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[美] H.W.詹森J.E.戴维斯 著

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• 西方艺术
• 艺术鉴赏
• 历史
• 文化
• 插图版

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出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535681027

商品编码：18736981275

出版时间：2017-10-01

作  者:(美)H.W.詹森//J.E.戴维斯 著作 艺术史组合翻译实验小组 译者 定  价:888 出 版 社:湖南美术出版社 出版日期:2017年10月01日 页  数:1197 装  帧:精装 ISBN:9787535681027 1. 艺术史大家H. W. 詹森倾力撰写，完整梳理三万年西方艺术发展历程，艺术通史的标杆之作，畅销欧美五十余年。2. 与时俱进，紧跟学术潮流，涵盖绘画，雕塑，建筑，摄影和工艺美术等艺术门类，扩充女性艺术家、当代艺术和文化多元论等当代议题。3. 朱青生教授组织组合译制团队，雕琢译稿近三十年，数易其稿，确保译文准确流畅，通俗易懂。4. 全书共有1450余幅插图，每幅作品都经过了专业调色，确保作品色彩忠实于原作，零距离体会艺术作品的无限魅力。 ●序言
●导论  走近艺术
●部分  古代世界
●  史前艺术
●第二章  古代近东艺术
●第三章  埃及艺术
●第四章  爱琴艺术
●第五章  希腊艺术
●第六章  伊特鲁里亚艺术
●第七章  罗马艺术
●第二部分  中世纪
●第八章  早期基督教与拜占庭艺术
●第九章  伊斯兰艺术
●第十章  早期中世纪艺术
●第十一章  罗马式艺术
●第十二章  哥特式艺术
●第三部分  从文艺复兴到洛可可
●第十三章  13―14世纪的意大利艺术
●第十四章  15世纪北部欧洲的艺术创新
●第十五章  15世纪意大利的早期文艺复兴
●部分目录

内容简介

H.W.詹森、J.E.戴维斯著的《詹森艺术史(插图第7版)(精)》是一部艺术通史著作，聚焦从史前直到20世纪末的西方艺术。该书英文原版自1962年出版以来，随即占据艺术史书籍畅销榜的位置，长达30年之久，成为西方大学艺术史课程的标准教材。
本书以时间为框架，分为古代世界、中世纪、从文艺复兴到洛可可和现代世界四个部分，以各个时段的代表艺术品和艺术家为重点，阐释了艺术风格及其演变的历史。此外，书中穿插了六个学习板块，补充介绍了背景知识、艺术家的创作技法、艺术史家的研究方法以及大量的历史文献等相关知识，并有章末小结梳理各章重点。全书配有1450余幅插图，每幅作品都经过了调色或专业审核，确保忠实原作，是了解学习西方艺术史的不错书籍。
该经典著作的第七版在内容上较之前版本有很大扩充，除了包含传统的绘画、雕塑和建筑之外，摄影和工艺美术等门类也得到了足够的重视。此外，本版还顺应了当代学术等
(美)H.W.詹森//J.E.戴维斯 著作 艺术史组合翻译实验小组 译者 H.W.詹森（H.W.Janson，1913―1982），美国有名艺术史家，艺术史学的传奇人物，曾任纽约大学艺术系教授、系主任。詹森出生于圣彼得堡，后随家人迁往德国汉堡，就读汉堡大学期间师从艺术史大师欧文？潘诺夫斯基。后接受潘诺夫斯基的意见移民美国，于1942年获哈佛大学艺术史博士学位。他曾任美国艺术院校协会、《艺术通报》编辑，还是美国文艺复兴学会的创办人之一并曾任。
詹森主要致力于文艺复兴艺术和19世纪雕塑的研究，主要的学术著作有《多纳太罗的雕塑》和《19世纪雕塑》等，晚年主要关注东西艺术对话。1962年撰写出版了艺术通史著作《詹森艺术史》，大受欢迎，很快成为美国艺术史教育的标准教材等 序  言迎走进詹森经典教材的第七版，之前的版本曾向数代英语学子介绍了艺术史。对于众多教授艺术史入门课的教师而言，詹森这个名字与我们介绍的主题是同义的。1962年普兰蒂斯？霍尔出版公司首次出版《詹森艺术史》时，约翰？F？肯尼迪（John F. Kennedy）仍执掌白宫，而安迪？沃霍尔还是一个刚刚崭露头角的艺术家。詹森的著作紧扣西方艺术，强调艺术技巧与风格，观点鲜明。作者曾说，《詹森艺术史》并非简单串联有历史意义的艺术品，而是娓娓述说它们之间的关系——是一部艺术风格及其转变的历史。詹森的著述关注其探讨的艺术品的视觉及技术特征，不乏异常雄辩之辞。本书为数代学者确立了一个艺术史的经典名录。虽然经过了大幅修订，新版教材依然在主要方面承袭了詹森著作的先例：内容限于西方艺术，但另辟一章介绍伊斯兰艺术及其与西方艺术的联系（早期版本的读者会记起伊斯兰艺术是包含在中的等

