色彩的高度（2）/高等院校美术类学生专业参考大系 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李振鹏 编

图书标签:

• 色彩学
• 绘画
• 美术
• 高等教育
• 专业参考
• 色彩理论
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• 设计
• 艺术
• 教材

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534062582

版次：1

商品编码：12365852

包装：平装

丛书名： 高等院校美术类学生专业参考大系

开本：16开

出版时间：2018-04-01

用纸：胶版纸

页数：300

字数：46000

正文语种：中文

内容简介

　　色彩是绘画艺术的重要因素，对色彩的理解和表现是绘画创作的关键。对于学习绘画的人来说，色彩学习的方法，除了对表现对象的仔细观察与充分理解之外，对历代大师作品的分析与研究也是一个重要途径。
　　《色彩的高度（2）/高等院校美术类学生专业参考大系》选编了从文艺复兴艺术到现代艺术中特点鲜明的代表性作品，它们丰富的表现力带领我们进入绘画艺术的色彩世界。这些大师们的色彩杰作使我们能直观地体验到对于色彩的观察理解和描绘表现，呈现出了每位大师眼中不同的色彩世界。

内页插图

目录

阿尔布雷特·丢勒
拉斐尔
提香
乔凡尼·吉罗拉莫·萨沃尔多
汉斯·荷尔拜因
埃尔·格列柯
彼得·保罗·鲁本斯
弗朗斯·哈尔斯
亨德里克·特尔·布吕根
乔治·德·拉图尔
安东尼·凡·代克
迭戈·委拉斯贵兹
伦勃朗
维米尔
让一安东尼·华托
让一艾蒂安·利奥塔
托马斯·庚斯博罗
约翰·康斯泰伯尔
雅克一路易·大卫
让一奥古斯特一多米尼克·安格尔
西奥多·籍里柯
让·巴蒂斯特·卡米尔·柯罗
欧仁·德拉克洛瓦
古斯塔夫·库尔贝
威廉·阿道夫·布格罗
卡米耶·毕沙罗
爱德华·马奈
埃德加·德加
雅姆·蒂索
保罗·塞尚
詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒
奥迪隆·雷东
克劳德·莫奈
皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿
玛丽·卡萨特
伊里亚·叶菲莫维奇-列宾
保罗·高更
文森特·凡·高
约翰·辛格·萨金特
古斯塔夫·克里姆特
亨利·马蒂斯

