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傅抱石撰辑 著

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出版社： 天津人民美术出版社

ISBN：9787530580127

商品编码：16267909525

出版时间：2017-06-01

作  者:傅抱石 撰辑 定  价:39.8 出 版 社:天津人民美术出版社 出版日期:2017年06月01日 页  数:234 装  帧:平装 ISBN:9787530580127 ●叙例
●泛论之部
●一般论
●第二修养论
●第三造意论
●第四神韵论
●第五俗病论
●总论之部
●第六造景论
●第七布置论
●第八笔墨论
●第九设色论
●第十临孽论
●第十一款题论
●分论之部
●第十二林木论
●第十三山石论
●第十四皴擦论
●第十五点法论
●第十六装饰论

内容简介

傅抱石撰辑的《中国绘画理论》分为三部十六论。
“泛论之部：泛论中国绘画之一切，直接明其精神，间接助其笔墨。此中国绘画之基础，应首先彻明之事也。”具体分一般、修养、造意、神韵、俗病五论。
“总论之部：总论中国绘画如何设计及其制作，此作画之实际理论，继泛论而应有之事也。”具体分造景、布置、笔墨、设色、临摹、款题六论。
“分论之部：分论林木、山石、皴擦、点法、装饰各单元之法则，又继总论而应有之事也。”具体分五论如上。
而各部之分论，均依论者的时代先后，从上古而近世，次第为序，时作点评。

