正版 中国画大师经典系列丛书齐白石 陈连琦编中国书店 中国画工笔写意水墨山水人物花鸟渊雅静穆清逸高古 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 亚丁祥瑞图书专营店

出版社： 中国书店出版社

ISBN：9787806639238

商品编码：28689107095

丛书名： 中国画大师经典系列齐白石

开本：12开

出版时间：2010-10-01

《世界建筑史：从金字塔到摩天大楼》 内容提要 本书是一部跨越数千年人类文明进程，系统梳理世界主要建筑风格、流派及其时代背景的恢弘巨著。它不仅仅是一本建筑图录，更是一部关于人类社会、技术、美学观念变迁的视觉史诗。全书以时间为轴线，以地域为经纬，深入剖析了从史前巨石阵到古埃及神庙的神秘庄严，从中世纪哥特式大教堂的向上精神，到文艺复兴的理性回归，再到工业革命催生的钢筋混凝土革命，直至当代后现代主义的解构与融合。 本书的独特之处在于，它超越了单纯的形制描述，着重探讨了建筑作为“凝固的音乐”和“时代的镜子”所承载的文化密码。作者以精湛的学术功底和生动的叙事笔触，带领读者走进每一座建筑背后的人文精神与社会结构。 --- 第一部分：起源与奠基（史前至古典时代） 第一章：人类的第一个居所——史前与早期文明的建筑 本章追溯人类对庇护所的最初需求，探讨巨石文化（如巨石阵、斯通亨治）在天文学、宗教仪式与社群组织中的作用。随后，我们将目光投向美索不达米亚的泥砖神塔（Ziggurat）——人类最早的垂直构造尝试，以及它如何体现早期王权与神权合一的社会形态。 第二章：永恒的象征——古埃及的永恒建筑 重点剖析古埃及建筑的永恒性追求。详细解析金字塔群（如吉萨大金字塔）的建造技术、数学精度与宗教信仰的紧密结合。同时，深入研究卡尔纳克神庙群和卢克索神庙的宏伟轴线布局，探讨方尖碑、廊柱厅如何构筑一个服务于来世的宇宙模型。 第三章：理性与秩序的觉醒——古希腊的建筑哲学 本章聚焦古希腊对“人”的尺度的强调。系统阐述多立克、爱奥尼克和科林斯三种古典柱式的演变及其审美差异。帕特农神庙作为多立克柱式的巅峰之作，不仅是建筑技术的体现，更是民主精神与和谐美学的完美统一。本书将详细分析希腊剧场和集会场所（Agora）如何反映城邦（Polis）的公共生活。 第四章：帝国的大气象——古罗马的工程奇迹 罗马建筑是技术与权力的结合。本章着重介绍罗马人在拱券结构、混凝土（Opus Caementicium）技术上的突破。万神殿（Pantheon）的巨大穹顶和中央开口（Oculus）被视为工程史上的里程碑。此外，本书还探讨了罗马公共浴场、引水渠、巴西利卡（Basilica）的布局如何支撑庞大帝国的行政与市民生活。 --- 第二部分：信仰的塑造（中世纪） 第五章：拜占庭的穹顶艺术 从罗马衰落后，建筑的中心转向东方。本章分析拜占庭风格的特征——以圣索菲亚大教堂为代表，讨论复杂的穹顶结构如何与下方的方形基座巧妙结合，以及马赛克镶嵌艺术在光影营造中的核心地位。 第六章：罗马式的厚重与坚固 中世纪早期，建筑回归防御性与宗教性。本章阐述罗马式教堂（Romanesque）的厚重墙体、半圆形拱券和规律的平面布局，它们象征着修道院在社会动荡时期的稳固与庇护。 第七章：哥特式的飞升之梦 这是建筑史上最具视觉冲击力的篇章之一。本书详细拆解哥特式建筑的“三大发明”：尖拱、肋拱和飞扶壁（Flying Buttress）。巴黎圣母院、沙特尔大教堂等实例，展示了建筑如何通过尖塔、高窗和彩色玻璃，将信徒的目光引向天堂，创造出一种光线与结构交织的“天国意境”。 --- 第三部分：文艺复兴与巴洛克的交响 第八章：回归经典——文艺复兴的理性与人文主义 随着对古希腊罗马文化的重新发现，建筑进入文艺复兴时期。本章分析布鲁内莱斯基在佛罗伦萨大教堂穹顶上的创新，以及阿尔伯蒂、帕拉第奥等人如何运用古典比例和对称性，重塑建筑的和谐秩序，体现人文主义的理性光辉。 