好的，这是一本关于世界电影史的图书简介，聚焦于20世纪初到21世纪的演变、关键流派和革新性导演的作品，不涉及任何艺术史或“詹森艺术史”相关内容。 --- 光影的史诗：世界电影编年史（1900-2020） 本书导言： 自一百多年前，当卢米埃尔兄弟捕捉到火车的驶入，并让观众惊呼时，一种全新的叙事和感知世界的方式便诞生了。电影，这种集视觉艺术、文学叙事、音乐表达和工程技术于一身的媒介，在短短一百多年的时间里，经历了从默片时代的魔幻到数字时代的无限可能。它不仅仅是娱乐，更是社会变迁的记录者、文化冲突的熔炉和人类情感的深度探索。《光影的史诗：世界电影编年史（1900-2020）》旨在提供一份详尽的、跨越地域和风格的电影发展脉络梳理，探究那些定义了我们视觉文化的重要时刻、关键运动和颠覆性创作者。 本书将带领读者穿越时间的长廊，从早期的梅里爱和格里菲斯的实验，深入到好莱坞黄金时代的体系化工业，再到欧洲艺术电影的哲学思辨，直至当今全球化语境下的流媒体新格局。我们关注的焦点在于电影语言的不断进化：蒙太奇的革命、声画对位的发展、色彩的象征意义，以及叙事结构如何被不断地解构与重塑。 第一部分：默片时代的起源与开拓（1900-1927） 本部分追溯电影作为一种新兴艺术形式的艰难起步。我们将详细分析早期电影制作人如何从马戏团的魔术和舞台戏剧中汲取灵感，建立起基础的视觉语法。 先驱者的实验： 探讨乔治·梅里爱的奇幻短片如何运用剪辑制造“不可能的”幻觉；以及大卫·沃克·格里菲斯在《一个国家的诞生》和《迫害》中对叙事深度和史诗规模的野心实践，即便这些作品至今仍充满争议。 欧洲的早期探索： 重点分析丹麦的“自然主义”对情感表达的影响，以及德国表现主义的崛起。后者如何利用扭曲的布景、强烈的明暗对比（Chiaroscuro）来映射角色的心理状态，例如弗里茨·朗的《大都会》和《诺斯费拉图》中德古拉伯爵的阴影。 苏联蒙太奇学派： 艾森斯坦、库里肖夫和普多夫金关于“电影的数学”的理论构建。本书将细致剖析“吸引的运动”如何通过镜头的碰撞产生意义，而非仅仅记录现实，这是对电影叙事本质的一次深刻的哲学拷问。 第二部分：有声时代的变革与类型片的定型（1927-1950） 有声电影的引入并非单纯的技术升级，它彻底重塑了电影的节奏、表演方式和主题深度。 好莱坞的工业化： 分析有声片如何催生了稳固的制片厂制度（米高梅、派拉蒙等），并确立了成熟的类型片范式：黑色电影（Film Noir）的道德模糊性、西部片的英雄原型、歌舞片的浪漫主义。我们考察奥逊·威尔斯在《公民凯恩》中如何将声学技术与深焦镜头、非线性叙事结合，挑战了当时好莱坞的既有规范。 欧洲的艺术回声： 关注法国的“诗意现实主义”，如让·雷诺阿的作品，它们在社会边缘人物的命运中捕捉到即将到来的战争阴影。同时，探究英国的纪录片传统，如何奠定写实主义美学的基础。 第三部分：战后复苏与电影的革新浪潮（1950-1970） 二战的创伤促使全球的电影人质疑既有的叙事结构和虚假的美好。电影开始深入挖掘存在的焦虑与社会的不公。 意大利新现实主义的冲击： 罗伯托·罗塞里尼、维托里奥·德·西卡等如何将摄影机带到废墟之中，使用非职业演员，关注普通民众的生存困境，为后来的世界各地写实主义电影开辟了道路。 