中国绘画理论 卷一：溯源与脉络 中国绘画，宛如一条绵延不绝的长河，自远古的岩画、陶器纹饰起，便开始孕育着独特的生命力。它并非凭空出现，而是深深植根于中华民族漫长的历史文化土壤之中，与哲学思想、文学艺术、社会风俗乃至自然观测紧密相连。要理解中国绘画的精髓，便须追溯其源头，理清其发展脉络，探寻其背后支撑其体系的思想内核。 一、 史前回响：艺术的萌芽与早期图式 远古的先民，在生存与繁衍的需求之外，对世界充满了好奇与敬畏。他们用最原始的颜料，在山洞的岩壁上、在生活器皿的陶土上，刻画、涂绘着他们所见所感。这些岩画，如内蒙古阴山岩画、新疆阿尔泰岩画，以粗犷有力的线条，勾勒出狩猎、舞蹈、祭祀的场景，动物形象生动矫健，展现了先民朴素的观察力和表现力。它们是记录生活、表达情感、传递信仰的早期图式，是中国绘画最古老、最朴实的起点。陶器上的纹饰，如仰韶文化的彩陶，几何纹、动物纹，简洁而富有节奏，已初步显露出装饰与象征的意味，为后来的线条运用和造型构成奠定了基础。 二、 青铜时代的辉煌：礼制与图案的融合 商周时期，青铜文明的兴盛将中国艺术推向了一个新的高度。青铜器的纹饰，以饕餮纹、龙纹、凤纹为代表，构图繁复、线条细腻，充满了神秘与威严。这些纹饰并非简单的装饰，而是承载着重要的礼制意义和社会等级象征。它们体现了当时人们对神灵世界的想象，以及对社会秩序的尊崇。虽然与独立性的绘画创作尚有距离，但青铜器纹饰中对线条的运用、对形体的夸张与变形、以及构图的整体感，都为后来的绘画发展提供了重要的营养。西周晚期出现的金文，书法艺术开始独立发展，其严谨的结构和流畅的线条，也对绘画的笔墨技巧产生了深远影响。 三、 战国秦汉：线条的飞扬与写实萌芽 春秋战国时期，随着社会经济的发展和思想文化的活跃，绘画开始逐渐摆脱装饰性，朝着独立的艺术形式发展。帛画的出现，如湖南长沙马王堆汉墓出土的帛画，以精细的线条勾勒人物、神怪、车马，色彩鲜艳，构图复杂，展现了战国时期绘画的高度成就。它们不仅描绘了神话传说和墓主生平，更标志着中国绘画在人物画、山水画（初具雏形）等题材上的探索。秦汉时期，画像石、画像砖上的绘画，以简练而富有表现力的线条，再现了历史故事、社会生活、神仙鬼怪，其写实性和叙事性进一步增强。东汉的壁画，如敦煌莫高窟早期壁画，在继承前代传统的基础上，吸收了外来艺术的影响，人物造型更加丰满，色彩运用更加丰富，已显露出成熟的绘画技法。这一时期，对物象的观察和描绘，开始注重“形似”，写实之风初露端倪，为后来的“写实”与“写意”之争埋下了伏笔。 四、 魏晋风度：意匠之始与精神追求 魏晋时期，是中国思想文化史上一个重要的转折点，玄学兴起，文人阶层崛起，艺术家的创作主体意识开始觉醒。绘画在此时期，开始更加注重表现画家的主观情感和精神世界。“以形写形，以色貌色”的写实观念仍然存在，但“得意忘形”、“迁想妙得”的意匠之说逐渐兴起。顾恺之的《洛神赋图》便是这一时期绘画艺术的代表。他提出的“传神写照，正在阿堵中”，强调抓住人物的精神特质，而非仅仅形似。同时，他“六法”理论的提出，虽然其具体内容在后世有不同的解读，但其强调“气韵生动”等原则，已为中国绘画确立了精神性的审美追求。山水画的萌芽在此时期也更加明显，谢灵运的山水诗，预示着山水作为独立的绘画题材将日益受到重视。 五、 隋唐气象：写实与装饰的辉煌 隋唐盛世，兼容并蓄，万国来朝，艺术呈现出雄浑、博大、绚丽的特点。绘画艺术在这一时期取得了空前的繁荣。人物画方面，阎立本的《步辇图》、吴道子的壁画，将写实技法推向高峰，人物造型严谨，衣纹流畅，神态各异。同时，唐代绘画也深受佛教艺术的影响，敦煌莫高窟的壁画，大量涌现，色彩浓烈，构图宏伟，人物形象从写实到程式化，展现了不同地域和时期的艺术风格。山水画方面，李思训以金碧辉煌的青绿山水，代表了“北方山水”的典范，勾勒严谨，色彩富丽；而王维则倡导“诗中有画，画中有诗”，以水墨淡彩，表现自然之美，开启了文人山水画的先河。花鸟画也初具规模，描绘精微，色彩绚丽。隋唐绘画，在写实技法、题材拓展、构图布局等方面都达到了极高的成就，为后世的绘画发展奠定了坚实的基础，并深刻影响了东亚的绘画艺术。 六、 宋元转型：写意与理性的辩证 宋代，是中国绘画史上一个极其重要的转型时期。理学思想的兴盛，深刻影响了绘画的审美取向。一方面，宋代绘画在写实性上达到了前所未有的高度。