并着重讲解了非对称节拍（如5/4, 7/8）在20世纪及当代音乐中的创新用法。通过对巴托克、斯特拉文斯基等作曲家作品的案例分析，展示了如何通过对重音的微妙偏移来创造出动态张力。 三、自由节奏的形态学： 探讨了没有明确节拍标记的段落（如自由速度的宣叙调、鲁巴托的运用），分析了其在营造戏剧效果和情感流动中的关键作用。 --- 第二部分：旋律的骨骼——音高系统与调式构建的演变 本卷致力于揭示旋律之所以动人的深层结构，追溯西方音乐从古代到现代的音高体系的演变轨迹。 一、纯律与十二平均律的哲学分野： 详细对比了毕达哥拉斯音律、纯律体系与巴赫时代确立的平均律之间的物理学差异和听觉美学差异。通过听觉测试的指导，引导读者亲身体验不同音律在和弦纯净度上的细微差别。 二、古典调性体系的逻辑推演： 详尽剖析了大小调的结构、关系调的连接方式，并重点分析了功能和声学在确定调性中心（Tonic）稳固性上的核心地位。内容涵盖了导音的引导作用、副属和弦的色彩贡献，以及终止式的心理学效应。 三、调式音乐的复兴与扩展： 深入挖掘了早期教会调式（Dorian, Phrygian等）在民谣和浪漫主义音乐中的“返祖”现象。此外，也对五声音阶、全音阶等非传统调式在德彪西、拉威尔作品中的印象派运用进行了细致的解读。 --- 第三部分：和声的织体——纵向声音关系的深度剖析 和声是音乐的“色彩”与“深度”的来源。本部分旨在提供一个远超基础三和弦的广阔和声视野。 一、功能和声的精细操作： 除了基本的T-S-D功能划分，本书重点探讨了和声的模糊化与延伸。内容包括： 离调与转调技巧： 详细讲解了平行转调、同音转调以及半音阶内和弦的引入，如何实现平滑或突兀的色彩转换。 七和弦及九和弦的解析： 不仅限于属七和弦，还深入分析了次属七和弦、减七和弦在连接功能上的“双重身份”及其解决方式的灵活性。 二、非功能性与浪漫主义晚期和声： 集中探讨了瓦格纳、李斯特等作曲家对传统和声逻辑的挑战。特别关注了增六和弦（德、意、法）的构建逻辑、三全音的张力释放，以及和声进行中“色彩优先于功能”的趋势。 三、二十世纪和声的突破： 介绍了集合理论（Set Theory）在分析无调性音乐中的基础应用，以及集群和弦（Chord Clusters）的物理特性和听觉冲击力。 --- 第四部分：曲式的骨架——宏大结构的设计与逻辑 本部分专注于建筑层面的思考，探讨音乐如何从微观的动机发展为宏大的篇章。 一、动机、乐句与段落的逻辑递进： 讲解了如何通过节奏动机的变形（节选、增值、移位）和旋律轮廓的对比来生成新的音乐材料，确保作品在发展中的统一性。 二、奏鸣曲式的动态解构： 摒弃传统的“呈示部-发展部-再现部”的机械划分，转而从“核心冲突点的确立与解决”的角度来分析奏鸣曲式。深入探讨了发展部的结构策略，如材料的碎片化、调性的游走，以及再现部中对呈示部主题的再语境化处理。 三、复调音乐的严谨性： 集中讲解了卡农和赋格的创作法则。赋格部分不仅分析了主题的呈示、入口和中段的构建，更侧重于反向、倒影、增值等复调技巧在增加织体密度和表现力上的实际操作。 --- 第五部分：配器法的色彩学——乐器组合的艺术 本部分超越了单个乐器的音域知识，探讨如何将不同音色有机地融合，创造出具有独特声学质感的音响画面。 一、管弦乐团的声学平衡： 详细分析了木管组、铜管组、弦乐组及打击乐组的音色特性及其在和声层次中的功能定位。讨论了弦乐的“叠置”（Doubling）技术对音色纯净度的影响。 二、织体密度的控制： 探讨了作曲家如何通过“留白”和“加厚”来控制音乐的能量流。例如，如何利用低音区的低音提琴和低音管的音区重叠来制造“深沉”感，而非简单地增加音符数量。 三、独特音色的探索： 介绍特殊演奏法（如弦乐的弱奏、泛音、使用弱音器）在创造特定情感氛围中的作用，并结合德彪西和拉威尔的管弦乐配器实例进行示范。 --- 第六部分：理论的跨界与未来展望 本卷旨在拓展读者的思维边界，将古典理论知识延伸至更广阔的音乐领域。 一、非西方音乐理论的启示： 简要介绍印度拉格体系和中国传统工尺谱体系中的音高组织方式，并探讨这些体系如何挑战西方传统的十二平均律框架。 二、流行音乐中的和声借鉴： 分析爵士乐的扩展和弦（如9th, 11th, 13th）如何回溯并丰富了传统功能和声的表达力，以及布鲁斯音阶在旋律创作中的独特魅力。 三、技术辅助下的理论研究： 介绍如何使用现代分析软件（如Sibelius, Finale, 或专门的音乐分析工具）来可视化复杂的和声进行和对位结构，从而提高分析效率和准确性。 《音韵之境》力求成为一座坚固的桥梁，连接理论的严谨性与音乐实践的无限可能。它不要求读者成为一个理论家，但旨在使每一位学习者都能更深入地理解伟大音乐作品背后的匠心独运。

