曲式学基础教程 音乐自学丛书 作曲卷 高等院校音乐入门自学理论教材 人民音乐出版社 五线谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103016121

商品编码：29525001030

出版时间：2011-05-01

商品详情

《和声学导论：西方音乐的色彩与结构》 本书简介 定位与目标读者： 《和声学导论：西方音乐的色彩与结构》是一本专为初学者和有一定音乐基础的学习者精心编写的教材。它旨在系统、深入地介绍西方音乐体系中最核心的要素之一——和声。本书尤其适合音乐院校的低年级学生、音乐爱好者、自学者以及希望拓展自身音乐知识边界的器乐演奏者。它不侧重于繁复的曲式分析，而是将重点放在和声进行的基本规律、色彩的构成和功能性理解上，为读者构建起一座通往复杂音乐织体理解的坚实桥梁。 内容结构与核心特色： 本书共分为七个主要部分，循序渐进地引导读者掌握和声学的基本原理： 第一部分：音与和弦的本源——音级与三和弦的构建 本部分是和声学习的基石。我们首先清晰界定了调性音乐中音级的功能性（主音、导音、属音等），而非仅仅停留在音高概念上。重点讲解了自然音阶的构成逻辑，为理解调性中心奠定了基础。 随后，详尽阐述了三和弦的结构——大三和弦、小三和弦、增三和弦与减三和弦的音响特性与记法。每一个和弦的讲解都配有大量的听觉示例（通过文字描述其音响感觉）和实例分析，强调了“根音”在和声进行中的决定性作用。 第二部分：功能和声学的核心——主要和弦的级进与转换 本部分深入探讨了功能和声的三大支柱：主功能（Tonic, I）、属功能（Dominant, V）和下属功能（Subdominant, IV）。我们清晰区分了和弦在乐句中扮演的角色：稳定、紧张、过渡。 级进规律： 系统介绍了I、IV、V级和弦在不同调性之间的标准进行规则，尤其强调了属七和弦（V7）解决到主和弦（I）的“不协和性与协和性”的转化机制。 和弦转位： 详细讲解了第一转位（三和弦的第一转位）和第二转位（三和弦的第二转位）的运用，包括其音响特征（如第一转位的柔和性，第二转位的强调低音进行的特点）以及在和声进行中应遵循的连接原则。 第三部分：拓展色彩——七和弦的引入与应用 七和弦是赋予音乐丰富色彩的关键。本部分着重解析了四种最常用的七和弦： 1. 属七和弦（V7）： 作为解决前最主要的紧张因素，其解决路径是本章的重点。 2. 大七和弦（Maj7）： 探讨其在浪漫主义音乐中营造的朦胧、甜美色彩。 3. 小七和弦（m7）： 分析其作为下属和弦延伸（如ii级）时的柔和功能。 4. 减七和弦（Dim7）： 作为强烈的导向性与模糊性并存的和弦，详细解析其多重等效关系。 第四部分：和声的连接与布局——和声连接的规范 本部分聚焦于如何将孤立的和弦连接成流畅的音乐语言。我们探讨了： 声部进行（Voice Leading）： 强调四部和声（Soprano, Alto, Tenor, Bass）的独立性与协调性，特别是声部进行中的“平行五、八度”的禁忌与处理。 连接的平稳性： 讲解了如何通过保持声部进行中最少的移动来确保和声线条的流畅性，以及如何使用经过音、邻音、倚音等装饰音来丰富连接过程。 第五部分：调性转换的魔术——转调技巧与非功能和弦 转调是和声织体复杂化的第一步。本书系统介绍了关系大小调转调（如C大调到a小调）和平行大小调转调（如C大调到c小调）的便捷手法。 更进一步，引入了变化和弦（Altered Chords） 和副属和弦（Secondary Dominants） 的概念，如V/V（属和弦的属和弦），它们是拓展和声色彩、制造短暂“远关系”转调感的有效工具。 第六部分：拓展与深化——调式音阶与和声的交织 本部分超越了传统大小调体系，初步接触了调式（Modes） 的概念。我们阐释了教会调式（如多利安、弗里吉亚）的音高构成，并分析了它们在特定音乐段落中如何提供不同于传统大调和小调的音响氛围，为理解印象派乃至爵士乐的和声奠定基础。 第七部分：不协和音的精妙处理 本书并未将不协和音视为错误，而是将其视为音乐张力的来源。本章专门讲解了经过音、邻音、倚音等非和弦音的引入与解决，以及悬挂和弦（Sus Chords） 的功能性应用，使学习者能准确分辨和分析音乐中的“不稳定”元素是如何被精心控制的。 教材特色总结： 理论与实践并重： 每一章后的练习都要求读者不仅进行键盘或纸面上的和弦连接，更强调“听辨”和弦色彩变化的能力。 清晰的逻辑脉络： 避免了过于晦涩的数学推导，采用功能性驱动的讲解方式，使得和声的“为什么”比“怎么做”更容易被理解。 聚焦基础的坚实度： 确保读者对三和弦和七和弦的理解达到炉火纯青的程度，为未来学习更复杂的十二音体系或自由调性打下最坚固的根基。 本书力求使和声学不再是枯燥的规则堆砌，而是理解西方音乐美学和逻辑的钥匙。通过掌握本书内容，读者将能够更自信地分析、创作和欣赏不同时期的西方音乐作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和用纸都透露着一种对知识的尊重感，这让我在学习过程中有一种仪式感。但我认为它最强大的地方，在于它为自学者搭建了一个完整的“知识脚手架”。很多自学教材往往只停留在“是什么”和“怎么做”的层面，但这本书深入到了“为什么必须这样”的哲学层面。例如，它对主导动机（Motive）的分析，不是简单地告诉你它在发展部会出现，而是深入探讨了动机的内在驱动力如何决定了整个乐章的心理走向和结构平衡。对我个人而言，最大的收获是在处理奏鸣曲式呈示部时，过去总觉得主题一和主题二的对比有些生硬，但这本书提供了一个关于“功能性”的解释：对比不仅是旋律上的，更是结构功能上的“对话与冲突”。这种宏观的视角，极大地拓宽了我对古典音乐形式美的理解。它不是一本读完就能“精通”的书，而是一本需要你带着笔、勤于在乐谱上标注的“伴侣”，每次重温都会有新的体悟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排简直是教科书级别的典范！从拿到手里那沉甸甸的质感就能感受到它蕴含的知识厚度。对于一个初涉音乐理论的门外汉来说，这本书最大的优点在于它没有一上来就抛出那些晦涩难懂的术语，而是像一位和蔼可亲的老师，循循善诱地引导你进入曲式分析的世界。特别是关于奏鸣曲式、回旋曲式这些经典结构的讲解，作者似乎深谙读者在学习过程中的困惑点，总能在关键之处配上清晰的图示和形象的比喻。我记得第一次尝试自己拆解一首巴赫的赋格时，完全是抓瞎的状态，但对照书中的分析脉络，突然间茅塞顿开。它不仅仅是告诉你“是什么”，更重要的是教会你“为什么会是这样”，这种深入骨髓的逻辑构建能力，是很多市面上流传的速成指南无法比拟的。它让你明白，音乐的结构不是凭空想象出来的，而是遵循着一套古典的、经过时间检验的严谨规律。这本书的细节处理也十分到位，比如对主题呈示、发展和再现部分的细致划分，让复杂的乐章结构变得井然有序，极大地增强了自学者的信心。

