全新正版 辛笛应用钢琴作曲教程(弹钢琴学作曲第2册)/辛笛应用钢琴教学丛书 正版书籍 辛笛 艺术 上 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 翩若惊鸿图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806925850

商品编码：29796585892

丛书名： 辛笛应用钢琴作曲教程 弹钢琴 学作曲 第二册

音乐启蒙与进阶的坚实阶梯：《钢琴演奏与基础乐理精选教程》 一部面向初学者的、系统而全面的钢琴演奏与音乐理论入门指南 第一部分：钢琴演奏基础——指尖的初次对话 本书旨在为所有渴望学习钢琴艺术的朋友们提供一个清晰、易懂、循序渐进的入门路径。我们深知，对初学者而言，建立正确的弹奏习惯和扎实的演奏基础至关重要。因此，本教程将重点放在“如何用正确的方式开始弹钢琴”上，而不是急于展示复杂的技巧。 第一章：认识你的乐器与环境 本章从最基础的层面入手，帮助学习者与钢琴建立初步的亲密感。 1. 钢琴的构造与命名： 详细介绍键盘的结构，白键与黑键的排列规律，以及中央C的定位。通过图文对照，确保读者能准确识别音名（C, D, E, F, G, A, B）。 2. 正确的坐姿与手型： 强调人体工程学在钢琴学习中的重要性。提供图解说明如何调整琴凳高度，保持脊柱的自然S形曲线，以及如何形成放松、拱起的“C”形手型，避免扁平或过度紧张的手指。 3. 触键的艺术： 区分手指的不同部位（指尖肉垫）在触键时的感觉。讲解力度控制的初始概念——“轻柔的重量”，而非“蛮力”。 第二章：基础乐理的视觉化理解 演奏的根基在于理解音乐的语言。本章将抽象的乐理概念转化为具体的键盘操作。 1. 节奏的初探： 介绍全音符、二分音符、四分音符和八分音符的时值，以及休止符的对应概念。采用“拍子手”练习法，配合节拍器（初级设置在每分钟60拍），帮助建立稳定的内在节拍感。 2. 五线谱的入门导览： 专注于高音谱号和低音谱号的识别。采用“找邻居”和“口诀法”快速记忆线上音和间上音，并同步进行“唱名”与“音名”的对照练习。 3. 认识拍号： 解释最常见的3/4拍和4/4拍，理解小节线和重音的位置，确保弹奏的律动感。 第三章：五指练习与基础音阶 这是构建手指独立性和协调性的关键阶段。 1. 五指位置练习： 专注于C大调五指范围内的手指独立性训练。提供大量的指法标记练习曲，强调每个手指触键的均匀性。 2. 大拇指的“潜入”技巧（Passaggio）： 引入最基础的大拇指移位概念，为后续大调音阶的演奏做好铺垫。 3. C大调音阶的初次接触： 重点讲解C大调音阶在双手分别和合手弹奏时的指法逻辑，强调保持手腕的灵活性和手臂的放松。 第二部分：音乐表现力的萌芽——初级曲目实践 在掌握了基础指法和节奏后，本教程将引导学习者进入实际的音乐作品片段欣赏与演奏。 第四章：左右手的协调性训练 初学者最大的挑战之一便是双手同步。 1. 分奏练习： 大量采用左右手演奏不同节奏型（如右手四分音符，左手二分音符）的练习曲，训练大脑对不同任务的分工处理能力。 2. 对位思维的萌芽： 介绍简单的旋律与伴奏织体分离练习，确保旋律声部（通常是右手）的清晰度。 第五章：和弦的初步认识与应用 和弦是音乐的骨架，本章将和弦概念与键盘位置紧密结合。 1. 三和弦结构： 讲解大三和弦与小三和弦的构成音程关系（三度叠加）。 2. 基础和弦的键盘定位： 重点练习C、G、F三大和弦在低音区的分解和根音弹奏，为简单的钢琴伴奏打下基础。 3. 和弦转位概念的引入： 简要介绍转位能使低音线条更加流畅的原理，并进行基础的第一转位练习。 第六章：小品精选与风格认知 本章精选了大量适合初学者的古典小品、民间旋律改编以及简单的练习曲。 1. 巴赫风格的启蒙： 选取简化的二部创意曲片段，体会对位法的魅力，训练手指的清晰度。 2. 浪漫主义的抒情： 练习一些旋律优美、节奏平稳的小抒情曲，学习如何用触键的轻重变化来表达“歌唱性”。 3. 节奏型变化练习： 通过改编曲目，练习附点节奏和切分音在实际演奏中的应用，增强音乐的律动感和趣味性。 结语：持续学习的动力 本书的最终目标是为学习者打开一扇通往音乐世界的大门，使其能够自信地面对更复杂的乐谱和更深层次的音乐理论。我们鼓励学生定期回顾前几章的基础知识，保持每日练习的连贯性，并享受指尖流淌出美妙音乐的每一个瞬间。本教程的完成，标志着您已具备了扎实的钢琴演奏基础和初步的音乐理解能力，是未来音乐学习旅程的坚实跳板。

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对于那些醉心于键盘乐器演奏，却一直苦于无法将内心涌现的灵感转化为实际音符的朋友来说，这本《键盘即兴创作的思维导图》简直是打开了新世界的大门。它与其他强调“套路”或“固定模式”的教材截然不同，它更像是一本关于“创造力流程管理”的指南。书中没有固定的练习曲，而是提供了一套完整的“创作触发器”系统。比如，它会引导你从一个特定的视觉形象（比如“雨后的泥土气味”）出发，然后要求你将其转化为一个特定的节奏型，再在这个节奏型上构建一个基于特定调式（如弗里吉亚调式）的和弦进行。我发现这种将非音乐元素转化为音乐语言的训练非常有效，极大地拓展了我对“音乐素材”的理解。书中的案例大多选择了钢琴的特性来展示，比如如何利用踏板制造混响和延迟感，如何通过不同的触键力度来模拟打击乐的层次感。这本书的语言风格非常亲切，像是与一位经验丰富的作曲家在进行一对一的深度对话，它鼓励你打破规则，但前提是你必须先彻底理解这些规则是如何被构建和打破的。如果你想从“演奏者”真正进化为“表达者”，这本书提供的思维框架是无价的。