前言/序言

　　色彩是绘画艺术的重要因素，对色彩的理解和表现是绘画创作的关键。对于学习绘画的人来说，色彩学习的方法，除了对表现对象的仔细观察与充分理解之外，对历代大师作品的分析与研究也是一个重要途径。本书选编了从文艺复兴艺术到现代艺术中特点鲜明的代表性作品，它们丰富的表现力引领我们进入绘画艺术的色彩世界。这些大师们的色彩杰作使我们能直观地体验到对于色彩的观察理解和描绘表现，呈现出了每位大师眼中不同的色彩世界。
　　美术史上每个时期的作品都会创造出不同的面貌，文艺复兴美术以体现人文主义思想为宗旨，在追溯和复兴古希腊与古罗马艺术精神的旗帜下，创造了符合人性的崭新艺术，产生了文艺复兴三杰以及流传至今的经典杰作，比如拉斐尔就是以其塑造的秀美典雅的圣母形象深入人心，他的圣母像寓崇高于平凡，被誉为美和善的化身，最充分地体现了人文主义的理想。此外，同时期的丢勒、荷尔拜因等也创造了古典绘画艺术的高峰。文艺复兴之后的欧洲先后出现了巴洛克艺术、洛可可艺术、新古典主义、浪漫主义等诸多流派。巴洛克艺术崇尚激情和运动，强调华丽绚烂的装饰性，这种风格体现在绘画、雕塑和建筑等各艺术门类中，其中绘画的色彩表现力更是颇具代表性。随后洛可可风格在法国兴起，波及欧洲其他国家，它的特点是营造华丽纤巧和精致，画中主角不再是圣贤、骑士，而是宫廷的朝臣、贵族，画面造型显得细致、淡雅而纤细，让一安东尼·华托的作品就充分展现了这些特点。随着法国资产阶级大革命的到来，欧洲的艺术家们再次重振了古典的英雄主义精神，展开了一场新古典主义艺术运动，其代表画家是雅克一路易·大卫和让一奥古斯特一多米尼克·安格尔。浪漫主义随着新古典主义的衰落而兴起，欧仁·德拉克洛瓦和西奥多·籍里柯被视为浪漫主义绘画的先驱与代表，我们能够从他们的作品中感受到浪漫主义用笔奔放、感情强烈的特点。19世纪中期是现实主义美术蓬勃发展的时期，古斯塔夫·库尔贝是其倡导者。19世纪后期印象派以创新的姿态反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则，画家们受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中表现光的效果，达到了绘画艺术中色彩表现的高峰，爱德华·马奈、克劳德·莫奈、卡米耶·毕沙罗、皮埃尔一奥古斯特·雷诺阿、埃德加·德加的作品充满了灵动的光感与跃动的色彩。印象派之后保罗·塞尚、文森特·凡·高和保罗·高更则以后印象派的面貌展现了不同的艺术追求，其中凡·高着力于表现自己强烈的情感，色彩强烈的向日葵系列最为著名，高更的画更具有象征性的寓意和装饰性的线条，塞尚的绘画则追求几何性的形体结构。20世纪以来，野兽派、立体主义、表现主义、超现实主义、后现代主义精彩纷呈，流派迭出，现代美术呈现出千姿百态的局面，艺术家们对色彩的不同理解与表现都充分展现了他们的丰富个性和独特表现力。
　　大师们绘画中所表现出的色彩的高度展现了色彩的丰富表现力，能够带给读者极大的审美满足，使我们更深刻地理解色彩这一充满魔力的造型语言。和其他造型要素相比较，色彩能更直观地表现艺术家对丰富多彩世界的观察与认识，并通过独特而富有个性的技巧，为我们展现艺术家们眼中的世界。

