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出版社： 广东高等教育出版社

ISBN：9787536122406

商品编码：25352981022

品牌：艾帛利（Abooly）

开本：32

出版时间：2003-08-01

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184mm   28mm   254mm   1.20Kg 手工测量，均有误差

产品信息

书 名	《和声学教程》习题解答下册	定 价	89.00元
作 者	黄虎威	难 度	初级
开 本	16开	属 性	和声教程
页 数	689页	光 盘	无
谱 号	五线谱	出版社	人民音乐出版社
数 量	1本书	出版日期	2011年6月第1次印刷

 

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图书简介：旋律的构建与和声的织体——一部深入探索音乐语言的著作 书名：《和声的织体与旋律的构建：西方音乐语言深度解析》 作者： [此处留空，或使用一个富有学术气息的笔名，例如：亚历山大·冯·赫尔曼] 出版社： [此处留空，或使用一个知名的音乐或学术出版社名称] 页数与开本： 约 980 页，16开本，精装（内含大量乐谱示例与图表） --- 引言：超越规则，直抵音乐的灵魂 本书旨在提供一个全面、系统且富有洞察力的视角，用以剖析西方音乐传统中和声语言的演变、内在逻辑及其在不同时期作曲家作品中的具体应用。我们不再将和声视为一组僵硬的、不可违背的“规则束缚”，而是将其视为一种富有生命力的、不断发展的“声音织体”与“结构逻辑”。 本书的叙事线索，将从对基础音高关系和声部进行严谨的数学与心理学分析开始，逐步攀升至宏大复杂的复调结构与调性色彩的微妙变化。我们致力于搭建一座桥梁，连接起严格的理论推导与作曲家在创作实践中对情感表达的追求。对于音乐学生、演奏家、指挥家以及所有对音乐内部机制抱有浓厚兴趣的听众而言，本书将是他们理解音乐“如何工作”的必备指南。 第一部分：基础织体的构建——从单音到和弦的内生动力 本部分将彻底颠覆对“基础和声”的传统认知，强调和声的物理基础与人类听觉的内在偏好。 第一章：音响物理学与听觉心理学基础 我们深入探讨了泛音列在决定和声亲和力中的核心作用。通过对纯律、十二平均律的数学差异进行精确比对，解释了为何特定音程在不同系统下的“感觉”会发生根本性转变。此章着重分析了人类大脑如何处理不协和音程，以及“紧张”与“解决”的听觉机制。 第二章：功能和声的动力学模型 本书将功能和声（Tonic-Dominant-Subdominant）的分析提升到动力学层面。我们不再满足于简单的三和弦定义，而是将其视为一种能量场。主导功能（T）是势能的聚集点，导音（Leading Tone）的倾向性被解释为一种不可避免的物理拉力。副属和弦（Secondary Dominants）则被视为能量场在特定方向上的“短路”或“辐射”，赋予调性中心以更丰富的侧重点。 第三章：声部的运动规律与横向思维 在探讨垂直堆叠（和弦）的同时，本书将同等重要的笔墨放在水平运动（旋律与声部进行）上。我们将复调思维的萌芽融入到纯粹的和声练习中，强调四部和声的每一个进行，都必须满足声部间的逻辑连贯性。重点剖析了“平行进行”的禁忌并非是武断的规定，而是由于声部独立性丧失所导致的听觉平面化现象。 第二部分：织体的拓展与色彩的探寻——调性的深化与模糊化 随着音乐语言的演进，作曲家开始寻求超越基本三和弦的丰富音响。本部分着重于如何通过和弦的延伸和调性的灵活转换，实现音乐表达的深度和广度。 第四章：七和弦的张力与色彩调控 七和弦不再被视为简单的“导音与三度叠加”。本章将属七和弦视为解决“半音趋势”的核心工具，而九、十一、十三和弦则被细致地归类为“色彩和弦”——它们在解决前，如何通过引入特定音程（如小九度或增四度）来预示未来可能出现的调性色彩。 第五章：借用和弦与调性色彩的瞬时转移 借用和弦（Modal Mixture）是连接大小调色彩、深化情感表达的关键。本书详细梳理了从平行大小调、关系小调借用的具体手法。更进一步，我们引入“调式和声”（Modal Harmony）的概念，分析了借用音阶中的特定音对既有功能和声的“侵蚀”与“重塑”，例如多利亚调式音阶在古典晚期音乐中的微妙应用。 第六章：半音和声的结构性作用 半音进行是通往浪漫主义和声的必经之路。本章聚焦于经过性半音和弦（Passing Chords）与减七和弦的结构性分析。减七和弦的“模糊性”被解构为对称性结构对调性中心的暂时性瓦解，解析了它如何在不同调性之间充当“交通枢纽”的角色。 第三部分：宏大结构与语境的重塑——从巴洛克到印象主义的跨越 本部分将视角从单个和弦的内部逻辑，扩展到乐章结构、曲式布局以及特定历史时期的和声风格。 第七章：复调语境下的和声互动 在复调音乐（如赋格与卡农）中，和声是声部相互作用的产物，而非预先设定好的框架。本章分析了模仿、对位技巧如何自然地生成特定的和声进行，例如对位中的不协和音如何通过精妙的声部运动被合理化。重点剖析了巴赫作品中和声的“非功能性”一面，即和声服务于线条的连贯性。 第八章：古典主义的平衡与结构化 探讨海顿、莫扎特和贝多芬如何将和声的丰富性置于清晰的曲式框架内。分析了奏鸣曲式中呈示部、展开部与再现部中，和声冲突与解决的结构性体现。着重研究了“转调序列”如何成为构建宏大乐章的骨架。 第九章：瓦解与重构：瓦格纳与德彪西的和声革命 本章深入考察了调性边界的扩展与最终的模糊化过程。瓦格纳的和声（如“特里斯坦和弦”）不再是解决导音的产物，而是成为一种持续的、无止境的张力状态。随后，我们将目光转向德彪西，分析他如何运用“平行和弦”（Planar Harmony）与全音阶，使和声从“功能”的奴仆转变为独立的“色彩元素”，开创了印象主义的听觉空间。 结语：永恒的探索 本书的结论重申了音乐语言的开放性。理解了过去的和声逻辑，并非意味着必须被其束缚。真正的掌握在于理解其形成的原因、解决的倾向，从而能够在尊重历史的前提下，利用这些工具创造出属于我们这个时代的声音。本书不提供简单的“答案”，而是提供一套严谨的思考方法，引导读者在每一次聆听和每一次创作中，都能洞察和声织体中蕴含的无穷奥秘。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，我最近在整理我的音乐资料库时，发现了一本被严重低估的乐理专著，它的名字叫做《旋律的构建与思维》。这本书的视角非常独特，它几乎完全避开了传统的“和声功能”的束缚，而是将重点放在了旋律线自身的逻辑性和心理感受上。作者似乎更像一位建筑师，而非传统乐理学家，他探讨的是音高如何在时间轴上形成张力与释放。我特别欣赏它对“动机发展”这部分的论述，书中列举了大量从巴赫到德彪西的作品片段，细致地拆解了主题如何通过模进而保持连贯性，同时又不断产生新的听觉体验。很多时候，我们学乐理，容易陷入和弦的“套路”，从而扼杀了旋律的生命力。而这本书恰恰相反，它鼓励你去“听”旋律，去感受音程跳跃带来的情感波动。它里面还穿插了一些关于听觉心理学的研究成果，解释了为什么某些旋律走向会让人感到“自然”或“不安”，这对我后来自己尝试创作时，提供了很多实际的指导方向。它的排版设计略显保守，但内容的前瞻性却让我耳目一新，它真的让我重新审视了旋律在音乐结构中的核心地位，这本书绝对是给那些渴望超越基础和声练习的进阶学习者的绝佳读物。

