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王朋娇 著

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店铺： 梅凯瑞图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115313928

商品编码：29961437606

包装：平装

出版时间：2013-05-01

基本信息

书名：摄影作品创作

定价：48.00元

作者：王朋娇

出版社：人民邮电出版社

出版日期：2013-05-01

ISBN：9787115313928

字数：

页码：

版次：5

装帧：平装

开本：12k

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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1.不强调技术，更多的突出创作，强调艺术。
2.以讲座的形式展现内容，形式新颖。

内容提要

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本书按照影响摄影作品创作的元素，包括主题、构图、用光、色彩、曝光、照相机等一一展开，并结合大量成功的摄影作品，从审美理念、拍摄视角、技术技巧、意境追求、艺术独创等方面进行精炼的解析，给大家展示摄影的根本特性与种种魅力，提高你对摄影的感悟能力，引导你步入那瑰丽的摄影艺术殿堂，从摄影中感受到乐趣，拍摄出让自己满意、欣赏者产生共鸣从而感受到审美的愉悦或深思的摄影作品。　　本书作为高等学校、中等专业学校摄影的选修教材，同时也适合对摄影感兴趣并想提高自己创作能力的摄影者，也可以作为摄影培训教材，非常适合摄影爱好者阅读。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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光影的诗篇：当代摄影艺术的探索与实践 引言：穿越镜头的时空隧道 摄影，作为一种独特的艺术表达形式，自诞生之日起便肩负着记录现实与构建想象的双重使命。它不仅仅是按下快门捕捉瞬间的物理行为，更是一场深刻的视觉对话、一次对存在意义的哲学叩问。本书《光影的诗篇：当代摄影艺术的探索与实践》，旨在为广大摄影爱好者、专业人士以及所有对视觉艺术抱有热忱的读者，提供一个系统而深入的平台，去探索当代摄影的广阔疆域，理解其背后的理论基石，并掌握将个人创意转化为震撼作品的实践技巧。 我们深知，摄影的魅力在于其无限的可能性。从纪实报道的铁肩担道义，到观念艺术的颠覆性思考，再到纯粹形式美学的极致追求，每一张被精心构思和拍摄的照片，都是创作者心智与世界互动的结晶。本书将侧重于那些推动摄影语言不断前行的力量，探讨技术革新如何重塑我们的观看方式，以及艺术家如何在数字洪流中坚守并发展其独特的“摄影之眼”。 第一章：根基的重塑——从模拟时代到数字纪元的美学遗产 摄影艺术的演进并非一蹴而就，而是建立在百余年间无数先驱者的探索之上。本章将追溯那些塑造了现代摄影美学的关键流派和大师，例如安塞尔·亚当斯对光线和影调的极致掌控，布列松对“决定性瞬间”的哲学捕捉，以及辛迪·舍曼对身份和表象的解构。理解这些历史脉络，是构建个人风格的必要前提。 然而，数字技术的革命性介入，彻底颠覆了传统的创作流程与审美标准。我们不会仅仅停留在对历史的缅怀，而是深入剖析数字媒介带来的解放与束缚。从高像素传感器的物理特性到非线性编辑对“真实”概念的挑战，本章将引导读者辨析数字时代的图像伦理，探讨如何利用新技术拓宽艺术边界，而非被技术本身所奴役。重点讨论诸如HDR技术在表现高反差场景中的艺术选择，以及RAW文件在后期处理中对原始信息的尊重与再创造。 第二章：构建视觉语法——构图、光线与色彩的深度解析 优秀的摄影作品，其成功绝非偶然，而是对视觉语言的精妙运用。本章将超越传统摄影教程中对“三分法”的简单介绍，深入探讨更具张力和情感穿透力的构图策略。我们将分析如何利用负空间、引导线、对角线以及非对称平衡来引导观众的视线，并营造出特定的心理氛围。例如，在表现宏大叙事时如何运用景深来区分主体与背景层次，以及在极简主义摄影中，如何通过精准的取景来达到“少即是多”的哲学境界。 光线，是摄影的灵魂。本章将系统梳理自然光与人工光的特性及其在不同场景下的应用。自然光的时相变化（如蓝调时刻、黄金时刻）如何赋予场景独特的情感色彩；人工光源（如影棚灯、LED补光）的色温和角度如何精确塑造物体的体积感和质地。我们将探讨如何“阅读光线”，即不仅要看到光照在哪里，更要理解光线想要讲述的故事。 