特别是院体画，如张择端的《清明上河图》，对社会生活进行了极其细致逼真的描绘，展现了精湛的写实技巧。花鸟画方面，黄筌的“黄家富贵”与徐熙的“徐熙野逸”，代表了两种不同的风格，都极尽精微之能事。山水画方面，范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》，对自然景物的描绘，不仅追求形似，更注重表现山的雄浑、水的灵动，以及画家对自然的体悟。另一方面，文人画开始兴起，苏轼、文同等人提倡“士人画”，强调绘画的文学性、抒情性和个性化表达。他们主张“论画以形似，宁失形似而得神似”，推崇水墨写意，追求笔墨的情趣和意境的营造。这种写实与写意的辩证关系，构成了宋代绘画的两大重要面向。 元代，政治的动荡和民族矛盾，促使一部分文人画家将艺术作为寄托情怀、抒发不满的途径。元代文人画得到了进一步的发展，以“元四家”为代表的画家，如黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙，他们笔下的山水，更加强调个人的笔墨语言和精神寄托，注重写意，画面简练疏朗，意境悠远。同时，青绿山水也得到了传承和发展。赵孟頫在继承宋代传统的基础上，强调“古法”，对元代绘画产生了重要影响。元代绘画，在继承宋代写实与写意的基础上，更加突出了文人的审美情趣和笔墨的独立价值，为明清绘画的发展奠定了基础。 七、 明清传承与革新：技法与精神的交融 明代，绘画继承了宋元以来的传统，并在此基础上有所发展。前期，院体画仍然具有一定的地位，但文人画逐渐成为主流。浙派画家如戴进，以粗放的水墨写意，继承了南宋马远、夏圭的风格。而吴门画派，如沈周、文征彦、唐寅、仇英，则以秀丽的笔墨、雅致的意境，成为文人画的代表，他们融合了南北画风，创作出大量优秀的写意山水、花鸟、人物画。明代中后期，董其昌提出“南北宗论”，强调文人画的笔墨趣味和精神内涵，对后世绘画产生了深远影响。 清代，中国绘画进入了一个集大成并寻求革新的时期。在继承传统的基础上，涌现出许多风格各异的画家。所谓的“四王”，如王时敏、王鉴、王翚、王原祁，他们强调“仿古”，但并非简单的摹写，而是融汇古法，创造出自家面貌，形成了“清初画风”。而“扬州八怪”，如郑燮、金农、罗聘等，则以其不落俗套、个性鲜明的艺术风格，打破了传统的束缚，他们的画作充满生活气息，笔墨大胆，色彩鲜明，体现了对时代精神的呼应。同时，西洋画技法开始传入，对中国绘画的写实技巧和色彩运用产生了一定的影响，如郎世宁等。这一时期，花鸟画、人物画、山水画都在技法和题材上都有所拓展，艺术家们在继承前人精神的同时，也注入了新的时代气息。 八、 总结与展望：中国绘画的永恒主题 纵观中国绘画的发展历程，我们可以看到几条贯穿始终的主线： 对自然的观察与体悟： 从岩画的生动描摹到宋代山水的壮丽写实，从文人画的意境营造到现代画家的自然探索，中国画家始终对自然怀有深厚的情感和深刻的理解。 精神性的追求： “气韵生动”是中国绘画的灵魂，画家们不仅仅满足于描绘事物的形貌，更注重表现事物的精神气质和内在生命。 笔墨的语言： 独特的笔墨技巧是中国绘画的另一大特色，线条的粗细、墨色的浓淡、笔法的变化，都承载着丰富的情感和意蕴。 哲理与诗意的融合： 中国绘画深受哲学思想和文学艺术的影响，常常将诗歌的意境、哲学的思考融入画面，追求“诗中有画，画中有诗”的境界。 写实与写意的辩证统一： 中国绘画并非一味追求写实或写意，而是在不同的历史时期，在不同的流派中，形成了写实与写意的相互补充、相互借鉴、相互融合的复杂关系。 这些源头与脉络，构成了中国绘画博大精深的理论基础。理解了这些，我们才能更深入地把握中国绘画的独特魅力，才能真正走进中国画家的内心世界，去感受那份对生命、对自然、对宇宙的永恒的探索与回响。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这个书名，在我眼里，代表着一种探索的决心。我不是绘画科班出身，对中国画的了解也主要来源于博物馆的展览和一些通俗的艺术读物。然而，我总觉得，那些精美的画面背后，一定蕴含着一套独特而深邃的思维方式。我希望这本书能带我进入那个理论的世界，去理解那些指导了中国绘画几千年发展的基本原则。我特别想知道，在中国古代，绘画是如何被视为一种“道”的体现，而不仅仅是一种技艺。