评分☆☆☆☆☆

作为一本高等院校的理论教材，它的深度和广度是毋庸置疑的。这本书的语言虽然学术性较强，但结构组织的逻辑性极强，就像一座精心设计的迷宫，只要你遵循作者铺设的清晰路径，最终一定能找到核心的宝藏。我最欣赏它的一点是，它非常注重历史的连续性。比如，在讲解奏鸣曲式时，它不会孤立地看待它，而是会回顾它的前身——巴洛克时期的三部曲式，解释了这种结构是如何在古典主义时期完成一次伟大的“形态学飞跃”的。这种纵向的梳理，让学习者能够清晰地把握音乐语言的演变轨迹。我感觉自己不是在死记硬背“曲式公式”，而是在跟随音乐史的步伐，见证这些经典结构诞生的必然性。这本书对于那些希望将理论知识应用于实际演奏或指挥中的读者来说，提供了无与伦比的理论支撑，让你在面对复杂乐谱时，不再是机械地识别段落，而是能够洞察其内在的戏剧张力和结构美感。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这套丛书的选材角度非常刁钻，它瞄准了高等院校音乐入门这个“黄金分割点”，使得内容既有足够的学术深度，又避开了研究生阶段的繁复和僵化。对于那些渴望系统性提升自己音乐思维的业余爱好者或者非音乐专业学生来说，这简直是如获至宝。它的语言风格是那种非常专业但绝不故作高深的学者腔调，读起来虽然需要集中注意力，但带来的知识回馈是立竿见影的。我尤其欣赏它在介绍不同时期、不同风格作曲家的作品时，是如何巧妙地将曲式理论与历史背景结合起来的。比如，探讨浪漫主义时期的幻想曲时，它没有停留在简单的段落划分上，而是深入分析了作曲家如何在既有的曲式框架内进行大胆的“结构重塑”，这对于培养创作者的灵活性至关重要。这本书的排版也值得称赞，五线谱的清晰度极高，即便在对比不同声部线条时，眼睛也不会感到疲劳。它真正做到了理论与实践的完美嫁接，让你在学习的同时，就能立即联想到脑海中熟悉的旋律是如何被构建起来的。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，如果只是想快速学会“套用”几个固定结构来糊弄一下作业，这本书可能会让你觉得有些“慢热”。但如果你是那种追求根基扎实、力求理解音乐创作底层逻辑的“硬核”学习者，那么它绝对是你的不二之选。我注意到，这本书在处理一些边缘或过渡性的曲式时，引用了大量学界公认的权威观点，并且保持了一种开放性的讨论姿态，而不是简单地下结论。这种严谨的态度，让我在面对一些模棱两可的分析案例时，有了一个可以信赖的参照系。我曾经在对比了市面上几本同类教材后发现，很多书为了追求“易懂”而简化了复杂的和声与曲式之间的互动关系，但这本书没有这样做。它毫不避讳地展示了在特定调性、特定和声进行下，曲式结构的张力是如何被构建和释放的。读完有关变奏曲式的章节，我感觉自己对主题如何被“肢解”和“重组”有了全新的认知，这对于我自己的即兴演奏和改编都有着深远的启发。