色彩理论在当代摄影中扮演着愈发重要的角色。本章将从心理学和艺术史的角度，解析色彩的象征意义，以及如何通过色彩的对比、和谐与饱和度的控制，来强化作品的主题表达。例如，探讨单色调（Monochrome）如何剥离色彩的干扰，将观众的注意力引向纹理与形式；以及如何通过高度饱和的色彩来营造超现实的视觉冲击力。 第三章：观念的重量——从“拍什么”到“为什么拍”的转变 当代艺术的核心驱动力往往源于“观念”。本章将聚焦于观念摄影（Conceptual Photography）的实践路径。我们不再满足于对客观世界的忠实再现，而是将镜头作为思考的工具，探索更深层次的社会、文化、身份和存在议题。 我们将分析叙事性摄影（Narrative Photography）的构建技巧，学习如何通过一系列照片而非单张图像来铺陈一个复杂的故事线，这涉及到系列作品的内部逻辑、节奏控制和视觉连贯性。对于非叙事性的观念作品，重点在于如何通过隐喻、象征和并置（Juxtaposition）来挑战观众的既有认知。讨论诸如“档案摄影”（Archival Photography）的挪用与再语境化，以及如何利用摄影的“证据性”来探讨媒体的偏见与操控。 本章还将探讨“摄影主体性”的问题——即艺术家在创作过程中的位置。是作为隐形的观察者，还是作为积极的参与者？如何通过自拍（Self-Portraiture）或身体介入等方式，将个人体验转化为具有普遍意义的艺术宣言。 第四章：后处理的炼金术——从暗房到像素的精细雕琢 在数字时代，后期制作不再是简单的“洗片”或“冲洗”，而是创作流程中不可分割的第二部分——是数字暗房的延伸，更是对作品最终形态的二次创造。本章将详尽阐述专业级的图像处理工作流程，但重心绝非软件操作的罗列，而是如何将技术手段服务于艺术意图。 我们将深入探讨高级修图技术在不同摄影类型中的应用：在肖像摄影中，如何微妙地平衡细节的保留与理想化的处理；在风景摄影中，如何利用蒙版和局部调整来重现肉眼所见的动态范围，并突出特定焦点；在艺术微喷（Fine Art Printing）中，如何理解色彩管理、墨水与纸张材质对最终视觉效果的决定性影响。 特别辟出章节讨论“数字伪造”与“艺术真实”的边界。在图像被轻易修改的背景下，艺术家应如何在技术运用上保持审慎的诚实，以及如何通过风格化处理（如模拟胶片颗粒感、做旧效果）来明确告知观众，此作品已超越对客观现实的简单记录，进入了艺术的想象领域。 第五章：影像的传播与呈现——策展、出版与数字展示的未来 摄影作品的生命力，不仅在于其创作本身，更在于其被观看和体验的方式。本章将目光投向作品的最终呈现环节。我们将探讨如何为摄影系列作品进行有效的策展思考，无论是实体展览还是虚拟空间。实体展览的物理空间布局、装裱选择（印刷介质、装裱方式）对观众体验的影响至关重要。 同时，探讨摄影出版物的特殊性。一本精心设计的摄影画册，其开本、纸张选择、内页排版、图片之间的留白，共同构筑了一种线性的、沉浸式的阅读体验。如何通过版式设计来控制阅读节奏，强化视觉冲击力，是本章的重点内容。 最后，我们将展望数字平台（如社交媒体、在线画廊）对摄影传播带来的机遇与挑战。如何在快速消费的数字环境中，保持作品的深度和观看的专注度？探讨交互式媒体与延展现实（XR）技术对未来摄影艺术形态的潜在影响。 结语：永恒的探索者 摄影艺术是一条没有终点的道路。它要求我们保持对世界的永恒好奇心，对光影的敏感度，以及对自身表达意图的清晰认知。《光影的诗篇》期望成为您旅途中的一位知己和向导，激发您超越既有的框架，用镜头书写属于您自己的、不可替代的光影诗篇。真正的创作，永远在下一次按下快门之前。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书带给我的惊喜，在于它对“创作”二字理解的深度。我原以为“摄影作品创作”会充斥着各种相机参数、曝光技巧、构图法则的讲解，但这本书更侧重于“为什么拍”和“怎么想”。作者反复强调，技术固然重要，但比技术更重要的是创作者的“眼睛”和“心”。他花了大量的篇幅去探讨如何培养自己的观察力，如何从日常生活中挖掘出不寻常的视角，如何用光影去讲述故事，而不是仅仅记录画面。 其中有一个章节，他分享了自己对“时间”在摄影中的表现的研究。他不是简单地教你怎么拍慢门或者快门，而是通过不同时间的拍摄，比如清晨的光线如何让城市变得温柔，午后的阳光如何勾勒出建筑的轮廓，黄昏时分如何渲染出诗意的氛围，来展示时间对画面质感和情绪的影响。他通过大量的实例，展示了同一个场景，在不同时间下，呈现出的截然不同的生命力和美感。这让我意识到，摄影不仅仅是对“此时此刻”的捕捉，更是对“时间流逝”和“空间变化”的解读。这本书让我开始反思，我之前拍照，是不是过于关注“拍到”而忽略了“拍出”？