《色影流光：色彩的感知与表现》 编著者：[此处填写作者姓名，例如：张伟，李芳，王强] 出版社：[此处填写出版社名称，例如：中国美术学院出版社，人民美术出版社] 出版日期：[此处填写出版日期，例如：2023年10月] 定价：[此处填写定价，例如：XX元] ISBN：[此处填写ISBN号] 内容简介： 《色影流光：色彩的感知与表现》是一部深入探究色彩科学、艺术实践与视觉传达之间精妙联系的专著。本书旨在为高等院校美术类专业学生提供一套系统、前沿的色彩理论框架与实践指导，帮助他们深刻理解色彩的本质，掌握色彩的运用规律，并最终能在艺术创作中游刃有余地驾驭色彩，传达丰富的情感与思想。 本书并非简单罗列色彩的物理属性或色谱分类，而是着眼于色彩在人类感知、心理活动、文化象征以及现代设计中的多维度作用。我们将色彩的奥秘层层剥开，从最基础的物理光学原理出发，循序渐进地深入到色彩心理学、色彩美学、色彩构成以及色彩在不同艺术媒介和设计领域的具体应用。 第一部分：色彩的科学基石——视觉与感知 在本书的第一部分，我们将首先带领读者走进色彩的科学世界。这里，我们将详细阐述： 光与色的本质：深入剖析可见光的光谱构成，解释不同波长的光如何对应我们所见的颜色。我们将探讨光源的色温、显色指数等概念，以及它们对色彩感知的影响。 眼睛的色彩接收机制：介绍人眼视锥细胞的结构与功能，阐释我们如何通过视锥细胞感知红、绿、蓝三原色，并由此构成丰富多彩的视觉世界。我们将讨论色盲、色弱等视觉现象，并分析它们对色彩理解的潜在影响。 色彩的生理与心理感知：色彩的感知并非纯粹的物理过程，更与个体的生理和心理状态息息相关。我们将深入探讨色彩的对比度、明度、饱和度如何影响我们的视觉体验，以及色彩的视觉残留、同时对比等现象。同时，我们还将剖析色彩在心理层面产生的普遍性联想，例如暖色调带来的温暖、活跃感，冷色调带来的宁静、沉思感。 第二部分：色彩的语言体系——理论与构成 色彩作为一种强大的视觉语言，拥有其独特的语法和表达方式。第二部分将聚焦于色彩的理论体系和构成法则： 色彩的物理属性与分类：系统介绍色彩的三个基本属性：色相（Hue）、明度（Value/Lightness）和饱和度（Saturation/Chroma）。我们将详细讲解国际通用的色彩模型，如RGB、CMYK，以及更贴近人类感知的CIELAB等，并分析它们在不同应用场景下的适用性。 色彩混合与调和：详细阐述加色混合与减色混合的原理，以及它们在绘画、印刷等领域中的实际应用。我们将重点讲解色彩调和的法则，包括邻近色、互补色、同类色等搭配方式，分析不同色彩关系带来的视觉效果和情感表达。 色彩的和谐与对比：探讨色彩和谐的构成要素，如何通过色彩的组织与布局创造视觉的统一与平衡。同时，我们将深入研究色彩对比的多种形式（如明度对比、色相对比、饱和度对比、面积对比等），以及如何运用对比来突出重点、增强视觉冲击力。 色彩的意象与象征：色彩不仅仅是视觉信息，更是承载着丰富的文化内涵和情感象征。我们将梳理不同文化中色彩的象征意义，例如红色在中国传统文化中的吉祥、喜庆，白色在西方文化中的纯洁、神圣，蓝色在不同文化中可能代表的忧郁、宁静或广阔。我们将探讨色彩如何通过联想、比喻等方式，引发观者的情感共鸣。 色彩构成原理：介绍色彩构成在平面设计、绘画等领域的应用。我们将探讨如何通过色彩的组织、排列、组合，形成具有艺术感染力的视觉画面，包括色彩的韵律、节奏、重点等构成要素。 第三部分：色彩的艺术实践——媒介与应用 理解了色彩的科学与理论基础，第三部分将带领读者将这些知识转化为生动的艺术实践。我们将在本部分重点探讨： 绘画中的色彩运用：从传统绘画到现代绘画，分析不同流派和艺术家是如何运用色彩来塑造物象、表达情感。我们将解析油画、水彩、水墨、版画等不同绘画媒介中色彩的特性与表现力。 设计中的色彩策略：色彩在现代设计领域扮演着至关重要的角色。本书将深入探讨品牌识别、广告宣传、产品包装、室内设计、网页设计等不同设计门类中色彩的策略性运用。我们将分析色彩如何影响消费者的购买决策、提升品牌形象、营造空间氛围。 摄影与影像中的色彩：在摄影和数字影像领域，色彩的控制和表现同样是核心技艺。我们将讨论白平衡、色彩校正、滤镜运用等技术手段，以及如何通过色彩来营造特定的情绪和叙事。 色彩的趋势与创新：色彩的潮流随着时代发展而不断变化。我们将关注当前国际色彩机构发布的年度流行色，分析其产生的社会文化背景，并探讨未来色彩发展的可能趋势，鼓励学生积极探索和创新色彩的运用。 第四部分：色彩的综合训练——技法与实验 理论的深度最终需要通过实践来检验和升华。在本书的最后一部分，我们将提供一系列的训练方法与实验指导： 色彩感知与观察练习：引导学生通过细致入微的观察，提升对色彩细微差别的感知能力。我们将提供大量的视觉案例，鼓励学生分析色彩的冷暖、纯度、明度变化。 