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[德] 贝多芬 作曲 著

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540429584

商品编码：1463016021

包装：平装

出版时间：2003-04-01

基本信息

书名：贝多芬第五钢琴协奏曲:皇帝降E大调

原价：22.00元

作者：(德)贝多芬 作曲

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2003-04-01

ISBN：9787540429584

字数：

页码：197

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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�牨炊喾业谖甯智傩�奏曲，降E大调，OP.73，创作完成于1809年，当时贝多芬因失聪，已无法在演奏钢琴，这部作品于1811年11月28日，在德国首演，担任钢琴独奏的是斯纳德。三个月后，1812年2月12日，在维也纳首演，由贝多芬的学生车尔尼独奏，据说是听众中有一位深受感动的法国军官欢呼说，这部作品是：“钢琴中的皇帝。”，于是就有了皇帝的称号，这部作品包括三个乐章：1.快板，在全乐队演奏的一个气势恢宏的和弦开始，钢琴紧接着一长段气势磅礴的华彩。再接着乐队还有两次表达，每次表达后都是钢琴类似狂欢的爆发，没有一个乐章像这样的震
撼人心。2.稍活泼的柔板是一种夜曲般优美的歌唱。3.回旋曲，快板，又回到那种充满激情的喷发，在这种喷发的冲击中，钢琴似乎成了闪闪发亮的东西，整个乐队为只耀亮，于是是一片辉煌。这首协奏曲是贝多芬也是所有钢琴协奏曲中最花里最雄伟的作品。

目录

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I.快板
II.稍活泼的柔板
III.回旋曲，不太快的快板

