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张宁和 罗吉兰 编

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店铺： 浮光掠影图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103006795

商品编码：29737640021

丛书名： 音乐表情术语字典

开本：64开

出版时间：2007-12-01

 

音乐的殿堂：跨越流派与时代的旋律鉴赏指南 简介： 本书并非探究特定乐理术语的字典，亦非专注于某一音乐体裁的理论教材。它是一部广阔的、以聆听为核心的音乐鉴赏指南，旨在带领读者跨越古典、爵士、摇滚、电子乃至世界音乐的边界，深入理解音乐的本质、情感的表达以及历史的脉络。我们将聚焦于音乐如何触动人心、如何在不同文化中演化，以及听众如何构建属于自己的音乐世界。 第一部分：聆听的艺术——超越符号的感知 音乐的生命力在于其流动性与情感的传递，而非僵硬的定义。本卷将探讨“聆听”本身即是一种主动的行为，一种需要训练的感官体验。 1. 情感的声学密码： 我们将分析人类对特定音高、节奏模式、和声色彩的普遍心理反应。例如，小调的和声进行在不同文化中如何共通地引发“忧郁”或“紧张”的感觉，而三全音（Tritone）如何在不同历史时期被赋予“魔鬼音程”的称号，及其在现代爵士乐中如何被解放为富有张力的色彩。这里探讨的是体验的普遍性，而非术语的界定。 2. 结构与叙事： 一首乐曲的宏大叙事，并非仅仅是A-B-A’的重复。我们将解析奏鸣曲式、回旋曲式、主题与变奏等结构如何服务于音乐的“故事线”。我们会分析贝多芬的交响乐如何通过动机的发展来构建冲突与和解，以及巴赫的赋格曲如何通过声部的对话来构建一个复杂的、多维度的空间。重点在于音乐组织方式带来的心理感受，而非解析每一个和弦的名称。 3. 节奏的身体共鸣： 节奏是音乐的骨架，更是驱动身体反应的引擎。本书将深入探讨节奏的“律动”（Groove）是如何产生的。我们将对比非洲部落音乐中复杂的复节奏（Polyrhythm）如何与巴西桑巴的切分节奏产生差异化的身体感应。我们不提供节拍器的精确刻度，而是探究节奏的张力、松弛与推动力对听众身体状态的影响。 第二部分：流派的演变——从宫廷到数字洪流 音乐史并非一系列孤立的发明，而是一场持续的对话与反叛。本部分将追溯主要音乐流派的诞生背景、社会功能及其内部的张力。 1. 古典音乐的“革命”： 我们关注的是巴洛克时期的装饰性与理性，到古典主义时期的清晰、平衡，再到浪漫主义时期个体情感的空前爆发。例如，我们会探讨19世纪的民族乐派（如德沃夏克、斯美塔那）如何将民间旋律融入宏大的管弦乐结构中，以表达民族身份的觉醒，这是文化认同的体现，而非单纯的民族调式学习。 2. 爵士乐的即兴哲学： 爵士乐的核心在于瞬间的创造力。本书将分析早期的拉格泰姆（Ragtime）如何与新奥尔良的布鲁斯（Blues）元素融合，催生出即兴的可能。我们将讨论“和弦替代”（Chord Substitution）在现代爵士中的作用——它如何颠覆既定的和声框架，赋予演奏者更广阔的表达空间。这不是教授如何即兴，而是理解即兴背后的思维模式。 3. 摇滚与电子乐的反主流精神： 从蓝调根源的摇滚乐到合成器主导的电子乐，音乐如何成为青年文化和社会批判的工具？我们将考察早期摇滚乐如何挑战社会禁忌，以及后来的朋克（Punk）如何以极简的、粗粝的声响表达对既有体制的疏离感。电子舞曲（EDM）的重复结构如何创造出一种近乎冥想的、集体沉浸式的体验。 第三部分：技术、媒介与未来回响 技术的发展不断重塑我们与音乐的交互方式。本卷讨论技术如何改变音乐的生产、传播与消费，及其对审美趣味的影响。 1. 录音的魔力与陷阱： 录音技术的出现，将音乐从一次性的现场事件，转变为可以被反复剖析的对象。我们会探讨立体声的出现如何改变了混音师对声场空间布局的理解，以及数字母带处理（Mastering）如何影响了我们对响度（Loudness）的感知阈值。 2. 声音的拓宽： 我们将审视“噪音”是如何被纳入音乐范畴的。从马塞尔·杜尚的“现成品”到约翰·凯奇的《4分33秒》，再到工业噪音（Industrial Music）的运用，探讨音乐的边界是如何被持续推远的。这不是一个关于噪音理论的章节，而是关于艺术家如何重新定义“可接受的声音范围”的历程。 3. 跨界融合与全球化： 在数字时代，音乐的藩篱日益消融。我们将分析世界音乐（World Music）的采样如何被用于构建新的电子节拍，以及传统乐器的音色如何通过数字合成器焕发新生。本书鼓励读者以开放的心态去探索这种混合体，寻找不同文化之间隐藏的音乐共性。 结语：成为一个成熟的听众 本书最终的目标，是培养读者形成批判性、同时又充满热情的聆听习惯。它不提供标准答案，而是提供一套思考的框架，帮助您在面对任何新的旋律时，都能超越表面的悦耳与否，去探究其背后的历史重量、技术创新和情感张力。音乐的价值，在于它与聆听者建立的独特、不可复制的联系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和纸张质感倒是挺让人眼前一亮的，拿到手里沉甸甸的，很有分量感，一看就知道是下了功夫的。封面设计走的是那种比较沉稳大气的路线，字体排版也挺讲究，看着就不是那种应付了事的教材。不过，我最关注的还是内页的排版和阅读体验。字体大小适中，行距也处理得比较舒服，长时间阅读下来眼睛不太容易疲劳。我特意翻看了几个章节的结构，看起来逻辑性很强，目录部分的信息量很大，索引做得也比较细致，这对于需要快速查找特定条目的学习者来说，简直是福音。特别是某些复杂的概念，作者似乎很注意用图示或者表格来辅助说明，这比纯文字堆砌要直观得多。虽然我还没深入研读内容，但就这份“硬件”上的用心程度来说，已经超出了我预期的标准。毕竟，一本好的工具书，首先得让人愿意拿起，并且能舒服地用下去，从这一点上看，这套书做得非常到位，让人对后续的学习内容充满了期待。我希望它能像它厚重的外观一样，内容也同样扎实可靠。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的实践者的角度来看，我更看重工具书是否能真正指导我的日常练习和排练工作。这本书在这方面表现出了极高的实用价值。很多术语的解释中，都穿插了关于“如何处理”的建议，而不是仅仅停留在“是什么”的层面。例如，在解释某些速度标记时，它不仅给出了节拍器的数值，还探讨了在不同乐队配置下如何实现这种速度的平衡感和音乐性，这对于指挥和乐团演奏者来说是至关重要的实战经验。我特别喜欢它对一些模糊概念的处理方式——它不回避争议，反而会列出学界或演奏界中几种主流的理解和处理方法，并指出各自的优缺点。这种坦诚和包容的态度，让读者在学习知识的同时，也培养了一种批判性思维，知道在面对不同音乐版本或不同导师的指导时，如何做出最合理的判断和选择。这本工具书，真正做到了连接理论与舞台的桥梁作用。