评分☆☆☆☆☆

读完《配器法的艺术密码》之后，我只有一个想法：相见恨晚！我之前的配器知识主要来源于零散的乐器手册，缺乏系统性。这本书的伟大之处在于，它成功地构建了一套完整的“乐器群像认知体系”。它不是简单地罗列每种乐器的音域和音色，而是将它们置于一个动态的交响图景中去考察。作者对木管组和铜管组之间音色融合与对比的论述，简直是大师级的剖析。特别是关于“音色分层与空间感营造”的部分，作者详细解释了如何通过乐器的不同高低音区的组合，在听众的脑海中创造出三维的听觉空间。我以前总觉得自己的配器听起来“灰暗”，读了这本书后才明白，那是因为我在声部密度和高频支撑上存在严重缺陷。书中的案例分析详尽而精准，它会把某个著名作曲家的配器片段拆解到每一个音符，解释为什么这个音符使用大提琴的C区而不是G区。这种对细节的极致追求，让这本书的实用价值达到了顶峰。对于有志于管弦乐创作的人来说，这本书提供了从“知道乐器”到“驾驭乐器”的质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了一本《和声的建筑美学》，说实话，最初抱着试一试的心态，因为市面上关于和声的书籍多如牛毛，大多内容雷同，读起来索然无味。然而，这本书完全打破了我的预期。它最引人注目的地方在于其独特的“结构主义”视角。作者似乎不满足于教会你“怎么写”和声，而是深入探讨了“为什么这样写听起来好”。它没有过多纠结于严格的规则，而是将和声视为一种内在的逻辑结构，一种在时间维度上展开的建筑设计。书中对于“功能和声的张力释放”的分析尤其精彩，它把传统的导向性分析提升到了心理声学的层面。我印象最深的是关于“色彩和声”的章节，作者没有简单地列举增六和弦的使用场景，而是将其置于浪漫主义晚期音乐的审美变迁中进行考察，这种历史与理论的结合，让那些曾经让我感到困惑的和弦瞬间变得合乎情理。这本书的语言风格非常凝练且充满思辨性，它更像是一份理论家的备忘录，需要读者投入极大的注意力去消化，但一旦领悟，思维的边界会被极大地拓宽。对于那些已经掌握了基础乐理，想要向更高层次的作曲技术迈进的进阶学习者来说，这本书无疑是一剂强效的“思维兴奋剂”。

