西方音乐史及作品赏析/高等院校音乐课程“十三五”规划立体教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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徐玲，张祎，薛睿韬 等 编

图书标签:

• 西方音乐史
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• 音乐课程
• 十三五规划
• 音乐作品
• 艺术史
• 音乐文化

出版社： 华中师范大学出版社

ISBN：9787562277996

版次：1

商品编码：12325714

包装：平装

丛书名： 高等院校音乐课程“十三五”规划立体教材

开本：16开

出版时间：2017-08-01

用纸：胶版纸

页数：172

字数：301000

正文语种：中文

内容简介

　　《西方音乐史及作品赏析/高等院校音乐课程“十三五”规划立体教材》旨在建立多维立体的西方音乐史及作品欣赏的学习模式。“以史为线，以欣赏为链”，横向以古希腊到20世纪的西方音乐发展史为脉络，纵向设立“名作欣赏”二维码链接，各章尽量做到理论知识点历史沿革的连续性。在欣赏曲目的安排上多选择西方音乐历史上的经典之作，部分作品兼顾了中小学新课标教材涉及的相关曲目，以体现音乐教育专业教材的实用性。与以往的西方音乐史及欣赏教材不同的是，《西方音乐史及作品赏析/高等院校音乐课程“十三五”规划立体教材》的曲目欣赏部分的作品需要读者扫二维码进入欣赏的设计页面和网络资源链接，二维码资料中还包括相关知识的拓展阅读和拓展欣赏曲目，读者可在读史论知识的同时听赏作品，从而增强感性认知，使音乐史论知识立体化，同时加强读者与编者的互动。

内页插图

目录

第一章 古希腊和古罗马音乐
第一节 古希腊的音乐生活
一、抒情诗歌的繁荣
二、古希腊悲剧艺术
三、古希腊的乐器
第二节 古希腊的音乐理论
一、古希腊的基础音乐理论
二、古希腊音乐的教化功能
第三节 罗马帝国的音乐及音乐活动
一、罗马帝国的世俗音乐活动
二、早期的基督教音乐

第二章 中世纪音乐
第一节 格里高利圣咏的形成与横向发展（第一阶段）
一、格里高利圣咏的形成和基本音乐特征
二、圣咏在教会中的运用
三、格里高利圣咏的横向扩展
第二节 格里高利圣咏的纵向发展（第二阶段）
一、早期的复调音乐
二、圣母院乐派的复调音乐
三、经文歌
第三节 中世纪的音乐理论和世俗音乐
一、中世纪早、中期的音乐理论
二、世俗音乐
三、中世纪器乐
第四节 14世纪新艺术时期的音乐（第三阶段）
一、法国新艺术
二、纪尧姆·德·马肖
三、14世纪的意大利音乐

第三章 文艺复兴时期的音乐
第一节 文艺复兴早期到法国一弗兰德乐派
一、英国音乐对欧洲大陆的影响
二、勃艮第乐派
三、法国一弗兰德乐派
第二节 16世纪宗教改革和反宗教改革的音乐
一、宗教改革的音乐
二、反宗教改革的音乐——罗马乐派
三、威尼斯乐派
第三节 16世纪的世俗音乐
一、世俗歌曲的体裁
二、16世纪的器乐音乐

第四章 巴洛克时期音乐（1600年一1750年）
第一节 概述
一、巴洛克时期的音乐生活
二、巴洛克时期的音乐特征
第二节 歌剧的产生及早期的发展
一、概述
二、歌剧的产生及其在意大利的发展
三、歌剧在其他国家的发展
第三节 其他大型声乐体裁
一、清唱剧
二、康塔塔
三、受难乐
第四节 器乐音乐的发展
一、巴洛克时期的乐器
二、巴洛克时期器乐体裁的发展
第五节 巴赫和亨德尔
一、巴赫
二、亨德尔
第六节 巴洛克时期的其他作曲家
一、科雷利与小提琴艺术
二、维瓦尔第与协奏曲
三、D．斯卡拉蒂与奏鸣曲
四、库普兰与羽管键琴曲
五、拉莫与《和声学》

第五章 古典主义时期的音乐
第一节 概述
一、古典主义时期的音乐生活
二、古典主义时期的音乐风格
第二节 前古典主义时期的器乐
一、奏鸣曲
二、弦乐四重奏
三、协奏曲
四、交响曲
第三节 前古典主义时期的歌剧及其他声乐体裁
一、喜歌剧的兴起与繁荣
二、格鲁克和他的歌剧改革
三、其他声乐体裁
第四节 海顿和莫扎特
一、海顿
二、莫扎特
第五节 贝多芬
一、生平
二、器乐创作
三、声乐作品
四、历史地位及评价