色彩调配与控制训练：提供不同媒介的色彩调配练习，帮助学生熟练掌握颜料的混合比例，以及如何通过色彩控制达到预期的视觉效果。 色彩情感表达实验：鼓励学生尝试用不同的色彩组合来表达抽象的情感，例如喜悦、悲伤、愤怒、宁静等，通过实验探索色彩的情感传达力量。 主题色彩设计项目：设置一系列具有挑战性的色彩设计项目，例如为特定主题创作海报、设计服装系列、打造室内空间风格等，让学生在实际应用中整合所学知识。 数字色彩工具的运用：介绍当前主流的数字绘图和设计软件中色彩工具的使用方法，如Adobe Photoshop、Illustrator、Procreate等，帮助学生掌握数字时代的色彩创作技能。 本书特色： 体系化与前沿性：本书紧密结合高等院校美术教育的教学需求，构建了从基础理论到前沿应用的全方位知识体系，内容涵盖了色彩科学、色彩美学、色彩心理学以及多元化的艺术与设计实践。 理论与实践的深度融合：本书不拘泥于纯粹的理论说教，而是将理论知识与丰富的案例分析、实践指导相结合，让学生在理解理论的同时，能够快速掌握色彩的实际运用方法。 丰富的视觉案例：书中穿插了大量国内外经典艺术作品、设计优秀案例的色彩分析，辅以精美的插图和图表，直观地展现色彩的魅力与力量。 启发性与创造性：本书旨在激发学生对色彩的探索热情，培养他们的独立思考能力和创新精神，鼓励他们在掌握色彩规律的基础上，形成自己独特的色彩语言。 面向未来：本书不仅关注当下，也着眼于未来色彩发展趋势，引导学生掌握适应数字化时代和多元文化背景下的色彩知识与技能。 目标读者： 本书是高等院校美术、设计、艺术史、视觉传达等相关专业本科生、研究生的必备参考书。同时，也适用于对色彩有浓厚兴趣的广大艺术爱好者、设计师、插画师、艺术家以及任何希望提升自身色彩感知与应用能力的人士。 《色影流光：色彩的感知与表现》将是您通往色彩世界的钥匙，它将引导您在光影的交织中，发现色彩的无限可能，并用之于您的艺术创作，赋予作品生命与灵魂。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉就像是在一个色彩的宇宙中航行，每一次翻页都是一次新的发现。我尤其喜欢书中关于“色彩的层次感”和“色彩的节奏感”的论点，它们不仅仅是关于视觉上的呈现，更是一种对画面整体韵律的把握。作者通过讲解如何运用不同的色彩关系，比如邻近色、对比色、互补色等，来营造画面的深度和动感，这让我对如何构建一个富有生命力的画面有了全新的认识。 我曾一度陷入对色彩的迷茫，不知道如何让自己的作品在视觉上更具吸引力。这本书就像一盏明灯，点亮了我创作的道路。它不仅仅是告诉我如何搭配颜色，更重要的是教会我如何理解颜色背后的语言，如何让颜色为我的创意服务。通过书中对不同色彩体系的讲解，我开始学会如何根据不同的主题和风格，构建一套属于自己的色彩逻辑，这对于我的设计工作来说，是极大的提升。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容确实非常扎实，每一页都充满了作者对色彩的深度思考和独到见解。我特别欣赏书中关于“色彩的记忆”这一概念的阐释，它不仅仅是关于视觉上的色彩，更是关于色彩与我们过往经历、文化背景的联系。作者通过大量的案例分析，揭示了色彩是如何勾起我们内心深处的回忆，以及如何通过色彩来唤起特定的情感共鸣。 更重要的是，这本书教会了我如何“读懂”色彩。它不仅仅是告诉你如何选择颜色，而是引导你去思考，为什么这个颜色在这里会产生这样的效果？它是否符合你想要表达的主题？它是否能够触动观者的情感？这种由“术”到“道”的升华，让我对色彩的理解上升到了一个新的层面。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，色彩的奥秘远不止于我们肉眼所见，而这本书，就带领我一步步探索了色彩的深层宇宙。我尤其喜欢书中关于“色彩的意境”的讨论，它不仅仅是关于视觉上的美感，更是关于色彩所能营造出的那种难以言喻的氛围和情绪。作者通过对不同艺术流派的色彩运用进行分析，让我更加理解了色彩如何成为一种情感的载体，如何通过视觉语言传递超越文字的深度。 书中的“色彩的和谐与冲突”章节，更是让我醍醐灌顶。它不仅仅是关于简单的色彩搭配，而是关于如何通过色彩的巧妙组合，来达到一种微妙的平衡，或者通过强烈的对比，来制造出令人难忘的视觉冲击。这让我意识到，色彩的运用是一门艺术，更是一门科学，需要我们深入理解其内在的规律。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受是，它让我重新认识了“色彩”这个词的重量。它不仅仅是关于颜料的混合，更是关于情感的表达，关于文化的传承，关于我们对世界的感知。