芥子园画谱:山水画

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嘉兴巢勋古原本 编
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出版社: 文国
ISBN:9789862470893
版次:1
商品编码:16059752
包装:平裝
出版时间:2013-03-01
正文语种:繁體中文

具体描述

内容简介

  《芥子园画谱:山水画》乃清代巢勋之摹古原本,分山水画、梅兰竹菊、花鸟画等,是学习国画、临摹练习之最佳基础模板。

内页插图

前言/序言


翰墨丹青的奥秘:《芥子园画谱:山水画》内容详述 《芥子园画谱》素有“画圣”之称,乃清代画家王安节、王偕、王旿兄弟(合称“三王”)奉其父王蓍之命,汇集前人笔法、系统整理而成的一部集大成之作。此画谱并非仅止于山水一门,它涵盖了花卉、草虫、翎毛等多个领域,是传统中国画技法学习的圭臬。然而,您所提及的特定分册——《芥子园画谱:山水画》,其内容聚焦于中国山水画的创作精髓,旨在系统传授构建自然景观的笔墨法则与章法布局。 这部关于山水画的册页,其核心价值在于提供了一套结构清晰、循序渐进的教学体系,它将浩瀚的山水世界分解为可供习学者拆解、理解和模仿的基本元素。它绝非简单的图录或范画集,而是一部深入剖析“如何画山水”的技法手册。 一、 峦嶂起伏的骨法:论山石的画法 山水画的灵魂在于“骨法用笔”,而骨法主要体现在对山石的描绘上。此册页对山石的刻画进行了详尽的分类与解析,绝非笼统地教授几笔轮廓,而是深入到不同地域、不同形态山体的表现技巧。 1. 皴法的精妙运用: 《芥子园画谱:山水画》花费大量篇幅讲解了中国画中最为核心的“皴法”。这些皴法不仅是线条的组合,更是对山石纹理、地质构造和时间侵蚀效果的模拟。其中详述的皴法包括但不限于: 披麻皴: 侧重表现江南湿润、多植被覆盖的山体,线条多为散开的、轻柔的、如同麻纤维一般的笔触,体现一种温润的质感。 斧劈皴: 多用于表现北方雄壮、坚硬、棱角分明的山石,笔法刚劲有力,如斧凿般清晰锐利,强调山体的结构感和立体感。 荷叶皴与折带皴: 针对特定形态的山峰,荷叶皴强调弧度和厚重感,而折带皴则注重层次的叠压和岩石的断裂面。 每一类皴法,画谱都会配以实例和拆解图,清晰标注行笔方向、墨色的浓淡变化以及用笔的轻重缓急,指导学习者如何通过线条的干湿浓淡来塑造山石的凹凸、向背和质感。 2. 墨色的层次与晕染: 除了线条的皴法,山石的立体感还依赖于墨色的变化。该册页深入讲解了“墨分五色”在山水中的应用。从淡墨的起稿、中墨的勾勒,到浓墨的破墨和焦墨的点睛,学习者被引导如何通过墨色的叠加(渲染)来营造出山体的体积感和空气感,体现出“远者轻,近者重”的空间关系。 二、 生机盎然的点缀:论树木的画法 山水画中的树木,是赋予画面生命力的关键元素。它们不仅是装饰,更是划分空间、烘托气氛的重要媒介。 1. 树的结构与姿态: 画谱详细解析了各类树种的典型特征和表现方式。例如,松树的苍劲、梅树的虬曲、柳树的婀娜、竹子的清雅,每一种都有其独特的“法度”。学习者需掌握树干的转折、树枝的S形走势,以及如何通过不同的起笔收笔来体现树木的生命力与年龄感。 2. 点叶与圈皴的技巧: 在枝叶的描绘上,画谱重点教授了“点叶法”与“圈皴法”。点叶法强调叶片的组合与疏密关系,通过不同绿色的调和,表现出不同季节和光照下的叶子形态。而圈皴法则更多应用于表现特定树种的叶脉或群体效果。对于树的布点,画谱也强调了“米点法”等经典技法的运用,指导如何使树冠既有整体感又不失个体的灵动。 三、 气韵流动的灵魂:论水与云的画法 山水画的“水”与“云”,体现了“气”与“动”的要素,是营造意境的关键。 1. 水的描绘与动态: 此册页区分了平静水面、流动江河与汹涌瀑布的处理方式。平静的水面多采用留白或极淡的墨色晕染,辅以几笔细线勾勒涟漪。对于瀑布,则着重讲解了“分水线”的运用,即如何利用线条和墨色的对比,表现出水流的冲击力、飞溅的水雾以及岩石被水流冲刷的痕迹。 2. 云烟的虚实相生: 云与雾是中国山水画中营造“空灵”和“层次”的利器。画谱深入探讨了云的几种基本画法,例如: S形画法: 用于表现流动和缭绕的云气。 “留白法”与晕染: 强调云雾的虚幻性,通常以大面积的留白或用淡墨轻扫来暗示云的存在,而非硬性勾勒。 墨色的层次推进: 如何利用由浓到淡的墨色变化,表现云层的前后关系和深度,使画面富有呼吸感。 四、 布局与意境的营造:章法与点景 《芥子园画谱:山水画》的后期内容,转向了宏观的布局——即“章法”。它教导习者如何将上述元素有机结合,构建一个完整且富有逻辑的山水世界。 1. 远近高低的变化: 画谱系统讲解了“三远法”(高远、深远、平远)在构图中的实际应用。通过对透视关系和空间层次的把控,指导学习者如何运用墨色的浓淡和细节的繁简来制造视觉上的纵深感,引导观者的视线在画面中游走。 2. 点景与情景交融: 山水画需要点缀以增添人情味和尺度感。此册页讲解了亭台楼阁、茅屋、舟船以及人物的画法。这些点景元素必须严格遵循空间比例,并以简练的笔墨传达出特定的情境,如“一叶扁舟”体现的孤寂,“数点人家”体现的安宁。 总之,《芥子园画谱:山水画》是一部结构严谨、技法详尽的范本,它以系统化的方式,将中国传统山水画从基础笔墨训练,到结构分析,再到最终意境营造的全过程,进行了深入浅出的传授与总结。它所教授的,是构建传统山水画“气、韵、生、动”的内在逻辑与外在手法。