评分☆☆☆☆☆

作为一名自学多年的音乐爱好者，我最大的困扰之一就是遇到那些晦涩难懂的、尤其是在分析二十世纪及以后现代音乐作品时出现的专业术语，网上的解释往往过于碎片化，或者针对性不强。这套书的出现，简直是为我量身定做的“救星”。我随意挑了一个比较陌生的对位法术语进行查询，发现它不仅有清晰的定义，还附带了非常详尽的理论推导过程和不同作曲家使用该技巧的实例分析。更让我惊喜的是，它似乎还考虑到了不同乐器演奏者可能会有的不同理解侧重，虽然没有明确划分，但在某些指法或力度标记的解释中，能隐约感受到对不同乐器背景读者的友好度。这种细致入微的关怀，体现了编纂者深厚的专业素养和对学习者需求的深刻洞察力，真的非常难得。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排结构简直是教科书级别的典范，我特别欣赏它在内容组织上的层次感。它似乎遵循了一种由浅入深、由宏观到微观的递进逻辑。初学者可以从基础的乐理词汇开始建立认知框架，而进阶学习者则可以跳跃到更专业的、涉及曲式分析和配器法的高级术语部分，完全不需要担心被不相干的内容干扰。我注意到，许多关键术语后面都标注了其拉丁语或德语的原始形式，这对于理解术语的本意和进行跨语言研究非常有帮助。此外，全书的交叉引用做得非常到位，当你查阅一个术语时，它会明确告诉你可以在哪一页找到与之相关联的另一个概念，形成了一个强大的内部链接系统，极大地提高了学习效率，避免了信息孤岛的产生。这套书绝对不是那种“一锤子买卖”的速成手册，更像是一部值得放在案头时常翻阅的、具有持久研究价值的参考巨著。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始抱着试一试的心态买的，因为市面上类似的乐理工具书实在太多了，很多都只是简单罗列概念，缺乏深入的解析和实际应用指导。但这本书给我最大的惊喜在于它对“语境”的关注。它不只是告诉你一个术语的定义，更重要的是解释了这个术语在不同历史时期、不同音乐流派中是如何演变的，以及它在实际演奏或创作中起到的细微差别。比如，对于一些常用的速度术语，它不仅给出了标准的速度范围，还引用了大量古典乐派和近现代作曲家的范例进行对比分析，这一点非常具有启发性。我感觉作者在梳理这些知识点时，是站在一个非常高且广阔的视角上，力求为读者构建一个立体的知识网络，而不是零散的知识点。这种深度挖掘和跨界联系的处理方式，让原本枯燥的术语学习变得像在进行一场精彩的音乐考古之旅，让人忍不住想一探究竟。