第六章 浪漫主义时期的音乐（上）
第一节 概述
一、浪漫主义时期的基本情况
二、浪漫主义产生的历史背景
三、浪漫主义的音乐观念
四、浪漫主义音乐的基本特征
第二节 舒伯特与舒曼
一、舒伯特
二、舒曼
第三节 门德尔松与肖邦
一、门德尔松
二、肖邦
第四节 柏辽兹与李斯特
一、柏辽兹
二、弗朗兹·李斯特
第五节 韦伯、瓦格纳、勃拉姆斯和布鲁克纳
一、韦伯
二、理查德·瓦格纳
三、勃拉姆斯
四、布鲁克纳
第六节 晚期浪漫乐派
一、马勒
二、理查德·施特劳斯

第七章 浪漫主义时期的音乐（下）
第一节 19世纪的法国和意大利歌剧
一、法国大歌剧和抒情歌剧
二、从罗西尼到威尔第
三、真实主义歌剧及普契尼、马斯卡尼、雷昂卡瓦洛
第二节 民族乐派（上）——俄罗斯音乐文化
一、民族乐派概述
二、俄罗斯音乐文化
第三节 民族乐派（下）
一、捷克——斯美塔那与德沃夏克
二、挪威——格里格
三、芬兰——西贝柳斯
第四节 法国印象主义音乐
一、德彪西
二、拉威尔
三、印象主义音乐的风格特征

第八章 20世纪的音乐
第一节 概述
一、导言
二、音乐生活
三、音乐风格及理论
四、20世纪的音乐体裁
第二节 表现主义
一、勋伯格
二、贝尔格和韦伯恩
第三节 新古典主义
一、斯特拉文斯基
二、兴德米特
三、萨蒂和“法国六人团”
第四节 新民族主义
一、匈牙利音乐
二、英国音乐
三、美国音乐
第五节 1945年以前的其他形式
一、苏联音乐
二、微分音音乐和噪音音乐
第六节 1945年以后的先锋派
一、序列音乐
二、偶然音乐
三、电子音乐
四、新音色
第七节 20世纪70年代以后的音乐
一、简约派和拼贴
二、第三潮流和新浪漫主义
三、流行音乐

参考文献

前言/序言

　　音乐是一门独特而抽象的艺术，其特殊的属性决定了音乐的历史不同于一般的通史。对音乐历史的了解不仅要对其发展的各阶段的历史文化、政治经济、哲学宗教、文艺思潮乃至人们的心理状态有所了解，更重要的是音乐历史的学习离不开对音乐作品的理解和认知，还要以音乐作品欣赏作感性支撑。不同历史时期的音乐作品所承载的信息有时比音乐历史常识的介绍更具说服力，然而只有音乐作品欣赏没有史料及文化背景的支撑，音乐欣赏又会陷入尴尬的境地。因此在音乐历史的学习中音乐与历史是一枚双刃剑。如果说音乐史是理性的，音乐欣赏则是感性的，理性与感性二者结合，相辅相成、缺一不可。
　　西方音乐是伴随着西方文明而诞生的艺术，在特定的历史环境下形成了相比其他区域而言更为科学规范的学术体系，并且有着极为严谨清晰的历史沿袭。国人在对西方音乐的学习中首要面对的是：地域差异、文化差异、时空差异这三大差异。本书力图从宏观上介绍西方音乐历史上不同时期的文化思潮、姊妹艺术作品、音乐社会活动及风格流派和作曲家生平，并对经典作品加以微观的分析与品评。在史实介绍上注重与音乐作品的结合，在音乐欣赏中注重从文化的根源上获取音乐审美的理性支撑，从而达到理论与实践的结合.让读者获得在感性及理性上的全面认识。
　　本书旨在建立多维立体的西方音乐史及作品欣赏的学习模式。“以史为线，以欣赏为链”，横向以古希腊到20世纪的西方音乐发展史为脉络，纵向设立“名作欣赏”二维码链接，各章尽量做到理论知识点历史沿革的连续性。在欣赏曲目的安排上多选择西方音乐历史上的经典之作，部分作品兼顾了中小学新课标教材涉及的相关曲目，以体现音乐教育专业教材的实用性。与以往的西方音乐史及欣赏教材不同的是，本书的曲目欣赏部分的作品需要读者扫二维码进入欣赏的设计页面和网络资源链接，二维码资料中还包括相关知识的拓展阅读和拓展欣赏曲目，读者可在读史论知识的同时听赏作品，从而增强感性认知，使音乐史论知识立体化，同时加强读者与编者的互动。
　　本书承载华中师范大学出版社推广二维码书籍的东风，这也契合了编者的初衷。编者希望借助当今的网络便捷优势作一本立体的西方音乐史及欣赏的书籍，以馈音乐教育专业的音乐本科生和音乐爱好者。本书的编者皆为湖北高校的西方音乐史及欣赏课程教学的一线教师。在编写的过程中也遇到了很多困难，加之精力与时间有限，难免会有疏漏，望国内同行批评指正。