第九章：戏剧性与情感的张力——巴洛克与洛可可 17世纪，建筑从克制的理性转向强烈的表现力。巴洛克风格（以贝尼尼为代表）强调运动感、光影的强烈对比和视错觉的运用，旨在震撼人心。本书将对比分析意大利的圣彼得大教堂扩建工程和法国凡尔赛宫的宏大叙事。洛可可风格则以其轻盈、精致和室内装饰的繁复性收尾。 --- 第四部分：工业革命与现代性的诞生 第十章：新材料与新结构——工业时代的技术挑战 工业革命为建筑带来了革命性的材料：铸铁、熟铁和后来的钢材。本章探讨水晶宫和埃菲尔铁塔如何证明新材料的结构潜力，并引发了关于建筑美学是应追随功能还是坚守传统的激烈争论。 第十一章：现代主义的宣言——功能至上与形式的简化 20世纪初，包豪斯、勒·柯布西耶、密斯·凡德罗等先驱者如何倡导“少即是多”，反对一切不必要的装饰。本书深入剖析现代主义五点原则，分析国际式风格（International Style）的玻璃幕墙、开放平面如何彻底改变了城市的面貌，并探讨了其在不同地域（如美国和欧洲）的发展差异。 第十二章：对现代性的反思——有机建筑与地方主义 并非所有人都接受现代主义的标准化。本章介绍弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）的有机建筑理念，如流水别墅，强调建筑与自然的融合。同时，探讨地域主义（Regionalism）如何尝试在现代技术与本土文化之间寻找平衡。 --- 第五部分：当代建筑的多元探索 第十三章：解构与碎片化——后现代主义的回归 20世纪下半叶，对现代主义纯粹性的反叛。本章分析后现代主义对历史符号的挪用、对装饰的重新接纳，以及对复杂性和矛盾性的追求，以拉斯维加斯建筑研究为代表。 第十四章：高技派与结构的美学 本章关注高技派（High-Tech）建筑，如蓬皮杜中心，如何将建筑的结构、管线完全暴露在外，使技术本身成为美学元素。探讨结构逻辑如何主导最终的形式。 第十五章：迈向未来——当代建筑的多元前沿 本书的收官部分，聚焦于当代最具影响力的建筑师和流派。深入分析扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）的参数化设计、雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）对城市复杂性的探讨，以及绿色建筑、可持续设计如何成为新时代的伦理要求。本书探讨当代建筑如何以其大胆的形态和对新技术的应用，持续重塑我们对居住、工作和公共空间的认知。 --- 结语：建筑，一种未完成的对话 本书最后总结了建筑艺术的永恒主题：结构与意义、实用与审美、历史与创新之间的张力。建筑史是一部不断重复和打破循环的编年史，它提醒我们，每一座建筑都是其时代精神的物质化体现。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了一本关于明代文人画的选集，说实话，一开始我只是抱着随便翻翻的心态，没想到越看越陷进去，完全被那些洒脱不羁的笔墨所吸引。这本书收录的画家范围很广，从吴门画派的代表人物到后来的松江派，几乎涵盖了明代文人画发展的主脉络。最让我耳目一新的是，它不仅仅是简单地展示画作，还穿插了大量关于这些画家的人生际遇和他们的诗词唱和。比如，读到徐渭那些狂放不羁的写意花鸟时，结合他坎坷的一生，你会对那些看似随意的笔触中蕴含的激烈情感有了更深层次的理解。这本书的编排逻辑非常清晰，它把“画如其人”的理念贯彻到了极致。另外，书中对不同时期文人画的风格演变，特别是从注重写形到更强调写心、抒发个人性情的转变，分析得鞭辟入里。它让我意识到，文人画的魅力，很大程度上源于它对个体精神世界的忠实记录，那种不为世俗所动的傲骨，是多么的珍贵。这本书的配文深入浅出，即便是初学者也能很快领会其中的奥妙，而对于老饕来说，其中的细节考据也足够引人入胜。