评分☆☆☆☆☆

第一次读到这本书，我抱着学习一些基本摄影技巧的心态，毕竟“摄影作品创作”听起来就挺专业。然而，这本书的价值，远远超出了我的预想，它更像是一本关于“如何思考”和“如何表达”的创作指南。作者并没有用晦涩难懂的语言去阐述复杂的摄影理论，而是将一些很抽象的创作理念，用非常生动、形象的比喻和故事来解释。 他有一个章节，将摄影创作比作“与世界对话”。他认为，摄影师并非被动地接收光线，而是主动地通过镜头与拍摄对象建立联系，并将其转化为自己的语言。他花了很长的篇幅来讲解如何“倾听”拍摄对象，无论是人物、风景，还是静物。他强调，每一个被摄体都有它自己的故事和特质，而摄影师的职责，就是去发现并放大这些特质。例如，在拍摄人物时，他鼓励去捕捉那些不经意间的表情和眼神，那些才是最能触动人心的瞬间。这种“对话”式的创作理念，让我觉得摄影不再是一种简单的记录，而是一种充满情感的交流和表达，这让我对“创作”这个词有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我越来越觉得这本书的作者是一位非常真诚且富有洞察力的摄影师。他分享的不是那些“万能公式”或者“速成秘诀”，而是关于如何在摄影的道路上，保持独立思考和持续进步的方法论。他鼓励读者去“犯错”，去“尝试”，去“打破常规”。 令我印象深刻的是，他用一个章节来剖析“失败的作品”。他认为，很多时候，我们从失败的作品中学到的，比从成功作品中获得的更多。他坦诚地展示了自己曾经拍过的那些不尽如人意的照片，并详细分析了失败的原因：可能是构图上的失误，可能是光线处理的不足，也可能是对主题理解的偏差。通过对这些“失败”的剖析，他引导读者去反思自己的创作过程，去找出问题所在，从而避免在未来的创作中重蹈覆辙。这种不回避问题、直面挑战的态度，对于任何想要提升自己创作能力的人来说，都非常有价值。它让我觉得，创作的过程，本身就是一种学习和成长。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是，它极大地拓宽了我对摄影创作的理解边界。我之前总以为，摄影创作就是要追求画面上的“完美”或者“震撼”，而这本书则让我意识到，真正的创作，往往蕴藏在那些看似平凡的细节之中，蕴藏在创作者的情感和思考之中。 作者在其中一个章节，探讨了“情绪在摄影中的力量”。他不仅仅是在教你如何通过色彩、光影来营造氛围，更是让你去思考，你想要通过你的作品传递什么样的情绪？是喜悦，是忧伤，是宁静，还是激昂？他认为，一个好的摄影作品，能够引发观者的共鸣，让观者感受到创作者所要表达的情感。他通过一些他自己拍摄的、充满情感张力的作品，来展示如何用构图、用色彩、用光线去放大和传递某种情绪。这让我开始审视自己的作品，思考我想要通过我的镜头，向世界传达怎样的情感。这本书真的让我从一个“记录者”开始，向一个“表达者”转变。

评分☆☆☆☆☆

这次淘书，意外地翻到了这本《满28包邮 摄影作品创作》，刚拿到手的时候，其实并没有太高的期待，毕竟“满28包邮”这几个字，在如今琳琅满目的网络购物中，往往意味着性价比，但也可能意味着内容的“大众化”或“基础化”。然而，当我对这本书进行初步翻阅，并深入阅读之后，才发现它远比我想象的要深刻和富有启发。 书的开篇，作者就以一种非常接地气的方式，分享了自己从一个纯粹的爱好者，如何一步步摸索，最终形成自己独特摄影语言的心路历程。他并没有上来就讲什么高深的理论，而是通过一些自己曾经走过的弯路，以及在拍摄过程中遇到的实际困难，让读者仿佛看到了一个鲜活的、正在学习和成长的个体。印象最深的是他讲述如何捕捉“决定性瞬间”的那个章节，不是那种教科书式的定义，而是通过几个他自己拍摄的、看似平凡却充满故事感的瞬间，细致地剖析了当时的环境、人物的情绪，以及他自己按下快门的瞬间判断。他强调，摄影的创作，很多时候是一种“等待”和“观察”，而不是盲目的“按下”。这种充满生活气息的叙述，一下子拉近了与读者的距离，让我觉得，原来摄影创作并不是遥不可及的艺术，而是可以融入生活，并在日常中捕捉到的。