作者介绍

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文摘

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序言

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《巴赫大提琴组曲：孤独的对话》 本书简介 一、 序曲：巴赫与无伴奏 本书并非一部单纯的音乐作品分析集，而是一次深入探究约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）晚期创作巅峰——《六首无伴奏大提琴组曲》（Cello Suites, BWV 1007-1012）的“心灵地图志”。我们不从宏大的历史叙事切入，而是选择了一条更私密、更具内省性的路径，聚焦于这位作曲家在柯滕（Cöthen）时期乃至后期的内心世界，以及他如何仅凭一把大提琴，构建起一个完整而自足的宇宙。 这部组曲，尤其是其创作背景和结构上的独特性，一直以来都是音乐学界的热点。然而，本书旨在剥离那些陈旧的理论框架，以一种近乎“口述史”的方式，重构听者与演奏者之间的关系。我们将探讨，当音乐只剩下一个声部——大提琴这一低沉、富有木质感的音色时，巴赫如何巧妙地利用对位法和和声的暗示，创造出多声部的幻觉。 核心论点之一：单音的复调魔法 大提琴组曲的伟大之处在于其“一即是多”。本书将用大量篇幅剖析巴赫如何运用精妙的音符组合，使听者的大脑自动填补缺失的和声。我们不会仅仅停留在技术层面的分析，而是结合当时的演奏实践（如琴弓的运用、指法的选择）来理解这种“暗示性复调”的听觉效果。例如，在第一号G大调组曲的“前奏曲”（Prelude）中，那些看似简单的琶音运动，实则是巴赫精心设计的和声行进轨迹，它们如同在沙盘上描绘的建筑蓝图，引导听众的情绪起伏。我们将引入对巴赫时代乐器改良的考察，探讨“五弦大提琴”的假设如何影响我们对这些乐曲早期演奏风格的理解。 二、 各组曲的“人格”侧写：从G大调的宁静到C小调的挣扎 本书将逐一梳理六首组曲，赋予每一首一个独特的情感标签，如同解读六位不同性格的肖像： 1. 第一组曲（G大调，BWV 1007）：黎明与和谐。 这首作品是进入巴赫大提琴世界的“入门之钥”。我们探讨其结构如何遵循了早期古典舞曲的典范，以及其旋律进行中蕴含的宗教慰藉感。这里是秩序的重建，是理性对混沌的初步掌控。 2. 第二组曲（D小调，BWV 1008）：阴影与哀歌。 特别关注其“萨拉班德”（Sarabande）——巴赫所有慢板乐章中最具戏剧张力的一段。它的下降线条和不协和音程，被解读为对逝去亲人的无声悼念，或是对存在困境的深刻反思。本书将比对早期的手稿版本，揭示巴赫在不同阶段对同一主题的处理差异，以小见大，窥见其创作的动态过程。 3. 第三组曲（C大调，BWV 1009）：建筑的辉煌。 这一组曲被誉为“大提琴的卡农”。我们聚焦于其赋格性的技巧，分析巴赫如何在单一旋律线上构建出复杂的多声部织体。它代表了一种技术上的胜利，一种对器乐潜能的极致发掘，其“布列”（Bourrée）的节奏感被赋予了强健的生命力象征。 4. 第四组曲（E大调，BWV 1010）：光芒与胜利。 这是一首充满活力与乐观精神的作品。其高昂的调性不仅在技术上对演奏者提出了要求，更在情绪上展现了巴赫对生命力的肯定。我们追溯了“奏鸣曲式”元素如何被巧妙地融入组曲结构中，使其具有更宏大的叙事感。 5. 第五组曲（C小调，BWV 1011）：深渊与低语。 这是一个引人深思的转折点。它采用法国风格的“舞曲”（Sarabande）而非传统意义上的“组曲舞曲”，并带有罕见的“注记”（Allemande）。重点分析其降D大调的“咏叹调”（Aria），这种短暂的调性偏移，如同在黑暗中点燃的蜡烛，带来极度的脆弱与美丽。 6. 第六组曲（D大调，BWV 1012）：精神的升华与高音区的探索。 这是巴赫为“五弦大提琴”或更高音区乐器而作的推测性作品。本书详细研究了其音域的扩展，特别是对高音区C弦的依赖。它标志着对既有音乐语法的超越，更像是一次对纯粹精神领域的攀登。 三、 演奏的哲学：从历史实践到当代诠释 本书的后半部分将转换视角，探讨这些作品在历史长河中的“生命力”。我们不会陷入早期乐器（如古提琴）与现代乐器（如“D大提琴”）的无谓争论，而是关注不同时代演奏者对巴赫意图的“再创作”。 我们会深入研究帕布罗·卡萨尔斯（Pablo Casals）的发现与重塑，探讨他在二十世纪初重新发掘这部组曲时所注入的个人情感和哲学深度。随后，我们将对比当代大师如罗斯特罗波维奇（Mstislav Rostropovich）的激情洋溢与杨·哈雷尔（Yo-Yo Ma）的典雅内敛，分析这些诠释差异如何揭示了巴赫音乐在不同文化背景下的多义性。 结语：静默中的回响 最终，本书试图传达一个观点：巴赫的《无伴奏大提琴组曲》并非是对某种“完美形式”的客观记录，而是作曲家在特定时空下，与自我进行的、最坦诚的、有时甚至是痛苦的对话。阅读本书，如同在聆听巴赫通过大提琴发出的低语，它要求听者放下外界的喧嚣，进入一个纯粹由线条、节奏和内在逻辑构筑的精神空间。 这不是一本关于“皇帝的协奏曲”的赞歌，而是对一位孤独的、在音乐的孤独中寻求真理的大师的深切致敬。本书适合所有对器乐的极简主义潜力、对巴赫的内省世界以及对音乐中“人类精神”的持久力量感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱的装帧简直是艺术品！拿到手的时候，那种厚重感和纸张的质地就让人心情愉悦。封面设计得低调而典雅，没有过多花哨的装饰，只是用一种沉静的墨色衬托出“皇帝”这个名字所蕴含的历史厚度。内页的印刷更是无可挑剔，五线谱清晰、油墨均匀，即使是那些快速的音群和复杂的琶音，也能一眼就能捕捉到它们的走向，这对于长时间对着谱子练习的演奏者来说，简直是福音。我尤其欣赏出版社在细节上的处理，比如指法标记的清晰度和力度记号的准确性，它们不是那种生硬的、印刷体的符号，而是仿佛经过一位资深钢琴教育家的仔细斟酌后标注上去的。翻阅它，就像是在与贝多芬本人进行一次跨越时空的对话，每一次指尖拂过纸面，都能感受到那个时代磅礴的浪漫主义气息，以及作品本身那种史诗般的宏大叙事感。我对手边的其他版本做过比较，这个版本的排版布局最为合理，特别是那些跨页的处理，完美避开了乐句的中间部分，保证了演奏过程中的一气呵成，极大地减少了阅读时的中断感。