评分☆☆☆☆☆

最近偶然翻到一本老版的《XX乐理基础读本》，这书的装帧设计很有那个时代的特色，封面是那种略带泛黄的米白色，字体排版虽然算不上现代，但透着一股朴实和严谨。我记得我大学刚接触音乐理论时，手里捧的就是类似风格的教材，那会儿学起来全靠老师的口授和自己一遍遍的抄写笔记。这本书的优点在于它对基本概念的阐释极其耐心和细致，比如对调性、和弦的定义，它会用非常形象化的比喻来解释，这对于初学者来说简直是救星。不像现在很多新书，恨不得把所有复杂的理论一股脑塞进来，搞得人云亦云。这本书的叙述节奏缓慢而扎实，每读完一个章节，总有一种“哦，原来是这么回事”的豁然开朗感。它更注重的是内化理解，而不是死记硬背公式。我特别喜欢其中对早期西方音乐和声演变历史的穿插介绍，它让枯燥的理论有了一个历史的背景支撑，感觉自己在跟随音乐的脉络进行一次考古之旅。虽然在某些和声进行的处理上，可能略微偏向了特定的历史时期风格，但对于打下一个坚实的理论基础来说，它的价值是无可替代的。这本书就像一个老茶壶，泡出来的茶味道醇厚，需要时间去品，但回味无穷。