书中是否会探讨“天人合一”的哲学思想在中国绘画中的体现，以及画家如何通过描绘自然来体悟宇宙的规律？我对“气韵生动”这个概念特别感兴趣，它不像“形似”那样直观，但却是评价一幅画好坏的关键。我希望这本书能给我一个清晰的解释，说明“气韵”到底是什么，以及画家如何才能在画面中“传达”出来。同时，我也好奇，在不同时期，对于“气韵”的理解是否会有所变化，以及不同流派的画家又是如何运用不同的理论来追求这种“气韵”的。我担心的是，如果这本书过于偏重理论，而忽略了与绘画实践的联系，我可能会感到理论与实际脱节。我期待书中能够通过大量的古代绘画作品作为例证，来解析和说明各种理论观点，这样我才能更好地理解和吸收。这本书能否帮助我建立起一个完整的中国绘画理论框架，让我能够更系统、更深入地去理解和欣赏中国画，是我最看重的一点。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这本厚重的著作，在我手中沉甸甸的，还没翻开，就已感受到一股历史的厚度与学术的严谨。我之所以选择它，最初是被书名所吸引——“中国绘画理论”。在我以往的阅读经验中，对中国绘画的理解大多停留在欣赏层面，比如宋朝的山水画如何婉约，明清的花鸟画如何生动，但对于其背后支撑这些艺术形式的理论体系，却知之甚少。我总觉得，一件伟大的艺术品，绝非仅仅是某种技法的娴熟堆砌，背后一定有深刻的哲学思考、文化积淀和审美追求。所以，我特别期待这本书能够为我揭示这些隐藏在笔墨丹青之下的精髓。我希望它不仅仅是一本介绍各种绘画流派或大师的传记，更希望它能深入剖析中国传统绘画在发展过程中所形成的独特美学原则、创作方法以及理论探讨。例如，书中是否会详细阐述“以形写神”、“气韵生动”等中国画的核心概念，并追溯其思想源头？它又将如何解析“写意”与“工笔”在理论上的区别与联系？我对这些问题充满了好奇。当然，作为一名普通的读者，我并非绘画专业的科学生，因此，我更希望这本书在学术的深度之外，也能兼顾一定的可读性。我希望作者能够用生动形象的语言，将抽象的理论概念具象化，或许可以结合具体的绘画作品进行分析，这样我才能更好地理解和消化。例如，在讲解“虚实相生”时，如果能辅以几幅经典的留白处理得当的山水画，我或许能更直观地体会到“无中生有”的妙趣。我对书中是否会涉及到中国绘画的哲学基础，比如道家、儒家思想对绘画理论的影响，也颇感兴趣。毕竟，在中国传统文化中，艺术与哲学往往是密不可分的。这本书能否为我打开一扇通往中国传统绘画深层精神世界的窗户，这正是我最期待的。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这本书，当我第一眼看到时，脑海中就浮现出无数经典的中国画场景。然而，我总觉得，对于这些画面，我所看到的只是冰山一角。我希望这本书能像一位引路人，带我深入到这片艺术的海洋，去探寻那些隐藏在水面之下的理论宝藏。我特别好奇，在中国绘画理论中，“意”究竟扮演着怎样的角色？它是否是超越了形似的更高层次的追求，而又是如何通过笔墨来体现的？我希望这本书能给我一个清晰的解释，让我能够理解“意境”的构建，以及“妙在似与不似之间”的精妙之处。同时，我也期待书中能够深入探讨中国画中的“五色观”，以及墨色在其中的独特作用。在我看来，中国画以墨见色，以色见墨，这种独特性本身就蕴含着深邃的理论。我希望能够理解，古代画家是如何通过对墨的精妙运用，来表现出丰富的色彩感和立体感的。我担心的是，如果这本书过于侧重于某一个时期的理论，而忽略了整个中国绘画理论的演变过程。我更希望这本书能够展现出中国绘画理论的传承与发展，例如，早期理论是如何形成，中后期理论又是如何被继承、发展和创新的。这本书能否帮助我建立起对中国绘画理论的系统认知，从而能够更自信、更深入地去欣赏中国画，是我最期待的。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这本书，在我看来，是一次深入探究中国艺术灵魂的旅程。我一直对中国画中那种“淡泊宁静”的意境、那种“言简意赅”的表达方式感到着迷。我希望这本书能够为我解开这些“迷”背后的理论根源。我特别想知道，在中国绘画理论中，“写意”究竟意味着什么？它是否是一种超越具象的表达，一种对事物内在精神的捕捉？我希望书中能够清晰地阐述“写意”的创作方法和审美原则，以及它与“写实”的根本区别。