用户评价

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这本书的价值,我觉得远超乎了它本身的装帧和价格。它像是一扇通往中国传统艺术殿堂的窗户,让我得以窥见其中辉煌的景象。我尤其欣赏它在细节处理上的精细,比如对于留白的处理,它会告诉你留白不仅仅是“没画”,更是“画”的一部分,是用来表现虚幻、空灵之感的。又比如对于不同季节、不同天气下山水的表现,书中都有独到的见解和技法。我曾以为山水画就是一成不变的,但这本书让我看到了它的丰富性和多样性。它教会我,如何去观察一棵树,一条溪流,一片云,并从中提炼出绘画的元素。它不仅仅是教授技巧,更是引导我如何去“看”,如何去“感受”。阅读这本书的过程,本身就是一种艺术的熏陶。我感觉自己的审美情趣在不知不觉中得到了提升。它让我对中国传统文化有了更深的认同感,也让我更加珍视这份宝贵的艺术遗产。

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这本书,初见时,被“芥子园画谱”这几个字吸引,总觉得带有一种古典的韵味,像是古人留下的珍贵墨宝。而“山水画”更是直接点明了其内容,让我对即将翻开的书页充满了期待。我一直对中国传统山水画情有独钟,那些或浓或淡的墨迹,勾勒出的山峦叠嶂、云水流转,总能让我的心境沉静下来。想象着书中会展现怎样的壮丽景色,那些古人的笔触如何穿越时空,诉说着他们眼中的自然之美。我尤其好奇,在“芥子园画谱”这个经典的体系下,山水画又是如何被拆解、被教授的。是不是有详细的笔法讲解,亦或是构图的妙诀?我期待着能从中学习到一些实用的技法,不仅仅是欣赏,更能尝试着去描绘,去感受那份“笔墨纸砚”的乐趣。在快节奏的现代生活中,能有这样一本能够引人进入宁静致远世界的书,本身就是一种奢侈的享受。我希望这本书不仅仅是静态的图像展示,更能传递出中国画背后深厚的文化底蕴和哲学思考。

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翻开书页,扑面而来的是一种沉甸甸的笔墨气韵,仿佛能闻到纸张和墨水的清香。这本书的编排,在我看来,是非常注重循序渐进的。它不像那些一次性抛出大量复杂作品的书籍,而是很有耐心地从最基础的笔法开始讲解。每一个勾勒,每一次皴擦,似乎都有其深刻的道理。我尤其喜欢它对不同山石形态的描绘,那些细致入微的讲解,让我明白,原来看似简单的石头,在画师的手中,可以被赋予如此多样的生命力。它不是简单地告诉你“画山就这么画”,而是深入到“画一块石头,要先看它的结构,再用什么样的笔触去表现它的质感”。这种讲解方式,对于我这样想要从零开始学习山水画的人来说,简直是如获至宝。我感觉自己不再是茫然地望着画布,而是有了可以遵循的路径。书中的示范图,更是精妙绝伦,每一个细节都值得反复推敲。我常常会停下来,仔细对比文字讲解和图例,试图捕捉到那些不易察觉的巧妙之处。

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我曾经尝试过学习一些西方的写实绘画,那是一种精益求精,追求形似的艺术。但接触这本书后,我才真正体会到中国山水画的独特魅力。它不像西画那样强调光影和色彩的精确还原,而是更注重用线条和墨色来表现对象的精神气韵。书中对“气韵生动”的阐述,让我对“画意”有了更深的理解。它不是简单地复制一个山峰的形状,而是要画出这个山峰的“魂”。这本书的讲解,让我看到了这种“画魂”是如何通过不同的笔法、皴法来传达的。比如,对于松树的刻画,它会教你如何用不同的笔触表现树干的苍劲、树叶的疏密,从而营造出一种古朴、挺拔的意境。这种从“形”到“神”的转化,是这本书带给我的最大启发。我开始明白,为什么有些山水画,即使你看上去并没有那么“像”,却能让你感受到一种深沉的力量。它是一种写意,更是一种写心。

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阅读这本书的过程中,我最大的感受是,它不仅仅是一本教人画画的技术手册,更像是一本关于“观山”和“悟道”的书。作者在讲解笔法和构图的同时,似乎也在传递着一种古人对自然的敬畏和热爱。我注意到,书中多次强调“师法自然”,这让我意识到,绘画不仅仅是技巧的堆砌,更是对天地万物细致观察和深刻体悟的结晶。当我看到那些描绘云海、瀑布的章节时,我仿佛置身于其中,能感受到空气中弥漫的水汽,听到水流冲击岩石的轰鸣。这种身临其境的感受,是很多现代的图像信息所无法给予的。它让我明白,为何古人画山水,不仅仅是写景,更是寄情。每一笔,每一墨,都可能蕴含着画家的情怀和哲学。“芥子园画谱”这个名字本身就带有禅意,而山水画作为其重要组成部分,更是将这种意境发挥到了极致。我感觉自己在通过这本书,学习一种观照世界的方式,一种与自然和谐相处的心态。

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