评分☆☆☆☆☆

《曲式结构的秘密解构》这本书，如同给音乐作品贴上了一张精确的X光片，让你能透视其骨骼结构。我过去常常觉得曲式理论枯燥乏味，无非是主歌、副歌、三部曲式那一套老生常谈。但这本书彻底颠覆了我的认知。它没有拘泥于古典时期的僵硬范式，而是将“曲式”定义为“在时间轴上对音乐材料进行逻辑布局的策略”。作者花了大量篇幅去探讨“非显性曲式”，比如如何通过和声进行或旋律的演变来暗示曲式结构，这对于分析现代流行音乐或电影配乐至关重要。书中对“主题的变形与再生”的分析特别深刻，它将主题视为一个具有多重潜能的DNA片段，展示了它如何在不同的音乐语境下“突变”和“进化”。阅读过程中，我仿佛进行了一次宏观的建筑考察，从基础的砖瓦（动机）到宏伟的殿堂（曲式）。这本书的行文风格非常严谨，逻辑链条清晰无比，适合那些追求深度理解音乐作品内在组织逻辑的学习者。读完后，再听任何复杂的音乐作品，都能立刻感受到其背后的支撑结构，大大提升了聆听的效率和深度。

评分☆☆☆☆☆

这本《旋律的织锦》简直是音乐爱好者的福音！我本来对和声学的理解停留在初级阶段，总觉得那些复杂的理论像是空中楼阁，难以触及。但这本书的叙述方式却异常亲切，仿佛一位经验丰富的老教授，拿着画笔，一步步带领你走进色彩斑斓的音乐世界。它没有堆砌晦涩的术语，而是大量运用生动的比喻和实际的乐例来阐释抽象的概念。比如，它将调式之间的关系比作不同的“心情光谱”，让我瞬间明白了为什么不同的调式会带来截然不同的听感。特别是关于副属和弦的讲解，作者用“情感的起伏与跌宕”来描述，比起教科书上冷冰冰的公式，这种描述方式更能让人产生共鸣，也更容易被大脑记住。我尤其欣赏它对“动机发展”这一概念的深入剖析，它不仅仅是罗列了模仿、展开等手法，而是追溯了动机是如何像一粒种子，最终成长为宏伟的音乐建筑的全过程。这本书的排版也很舒服，留白恰到好处，让人在阅读过程中感到放松，而不是压迫。对于想系统梳理音乐理论知识，又害怕被传统教材的刻板吓退的音乐学习者来说，这绝对是一次美妙的阅读体验。它不仅仅是知识的传递，更是一种对音乐本体的深层理解的引导。

评分☆☆☆☆☆

《节奏的脉动与呼吸》这本书，与其说是一本教程，不如说是一本“节奏感唤醒手册”。我一直觉得自己对节奏的把握比较松散，尤其是在处理复杂的复节奏和不规则节拍时，总是感觉心里没底。这本书的切入点非常新颖，它没有一开始就抛出拍号和分割，而是从人类最原始的生理节奏，比如心跳、呼吸、行走开始引入。作者擅长用极富感染力的文字描述节奏的“运动感”。书中提供的那些节奏练习，设计得极其巧妙，它们并非枯燥的打点，而是模拟了自然界中各种动态场景，比如“林间小溪的跳跃”、“马蹄的交错”等等，这使得练习过程充满了乐趣和想象空间。我发现，自从开始练习书中的“节奏感知训练法”，我在演奏乐器时，即兴的律动感有了显著的增强，不再是机械地跟着节拍器走。更值得称赞的是，它对二十世纪音乐中复杂的节奏切分和度量交换的分析，清晰得令人发指。它把这些看似混乱的节奏，还原成了清晰可辨的、有生命力的“呼吸单元”。如果你想摆脱“节奏白痴”的标签，这本书是你不容错过的“救赎之书”。