同时，我也对“中国画的‘神似’是如何实现的”这个问题充满好奇。我希望能够理解，画家是如何通过对物象的观察和提炼，以及对笔墨的巧妙运用，来达到“形神兼备”甚至“以神写形”的艺术境界。我担心的是，这本书会不会过于学术化，语言枯燥，让我难以产生共鸣。我更希望这本书能够用生动形象的语言，配合丰富的图例，将抽象的理论变得触手可及。这本书能否让我真正理解中国画的独特魅力，从而在未来欣赏中国画时，能够有更深刻的体验和感悟，是我最看重的一点。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这本书，对我而言，更像是一扇通往古老智慧的大门。我一直觉得，中国古画不仅仅是美的享受，更是一种包含着深刻哲理和人生态度的艺术形式。我希望这本书能够为我揭示这种“智慧”的来源和体现。我特别想知道，在中国绘画理论中，“笔墨”是如何被提升到一种哲学的高度？它仅仅是绘画的工具，还是蕴含着画家的人格、学养和精神境界？我希望书中能够详细阐述“笔墨”的内涵，以及不同用笔、用墨的方式所能传达出的情感和意境。同时，我也对“中国画的‘魂’在哪里”这个问题感到好奇。我希望这本书能够告诉我，究竟是什么让中国画如此独特，如此富有生命力？是“气韵生动”，是“写意传神”，还是其他更深层次的追求？我担心的是，这本书会不会过于偏重历史的考证，而忽略了对现代读者实际阅读体验的考虑。我期待书中能够以一种更具启发性的方式，将古老的理论与现代人的审美需求相结合，让我能够从中获得新的启示。这本书能否让我对中国画有一个全新的认识，从而更加珍视这份宝贵的文化遗产，是我最为期待的。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这本书，当我拿到它的时候，我内心涌起的，是一种想要去理解中国画“为什么是中国画”的渴望。我一直对中国画的意境、留白、写意等特点感到着迷，但却难以用清晰的语言去表达和理解。我希望这本书能够为我提供理论的支撑，让我能够更深刻地理解这些独特的艺术表达方式。我特别好奇，在中国绘画理论中，哲学思想扮演着怎样的角色？是否像“道法自然”、“天人合一”等观念，深刻地影响了画家对自然的理解和描绘？我希望书中能够清晰地阐述这些哲学思想如何体现在绘画创作中，例如，如何通过山水的描绘来体现“道”的运行，如何通过花鸟的姿态来表达生命的和谐。同时，我也对“格法”和“画谱”在古代绘画理论中的作用感到好奇。我希望能够理解，这些规范性的理论是否在一定程度上限制了创作，又在另一方面为初学者提供了入门的途径？我担心的是，这本书会不会过于强调理论的抽象性，而忽略了与具体绘画技法的结合。我期待书中能够通过大量的经典画作，来解析和说明各种理论是如何在实践中得以体现和应用的。这本书能否帮助我理解中国绘画背后深层的文化逻辑和审美追求，从而让我更加欣赏和热爱中国画，是我最看重的一点。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这本书，当我看到它的时候，一种莫名的冲动涌上心头。我一直以来都对中国古画情有独钟，每次看到那些水墨淋漓的山水、栩栩如生的花鸟，内心总会涌起一股难以言喻的情感。但同时，我也深知，光凭感觉去欣赏，总觉得少了些什么，就像是隔着一层纱，无法触及到艺术的真正内核。我希望这本书能够打破这层“纱”，让我看到隐藏在画面背后的智慧和逻辑。我期待它能告诉我，为什么中国画的山水如此讲究“意境”，而不是对景物的精确复制？为什么笔触的轻重缓急、墨色的浓淡干湿，都能传递出丰富的情感和哲理？书中是否会深入探讨“神似”与“形似”的辩证关系，以及“以意匠经营”的创作过程？我很好奇，在古代，画家们是如何通过理论指导自己的创作，又是如何通过实践来验证和发展这些理论的。这本书是否会涉及一些关于中国绘画的绘画材料和工具的理论，比如宣纸的特性、墨的研磨、笔的选择等等，这些基础的要素是否也蕴含着深刻的理论意义？我特别希望书中能有关于“留白”的详细论述，在我看来，中国画的留白是一种极具东方哲学智慧的表达方式，它不仅仅是画面上的空白，更是思想和意境的延展。这本书能否让我理解那些“画外之意”和“弦外之音”，是我非常期待的。我希望这本书能像一位循循善诱的老师，引导我走进中国绘画的理论殿堂，让我不再只是一个旁观者，而是能够真正地参与到这场艺术的对话中。