法国新浪潮（Nouvelle Vague）： 探究以特吕弗和戈达尔为代表的“电影手册派”如何将作者论（Auteur Theory）推向极致。他们打破了经典叙事的规则，使用跳接、手持摄影和直接对镜头说话，宣称电影是导演的个人表达。 东欧的哲学思辨： 深入解析波兰学派（如安杰伊·瓦伊达）和捷克斯洛伐克新浪潮（如米洛什·福尔曼）如何运用象征主义和讽刺手法，在审查制度下探讨历史宿命与个人自由的冲突。 第四部分：新好莱坞与全球电影的拓展（1970-1990） 在社会动荡与制片厂体系瓦解的背景下，一波受欧洲艺术电影熏陶的年轻导演涌入好莱坞，带来了更复杂、更黑暗、更具个人色彩的商业大片。 “影史的叛逆者”： 详述科波拉、斯科塞斯、斯皮尔伯格和卢卡斯如何融合类型片的商业元素与欧洲的现代主义技巧，创作出《教父》、《出租车司机》等影响深远的作品。 亚洲电影的崛起： 本章将重点关注日本电影大师小津安二郎晚期作品中对家庭伦理的细腻描摹，以及黑泽明如何将莎士比亚式的戏剧张力融入武士史诗。同时，探讨香港电影在动作设计和特技运用上对全球流行文化产生的巨大影响。 第五部分：后现代、数字革命与全球语境（1990-2020） 技术的飞速发展与全球化进程重塑了电影的生产和消费模式。 昆汀·塔伦蒂诺与后现代拼贴： 分析他如何通过大量引用和戏仿，构建出一种充满活力的、元电影式的叙事空间，挑战了原创性的概念。 数字技术的民主化： 探讨数字摄影和后期制作工具如何降低了独立电影的门槛，使得更多来自非传统电影制作中心的声音得以被听见。 世界电影的多样性爆发： 聚焦于伊朗电影（如阿巴斯·基亚罗斯塔米）对日常生活的诗意观察，韩国电影（如朴赞郁、奉俊昊）对社会阶层和类型片的颠覆性融合，以及拉丁美洲魔幻现实主义在影像中的延续。 结语： 《光影的史诗》不仅仅是一本历史书，它更是一份对人类视觉表达潜力的致敬。通过分析这些作品和运动，我们得以理解电影是如何作为一种不断自我更新的媒介，持续反映、挑战并定义我们所处的时代。本书的最终目标是激发读者对电影语言的深度思考，并鼓励他们以更具批判性和欣赏性的眼光，去观看未来流动的光影。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅体现在它所涵盖的知识量上，更在于它建立了一种看待世界的全新视角。它让我明白，艺术从来都不是孤立存在的，它是历史、政治、宗教、科技相互作用的产物。阅读过程中，我时常被提醒去关注那些“被遗忘的声音”——那些女性艺术家、非主流地区的创作团体，以及那些在主流叙事中被边缘化的艺术形式。这种对多元视角的强调，使得全书的基调非常现代和包容，完全没有传统艺术史那种高高在上的傲慢感。我常常合上书后，会立刻拿起手机去搜索书中提到的某位艺术家的生平小故事，或者去博物馆网站上寻找那些我未曾谋面的高清图像，这种由阅读激发出的强烈求知欲和探索欲，是这本书带给我最宝贵的收获。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个相对碎片化的时间里开始阅读这本大部头的，老实说，一开始有点畏惧它的厚度。