我特别喜欢书中关于“色彩的演变”这一部分，它不仅仅是从历史的角度讲述了不同时代、不同地域的色彩审美变化，更是从社会、文化、科技等多个层面，分析了这些变化背后的驱动力。 我曾一度在创作中陷入瓶颈，感觉自己的色彩运用总是那么的“普通”。这本书就像是一剂强心针，它打开了我对色彩的全新视角。它不仅仅是传授技巧，更是启发我的思考。我开始主动去观察生活中的色彩，去感受色彩带来的情绪，去思考色彩与我想要表达的主题之间的联系。这本书，让我看到了色彩无限的可能性，也让我对自己的艺术创作充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我当初是被这本书的封面设计所吸引，但真正让我爱不释手的，是它内容中那种“授人以渔”的智慧。它不仅仅告诉你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做”。比如，在讲解如何构建色彩体系时，作者没有直接给出模板，而是引导读者去分析不同主题、不同风格所需要的色彩倾向，并在此基础上，提供了一套科学而灵活的方法论。这套方法论涵盖了从色彩心理学、色彩生理学到色彩文化学的多重维度，让我能够根据实际需求，自主地设计出符合主题的色彩方案。 我特别欣赏书中关于“色彩与情绪”的章节，它用大量生动的案例，揭示了色彩如何影响人们的情绪和心理状态。比如，如何运用冷暖色调来营造不同的空间氛围，如何通过色彩的饱和度和明度来表达不同的情感强度。作者甚至还引用了一些神经科学的研究成果，解释了色彩刺激在人脑中的反应机制，这让我对色彩有了更科学、更客观的认识。总而言之，这本书不仅仅是一本技术手册，更是一本启发思维、提升审美、赋能创作的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了一本名为《色彩的高度（2）/高等院校美术类学生专业参考大系》的书，虽然书名有些学术化，但内容绝对是干货满满。这本书不仅仅是简单的色彩理论堆砌，更像是一本循序渐进的色彩修炼手册。我特别欣赏它对色彩的理解不仅仅停留在 RGB 和 CMYK 的技术层面，而是深入挖掘色彩背后的情感、文化以及心理学意义。它会告诉你为什么某些颜色组合能引发宁静，而另一些则会带来激情；它会解析不同地域、不同时代的人们是如何看待和使用色彩的，这让我对色彩的感知维度有了全新的认识。 比如，书中对于“补色对比”的阐述，不仅仅是简单地罗列出哪些颜色互为补色，更重要的是分析了它们在视觉上的相互作用，如何通过巧妙的运用，让画面产生强烈的视觉冲击力和空间感，又或者如何通过微小的色调偏移，避免刺眼，达到微妙的和谐。作者甚至还举例了许多经典艺术作品，详细剖析了艺术家是如何在构图、光影之下，运用补色对比来塑造人物性格、烘托场景氛围的。这部分内容对我个人创作的启发尤其大，让我开始重新审视自己的作品中色彩的运用，不再是简单的“好看”，而是思考色彩是否能更好地传达我想表达的情感和主题。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，色彩的魅力在于它的变幻莫测，而《色彩的高度（2）》这本书，恰恰捕捉到了这种精髓。它不仅仅是关于色彩的科学原理，更是关于色彩的艺术表达。书中对色彩心理学的运用，让我深刻理解了色彩是如何影响我们的情绪和行为的。例如，如何利用暖色调来营造温馨舒适的氛围，如何通过冷色调来体现冷静和理性。 最令我印象深刻的是，书中对色彩在不同媒材上的表现差异进行了详细的分析。无论是油画、水彩还是数字绘画，每一种媒材都会赋予色彩独特的生命力。作者通过对比不同媒材下同一色彩的表现，让我更深刻地理解了色彩的物质性和感知性之间的关系。这对于我这样的艺术家来说，无疑是极具指导意义的。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的像是一个色彩世界的百科全书，又不仅仅是知识的罗列。它巧妙地将枯燥的色彩理论，通过大量精美的插图和案例，变得生动有趣。我尤其喜欢它对不同艺术流派的色彩运用进行的深入剖析，从印象派的光影色彩，到野兽派的纯粹色彩，再到抽象派的情感色彩，都进行了细致入微的解读。这让我不仅仅是学习到色彩的技法，更能理解不同时代、不同风格的艺术家是如何通过色彩来表达他们对世界的看法和情感的。 书中的“色彩搭配禁忌”和“色彩搭配秘诀”章节，虽然听起来像是简单的技巧分享，但作者却将其上升到了理论高度。它不仅仅告诉你哪些颜色不能轻易搭配，更重要的是解释了为什么会有这样的禁忌，以及在突破禁忌时需要注意的原则。这让我对色彩搭配有了更深的理解，不再是盲目地遵循规则，而是能够根据自己的创作意图，灵活地运用色彩，甚至创造出独具风格的色彩组合。我个人认为，这本书对于任何想要在视觉艺术领域有所建树的人来说，都是一本不可或缺的参考书。