评分☆☆☆☆☆

这套书真是太棒了！我最近迷上了研究古代文学经典，尤其是那些描绘山川河流、风土人情的作品。我发现，要想真正理解古人的心境和他们的审美情趣，光靠阅读文字是远远不够的，还需要有图像的辅助。我手里有一本关于唐代山水画的画册，里面的每一幅作品都像是打开了一扇通往那个时代的窗户。画中那些层峦叠嶂、云雾缭绕的景象，那种“可游、可居、可观”的意境，让人心驰神往。更让我惊喜的是，书里对不同流派的画家，比如荆浩、关仝这些北方山水画的代表人物，他们的笔墨特点和艺术追求都有着非常深入的剖析。特别是对“气韵生动”这个中国画的最高境界，这本书给出了非常多生动且易于理解的解读，而不是那种干巴巴的理论说教。我特别喜欢其中关于“墨分五色”的探讨，那些浓淡干湿的变化，是如何在二维的平面上营造出无穷的空间深度和物象的质感，真是令人拍案叫绝。这本书的装帧设计也十分考究，纸张的质感和印刷的精细度，都体现了出版方对艺术品的尊重。读着它，仿佛自己也成了一个隐居山林的雅士，远离尘嚣，只与丹青和诗意为伴。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国传统花鸟画情有独钟，总觉得那些描绘自然万物的画家，是以一种最温柔、最细腻的方式在与世界对话。我最近找到的一本关于清代“扬州八怪”的画集，简直是视觉的盛宴。这本书的精彩之处在于，它聚焦的不是那些循规蹈矩的工笔大家，而是那些充满叛逆精神和市井气息的创新者。比如郑板桥的竹子，那种“不青不黄，自有颜色”的潇洒，在这本书里得到了最淋漓尽致的展现。每一幅竹子似乎都在无声地诉说着画家的坚韧和不屈。更让我赞叹的是，书中对清代中期市民阶层对艺术审美的影响有独到的见解，解释了为什么那些带有生活气息和强烈个性的作品会受到追捧。这本书的色彩还原度非常高，那些浓烈的石青、石绿，以及墨色的微妙变化，都清晰可见，让人仿佛能闻到颜料和宣纸混合在一起的味道。它不仅仅是一本画册，更像是一部社会风俗史，通过花鸟虫鱼的意象，折射出那个时代复杂的人性与文化张力。

评分☆☆☆☆☆

我对中国画的“意境”概念一直很困惑，觉得它太虚无缥缈，难以把握。直到我接触到这本侧重于中国传统哲学思想如何渗透入水墨山水画的理论专著，我的认知才豁然开朗。这本书的独特之处在于，它把魏晋玄学、道家“自然无为”的思想，以及禅宗的空寂观，与不同时代的山水画风格进行了深入的交叉对比分析。它不再孤立地看待笔墨技巧，而是将其视为表达画家内心宇宙的工具。比如，它剖析了元代四大家如何通过对“淡”和“简”的追求，来体现对儒家入世思想的超越，转向对个人精神自由的向往。书中大量引用了古代文论，如宗炳的“畅神论”，帮助读者从哲学层面去理解“卧游”的真正含义——即心灵的自由漫步。这本书的论述逻辑严密，引用驳杂但组织有序，它成功地将一门视觉艺术提升到了形而上的哲学探讨高度，让我对中国画的理解从“看图”上升到了“悟道”的层面。这是一本能够改变你对中国传统艺术看法的书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对手工技艺有执着追求的人，我对中国传统工笔画，尤其是那种“一笔不苟”的细致描摹，一直怀有近乎崇拜的敬意。我手边有一本专门介绍宋代院体工笔花鸟画的精选集，这本书的价值在于其对“精微”的极致展现。打开扉页，那种细腻到发丝可见的描绘，简直让人屏住呼吸。书里详细解析了宋代画家如何运用晕染、勾勒、罩染等复杂的技法来表现花瓣的晶莹剔透和羽毛的光泽质感。我印象最深的是对“界画”中植物脉络的描绘，那种几何学般的精准与自然生命的柔美完美结合，体现了宋代人对理性与感性平衡的追求。这本书的文字部分写得极为专业，但又不失文学性，它没有停留在“漂亮”的表层赞美，而是深入到材料学和技法学的层面，解释了矿物颜料的特性如何影响了画面的永恒性。对于想学习工笔的画友来说，这本书无疑是一本难得的宝典，它让我明白了，看似简单的“描摹”，实则蕴含着千年沉淀的智慧和极度的耐心。