评分☆☆☆☆☆

我最近购入了一本据说是某位著名指挥家私人珍藏的乐理小册子，叫做《配器色彩的奥秘》。这本书的篇幅不长，装帧也极其简约，但内容密度却是惊人的。它几乎没有涉及任何传统的调性分析或复杂的数学公式，全部篇幅都聚焦在乐器的音色特性和它们之间相互叠加时产生的“色彩混合效应”上。作者以极其细腻的笔触描述了小提琴的中音区如何与单簧管的低音区融合，形成一种“木质的温暖感”，以及长号在高潮部分如何通过特定的力度标记来烘托出一种近乎“金属的肃穆感”。书中大量的篇幅是在描述如何在乐谱上通过细微的指示（比如揉弦的快慢、弓法的选择）来操纵最终的听觉效果。我过去总觉得配器法主要靠经验积累，但这本书提供了一套近乎科学的观察框架。特别是它对打击乐器组的论述，简直是打开了新世界的大门，让我意识到打击乐远不止是节奏的支撑，它们更是空间感和氛围营造的关键。这本书的价值在于，它将冰冷的音高和节奏瞬间转化为有温度、有质感的听觉画面，对于任何想要深入了解管弦乐队音响效果的音乐人来说，都是一本不可多得的“调色盘”指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上那些动辄上千页的“和声大全”我已经看腻了，它们往往把重点放在了对古典主义时期“完美”规范的过度强调上。直到我接触到一本名为《二十世纪调性之外的探索》的译著，我才真正意识到音乐理论的疆域有多么辽阔。这本书的语言风格非常学术化，甚至可以说是有些“晦涩”，但它所涵盖的内容却是革命性的。它系统地梳理了无调性音乐、十二音体系、偶然音乐等二十世纪重大思潮的理论基础。作者没有简单地介绍这些技法，而是深入剖析了它们产生的社会文化背景，比如战争对传统美学观念的冲击，以及作曲家们如何试图通过数学逻辑或随机性来重建音乐秩序。书中对亨伯格的十二音操作流程进行了极其严谨的图解，帮助我理解了看似混乱的音高排列背后隐藏的严密结构。读完这本书，你再回过头去看传统的调性音乐，会发现它们并非是绝对的真理，而只是人类音乐思维发展中的一个辉煌阶段。它极大地拓展了我对“什么是音乐结构”的认知边界，虽然阅读过程充满挑战，但它提供的思维冲击力是无与伦比的，让人开始思考未来的音乐会走向何方。

评分☆☆☆☆☆

最近我淘到一本很老很旧的，名字叫做《即兴演奏的语汇与语法》。这本书的装帧和纸质都已经非常残破，一看就是经过了无数次翻阅和演奏者汗水的洗礼。这本书的风格完全不同于任何学院派的教材，它更像是一位经验丰富的老乐师写下的，充满着口语化的叮嘱和实战经验。它开篇就强调，理论只是脚手架，真正的音乐生命在于即兴时的“语汇运用”。书中细致地分析了布鲁斯音阶、爵士和声标记（比如Maj711, 13b9）在实际演奏中的“情感指向”。它会告诉你，在某个特定的和弦上，使用“降九音”比使用“增五音”更能表达出那种特定的“忧郁与挣扎”的混合情绪。书中包含了几十个不同风格（从摇摆到融合爵士）的“和声框架”分析，教你如何快速地在这些框架内构建出流畅的旋律线条，而不是被事先写好的乐谱束缚。我尤其喜欢它对“节奏切分”在即兴中的灵活应用部分的讲解，它如何通过微妙的延迟和提前来制造律动的张力。这本书真正做到了将理论与演奏的“当下性”完美结合，让我感觉到，音乐的魅力，很多时候就藏在那些“不完全符合规范”的瞬间里。