评分☆☆☆☆☆

拿到《中国绘画理论》这本书，我的第一感觉是它可能会是一本非常“硬核”的学术著作，尤其是在我之前对于“理论”二字总是抱有一种敬畏甚至畏惧的心态。我脑海中浮现的，可能是一堆堆晦涩难懂的术语，是长篇大论的哲学思辨，是需要反复查阅资料才能理解的条条框框。我原本的设想是，这本书或许会深入探讨中国绘画史上的重要理论流派，比如南北宗论，以及其中涉及到的文人画、院体画在理论上的分歧与融合。我好奇它会不会细致地分析历代画论家的观点，比如顾恺之、宗炳、王微、张彦远、董其昌等，以及他们各自的核心思想是如何影响了后世的绘画实践。书中是否会详细阐释“六法论”的内涵，并分析其在不同历史时期的演变与解读？对于“墨分五色”、“笔墨意趣”等概念，我希望能有更清晰、更系统的讲解。我也很想知道，这本书是否会讨论中国绘画与文学、书法、诗歌之间的紧密联系，以及这些跨学科的影响是如何塑造了中国绘画独特的审美体系。我担心的是，如果这本书过于学术化，语言过于艰涩，我作为一个业余爱好者，可能很难跟上它的节奏，甚至会因为读不懂而感到沮丧。我期望这本书的作者，即使在探讨深刻的理论问题时，也能保持一种清晰的逻辑和流畅的文笔，尽量避免使用过于生僻的专业术语，或者在必要时提供简洁明了的解释。我更希望这本书能够给我带来一种“豁然开朗”的感觉，让我能够真正理解那些在欣赏中国画时，我虽能感受到却无法言说的微妙之处。它能否成为我理解中国画的“金钥匙”，是我最看重的一点。

评分☆☆☆☆☆

拿起《中国绘画理论》这本书，我脑海中涌现的，是一种对中国传统文化深层结构的探求欲望。我一直认为，艺术是文化最直观的载体，而绘画理论，则更是这种载体背后的思维逻辑和价值体系的体现。我希望这本书能为我揭示中国绘画所承载的独特东方美学理念。我非常好奇，在技法之外，中国画家是如何通过他们的作品来表达哲学思想、人生感悟，甚至是道德观念的？书中是否会深入分析“意境”在中国画中的重要性，以及如何通过笔墨的运用，营造出那种“言有尽而意无穷”的艺术效果？我希望能够理解，为何在中国画中，画家对线条的驾驭能力如此受到重视，以及不同的线条所传达的象征意义。我也对“中国绘画理论”这个词所包含的广度感到好奇，它是否仅仅局限于技法和美学原则，还是会涉及到绘画的社会功能、历史地位，甚至是与政治、宗教的关系？我期待这本书能让我明白，为什么中国画的山水可以如此“写意”，却又能触动人心，而花鸟又为何能被赋予人格化的情感。我担心的是，这本书是否会过于强调某些特定时期或学派的理论，而忽略了中国绘画理论的整体性和发展性。我更希望这本书能够呈现出中国绘画理论的演变脉络，以及不同理论之间的相互影响和发展。这本书能否让我从一个更加宏观和深刻的角度去理解中国绘画，从而提升我对中国传统文化的认知，是我最为期待的。

评分☆☆☆☆☆

《中国绘画理论》这本书，当我看到它的时候，我内心深处涌起的是一种想要“穿越”回古代，与那些绘画大师进行跨越时空的对话的冲动。我一直觉得，中国古画之所以能流传千古，不仅仅是因为其精湛的技艺，更重要的是其中蕴含的深刻思想。我希望这本书能够为我解开那些隐藏在笔墨背后的“密码”。我特别想知道，在中国古代，“画”在文人心中究竟占据着怎样的地位？它是否被视为一种修身养性的途径，一种表达情怀的方式？书中是否会详细阐述“士人画”的理论，以及为何文人画会如此强调“写意”和“抒情”？我好奇，为何在中国画中，山水、花鸟、人物等不同的题材，又有着不同的理论侧重和表现手法？我希望能够理解，古代画家是如何通过对自然的观察和感悟，将其转化为笔下的艺术语言的。我也对书中是否会涉及到“笔墨”的理论体系感到期待，在我看来，笔墨是中国画的灵魂，而“笔墨”的运用，更是体现了画家功力与学养的关键。我担心的是，这本书会不会过于强调理论的空洞性，而忽略了与实际绘画操作的联系。我希望这本书能够提供一些关于古代绘画创作方法的理论指导，例如，画家是如何构思一幅画的，又是如何运用笔墨来表现物体的质感和神韵的。这本书能否让我窥探到古代画家们的心迹，从而更深入地理解他们的作品，是我最看重的一点。