评分☆☆☆☆☆

我一直对色彩的感知和运用有着浓厚的兴趣，市面上也看过不少相关的书籍，但《色彩的高度（2）》这本书带给我的震撼是前所未有的。它不仅仅是关于颜色本身的物理属性，更是关于色彩如何触动人心，如何影响我们对世界的感知。书中对色彩与情感的连接进行了极为深刻的探讨，作者通过对大量艺术作品的分析，揭示了色彩是如何被用来传达喜悦、悲伤、愤怒、平静等各种复杂情感的。 更让我着迷的是，书中对色彩在不同文化中的象征意义进行了详尽的阐述。比如，在西方文化中，白色通常代表纯洁和神圣，而在东方文化中，它可能与哀悼和死亡相关联。这种跨文化的比较，让我更加理解了色彩的丰富性和多义性，也为我的创作提供了更广阔的思考空间。这本书不是简单地灌输知识，而是引导我主动去探索、去感受，去发现色彩的无限可能性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计也相当合理，从基础的概念引入，逐步深入到复杂的色彩体系构建。我尤其喜欢它在讲解色彩和谐性时，不仅仅局限于单一的色彩模型，而是引入了心理学、生理学等多方面的视角。它会探讨色彩对人情绪的影响，比如蓝色带来的平静，红色激发的活力，绿色象征的生机等等，并将其与艺术创作中的色彩运用紧密结合。书中还引用了大量不同文化背景下的色彩象征意义，例如在中国传统文化中，红色代表喜庆和吉祥，而在西方文化中，它可能更多地与爱情或危险联系在一起。这种跨文化的对比分析，极大地拓展了我的视野，让我意识到色彩的意义并非固定不变，而是与社会、文化、历史紧密相连。 更让我感到惊艳的是，书中并没有回避色彩理论中的一些“灰色地带”，比如色彩的感知是主观的，如何在这种主观性中找到普遍的规律，作者通过大量的案例研究和实验数据，给出了非常具有说服力的解答。它引导读者去思考，艺术家在创作过程中，是如何在感性与理性之间找到平衡点，既遵循色彩的科学规律，又不失艺术的自由表达。对于我这样一个在色彩运用上常常感到迷茫和瓶颈的设计师来说，这本书就像一座灯塔，照亮了我前进的方向，让我对色彩的理解不再停留在表面，而是有了更深层次的体悟。