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说实话，我原本对“曲式分析”这类东西抱有抗拒心理，总觉得那是考古学家做的事情，跟我弹琴有什么关系？直到我朋友推荐了这本《古典奏鸣曲结构解析》，我的看法彻底颠覆了。这本书的厉害之处在于，它没有使用枯燥的教科书语言去套用“呈示部-发展部-再现部”的僵硬框架，而是采取了一种“故事叙述”的方式。作者会挑选莫扎特、贝多芬、舒伯特最具代表性的几首奏鸣曲作为案例，逐句拆解，告诉你作曲家是如何设置戏剧冲突的。比如，它会详细分析呈示部两个主题之间的“性格对比”，以及发展部中主题材料是如何被撕裂、重组、互相“搏斗”的。我记得有一段分析贝多芬《热情奏鸣曲》第一乐章时，作者描述了那个标志性的低音动机是如何像一个“潜伏的幽灵”一样贯穿全曲的，那画面感简直强烈到我立刻跑去把乐谱拿出来重新看了一遍。读完之后，我再弹奏这些奏鸣曲，脑子里不再是机械的指法，而是能清晰地感受到乐思的推进和情绪的起伏，仿佛能透过音符看到作曲家当时的心境。这对于提升演奏的音乐性和深度，具有不可替代的作用。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于即兴演奏，但总感觉自己的“词汇量”不够，和弦进行来来去去就是那几套“老把戏”。因此，我入手了这本《爵士和声的奥秘与即兴技巧》。这本书的深度和广度都令人印象深刻，它不是那种只停留在C大调基础上的入门读物。作者对延伸音（9th, 11th, 13th）和副属和弦（Secondary Dominants）的讲解，简直是醍醐灌顶。尤其是它讲解“三音模进”（iii-vi-ii-V的变体）时，配上了大量的比波普（Bebop）时期的乐句示范，让我明白了为什么那些大师听起来那么流畅自然。书中对于“和弦音阶对应”的讲解尤其透彻，它不是简单地告诉你用什么音阶，而是深入剖析了不同音阶在特定和弦上产生的色彩差异，比如Lydian Dominant（升四音阶）在属和弦上带来的那种迷幻感。我花了整整一个月时间，对照着CD，把书里提供的每一个练习都弹奏了一遍，甚至尝试用不同的节奏型去套用那些新的和声结构。这本书的难度不低，需要一定的基础乐理知识作为支撑，但对于想要突破自己即兴瓶颈的乐手来说，它绝对是通往下一阶段的“金钥匙”。它的价值，远超于一本书本身，更像是一位耐心的、顶级的导师在耳边指导。

评分☆☆☆☆☆

我是一个自学配器的业余爱好者，以前写的东西总是听起来“单薄”，感觉像是钢琴小品被硬生生地拉伸成了管弦乐。这本《管弦乐配器法：色彩与质感》是我的救星。这本书的重点完全放在了“音色”和“织体”上，完全跳脱了传统配器书中对乐器音域的机械罗列。作者花了大量篇幅来讨论不同乐器组之间的“情感光谱”。比如，他会细致地比较圆号和长号在表达庄严感时的微妙区别，或者木管组中单簧管在中高音区与双簧管的“穿透力”差异。最实用的部分是关于“层次构建”的章节，他用图表清晰地展示了如何通过对位和声部的前后景处理，来创造出三维甚至四维的听觉空间。我按照书中的“明度对照表”重新审视了我自己写的一个小段落，发现我把小提琴的高音区和长笛的低音区挤在了一起，导致声音混浊。这本书教会我的不是“能用什么乐器”，而是“应该用什么乐器来表达特定的情绪和功能”。对于想要让自己的音乐听起来更“贵气”、更具电影质感的人来说，这本书是案头必备的宝典。

评分☆☆☆☆☆

这本《乐理基础与和声实践》简直是为我这种半路出家的音乐爱好者量身定制的。我之前学琴纯粹靠感觉和模仿，遇到稍微复杂一点的和声进行就彻底抓瞎了。这本书的叙述方式非常平易近人，完全没有那种高高在上的学术腔调。它从最基础的音程、三和弦开始讲起，但讲解得极其细致，会用很多生活化的例子来解释抽象的概念，比如为什么某些音程听起来“不和谐”，用“拉锯声”或者“拧毛巾”来比喻，一下子就明白了。最让我惊喜的是关于转调那一章，作者没有直接抛出复杂的公式，而是通过分析巴赫的赋曲片段，一步步引导我们去感受和声色彩的变化，而不是死记硬背。我用了配套的练习册，那些小小的练习曲虽然简单，但每首都像是为你量身定制的“肌肉记忆训练”，不知不觉中，我对和声的走向就有了更敏锐的直觉。现在看谱子时，不再是孤立地看每个音符，而是能“听”到背后的骨架结构了。如果说有什么遗憾，可能就是希望在配图上能更丰富一些，比如加入一些不同时期音乐风格的和声对比分析就更完美了。总的来说，这本书成功地架起了理论与实践之间的鸿沟，强烈推荐给所有想真正“理解”音乐的演奏者。