评分☆☆☆☆☆

我购买过不少关于古典音乐的理论书籍，但很多都过于晦涩难懂，充满了专业术语，让人望而却步。这本书的叙述风格却非常平易近人，它成功地用一种充满激情但又不失深度的语言，将这部宏伟的协奏曲展现在我们面前。阅读体验流畅而愉悦，就好像一位学识渊博的音乐家坐在你的身边，带着你逐段欣赏这部杰作。尤其是在分析管弦乐队与钢琴的对话部分时，作者的笔触充满了画面感，你几乎可以“听见”圆号的温暖，大提琴的深沉，以及钢琴如何在这些色彩之间穿梭、交织。这种文学性的描述，极大地激发了我对这部作品的想象力和情感共鸣。它让我明白，这部作品远不止是钢琴炫技的舞台，它是一部关于人类精神史诗的浓缩，是贝多芬留给我们最深刻的、关于“人定胜天”的宣言。读完之后，我迫不及待地想再次坐到琴凳上，带着这份新的理解去重新演绎它。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我最大的困扰常常是技术瓶颈的突破。这部作品的某些段落，尤其是第三乐章的炫技部分，常常让人望而生畏。然而，这本书在技术指导方面的处理方式，堪称教科书级别。它没有简单粗暴地给出“多加练习”的建议，而是针对性地拆解了那些最令人头疼的音型。它详细分析了手型在特定段落中的最佳预备姿势，以及如何运用身体的重量而非单纯的手指力量来应对那些快速的跑动。最让我受益匪浅的是关于踏板使用的细致论述——以往我都是凭感觉踩踏板，现在书中提供了基于乐句呼吸和声部交织的精细化建议，比如何时应该“半踩”或“快速释放”，这极大地提升了我演奏的清晰度和层次感。自从开始参照这些指导进行练习，我感觉自己对钢琴键盘的掌控力提升了一个档次，不再是机械地完成音符，而是真正开始“歌唱”了。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对购买这本乐谱还有点犹豫，毕竟市面上关于这部协奏曲的资料和版本多如牛毛。但当我真正开始研读这份乐谱时，我才意识到，它提供了一种极其深刻且富有洞察力的解读视角。它不仅仅是音符的堆砌，更像是一份详细的演奏指南，或者说，是一份作曲家意图的忠实记录。作者在序言中对于降E大调在古典音乐中的象征意义，以及贝多芬创作这部作品时所处的时代背景的分析，着实让我眼前一亮。这种历史的厚重感，使得我对那些看似简单的和弦进行，也能产生全新的理解。我发现自己不再仅仅关注于“如何弹奏”这些技术细节，而是开始思考“为什么”要这样弹奏。那种关于英雄主义、胜利与沉思的哲学探讨，通过这份详尽的文本，被巧妙地融入到对乐曲结构和和声色彩的分析之中。这本书成功地架起了一座桥梁，连接了纯粹的音乐技术与深层的艺术哲学。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我是一个对“版本差异”非常敏感的人。在研究这部协奏曲时，不同指挥家和演奏家对同一乐句的处理常常大相径庭，这让人在学习时感到无所适从。这本书最大的价值，在于它仿佛扮演了一位公正的“仲裁者”。它并非固执地推崇某一个历史版本的诠释，而是将几个关键的历史时期——从早期维也纳学派到浪漫主义盛期——对乐谱中争议性段落的处理方式进行了并置和对比分析。例如，关于第二乐章中那一著名的、近乎冥想般的柔板部分，书中列举了不同时代对力度记号“p”与“pp”理解的微妙变化，并探讨了这种变化如何影响了乐曲的整体情感基调。这种学术上的严谨和开放性，使得读者可以根据自己的理解和乐器的特性，形成属于自己的、同时又根植于传统之上的演绎。这对于追求个人风格的演奏者而言，是极其宝贵的资源。