但这本书的章节划分极其合理，每一章的主题都像是一个完整的小型展览，可以独立成篇阅读，互不干扰。我发现自己经常只拿特定的一小部分出来“品味”，比如专门研究一下中世纪手抄本的装饰艺术，或者梵高晚期作品中强烈的精神性表达。作者的论述风格是那种非常稳健、基于证据的，不会轻易下断言，而是引导读者自己去思考。它就像一个老派的绅士，娓娓道来，从不急于让你得出结论，而是耐心为你铺陈证据和背景。读完关于现代艺术的章节后，我感觉自己对那些抽象表现主义的作品不再是“看不懂”的状态，而是有了一把理解其内在逻辑的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，用“酣畅淋漓”来形容或许最为贴切。它最大的优点在于其详尽的论证和无可挑剔的学术严谨性，但最难能可贵的是，它在保持专业深度的同时，做到了极佳的可读性。我不是艺术史专业的学生，但我经常能理解作者对某个流派兴衰的深层社会动因的分析。比如，书中对印象派如何反叛沙龙体制，如何捕捉现代都市生活瞬间的描写，充满了批判性思维和对时代精神的洞察力。那些对作品细节的描述，简直像是用文字画出了一幅画，让你在脑海中重构出作品的每一个笔触和色彩层次。我甚至会特意去查找书中所引用的那些哲学观点或文学典故，这种由点及面的探索过程，让学习艺术史的过程变成了一场持续不断的知识探险。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书摆在书架上，光是看着就让人对艺术史有了敬畏之心。我记得第一次翻开它的时候，那些精美的插图简直让人目不转睛，仿佛能穿透纸张，直接触摸到那些古老的杰作。它不像很多教科书那样枯燥乏味，而是将艺术史的脉络梳理得清晰流畅，即便是初次接触艺术史的人，也能很容易跟上作者的思路。作者的叙事功力非常了得，总能将复杂的历史背景与艺术家的创作心路巧妙地结合起来，让每一个时期的艺术风格演变都显得那样自然而然，充满了生命力。我尤其喜欢它在讨论文艺复兴那部分的处理方式，对透视法、解剖学这些技术革新的描述详实而不失趣味，读完后感觉自己对“美”的理解都提升了一个层次。而且，这本书的装帧设计也十分考究，拿在手里沉甸甸的，能感觉到出版方的用心，这本身就是一种艺术体验。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对艺术史抱着一种“不得不读”的心态，觉得它可能就是一堆年代、人名和作品名称的堆砌。但这本书彻底颠覆了我的看法。它更像是一位经验丰富的导览员，带着你穿越时空，亲身感受不同文化背景下人类精神世界的表达。最让我印象深刻的是它对非西方艺术的介绍部分，篇幅和深度都远超我预期的大学教材，比如对伊斯兰几何图案的解析，以及中国水墨画意境的阐述，都展现了作者广博的学识和跨文化的视野。这种包容性和全面性，使得这本书不仅仅是一部西方艺术史的权威参考，更是一部世界文明的缩影。每次我感到迷茫或者需要沉静下来时，都会随意翻开其中一页，那些古典雕塑的线条、巴洛克绘画的光影，总能瞬间将我拉入一个宁静而充满智慧的领域。