好的，这是一份关于其他领域图书的详细简介，完全不涉及您提到的《西方音乐史及作品赏析/高等院校音乐课程“十三五”规划立体教材》的内容。 --- 图书名称：《全球化时代的社会变迁与文化重塑：当代社会学前沿理论探讨》 作者： 陈明远 教授 出版社： 世纪学人出版社 出版日期： 2023年10月 --- 内容简介： 在二十一世纪的第二个十年，全球化进程以前所未有的速度和广度重塑着人类社会的结构、互动模式与文化景观。数字技术、跨国资本流动、身份政治的兴起，以及气候变化带来的生态危机，共同构成了当代社会变迁的复杂图景。本书《全球化时代的社会变迁与文化重塑：当代社会学前沿理论探讨》，正是立足于这一宏大背景，对当前社会学领域最具争议性、最前沿的理论议题进行了系统而深入的剖析与批判性整合。 本书并非对既有社会学经典进行简单的复述，而是致力于梳理和构建一套适应新现实的理论框架，用以理解“后现代”与“超现代”交织下的社会动态。全书共分为六个主要部分，层层递进，从宏观的结构性变化深入到微观的个体经验重塑。 第一部分：全球化的多维透视与理论重构 本部分首先回顾了早期全球化研究的局限性，特别是其对经济决定论的过度依赖。作者引入了“多中心全球化”的概念，强调了文化、政治、环境维度与经济逻辑的相互作用。重点探讨了“超地方化”（Hyper-locality）现象，即在全球网络中，地方性身份如何被强化而非消解，并引入了如阿帕杜莱（Appadurai）“景观”理论的修正版本，以解释身份的流动性与断裂性。此外，对“逆全球化”浪潮的社会根源进行了细致的社会学分析，探讨了民粹主义与身份政治的兴起，将其置于全球资本不平等分配的长期结构性矛盾之中。 第二部分：数字技术与社会关系的范式转移 随着信息技术全面嵌入日常生活，社会关系的基础正在发生根本性变化。本部分聚焦于“算法治理”与“数字劳工”这两个核心议题。作者深入剖析了大数据驱动下社会控制的新机制，即“预测性社会控制”模型，并将其与福柯的生命权力理论进行对话。在数字劳工方面，本书详细考察了零工经济（Gig Economy）下劳动主体性的消解过程，揭示了技术平台如何通过“幽灵式管理”（Phantom Management）来规避传统雇主责任，从而制造出一种新型的、结构性的剥削关系。此外，对虚拟社区的社会资本积累与衰减进行了实证性的理论建模。 第三部分：身份政治、差异性与社会正义的新战场 当代社会最引人注目的特征之一是身份议题的爆发性增长。本书超越了简单的“身份认同”讨论，将其置于权力、历史创伤和再分配斗争的框架下进行考察。作者详尽分析了交织性（Intersectionality）理论在理解当代社会不公中的核心作用，并批判性地考察了“身份政治”在不同政治语境中的异化倾向，特别是当它脱离了经济基础的批判时可能导致的碎片化后果。重点讨论了“记忆政治”如何在不同群体间引发的关于历史叙事的冲突，以及这种冲突如何重塑公共领域的话语权分配。 第四部分：城市空间重塑与社会隔离 全球城市化是社会变迁的显著标志。本部分采用批判地理学和社会生态学的视角，分析了全球资本如何重塑城市空间结构。讨论了“金融化地产”对城市居住公平性的冲击，特别关注了“士绅化”（Gentrification）过程中的文化排斥机制。作者提出了“流动性隔离”的概念，用以描述在高度互联的城市中，不同社会群体在时间与空间上的交错如何变得越来越少，从而加剧了社会资本的内化与固化。 第五部分：环境危机与非人类主体性研究 面对日益严峻的气候变化，社会学必须回应非人类因素对人类社会系统的影响。本书将环境危机视为一种“社会建构的危机”，探讨了环境不平等（Environmental Injustice）的社会根源。引介了“物质性转向”（Material Turn）的社会学论述，邀请读者思考将自然元素（如水、土壤、气候模式）视为具有能动性的“非人类主体”的理论可能性，并探讨了这如何挑战以人类为中心的现代性范式。 第六部分：理论的综合与未来展望 在最后一部分，作者试图将前述的各个理论脉络进行整合，提出一个“整合性社会变迁模型”。该模型强调结构、文化和能动性之间的动态反馈回路，主张社会学研究必须超越学科壁垒，与政治经济学、生态学和认知科学进行实质性对话。本书的最终目标是为下一代社会科学家提供一套锐利、全面且具有批判精神的分析工具，以应对这个充满不确定性的新时代。 本书特点： 1. 理论前沿性： 紧扣近五年内涌现出的全新社会学概念和辩论热点。 2. 批判性深度： 不满足于描述现象，而是深入挖掘现象背后的权力结构与意识形态根源。 3. 跨学科视野： 积极吸收了后殖民理论、新唯物主义和计算社会学的成果，拓宽了社会学分析的边界。 本书适合社会学、人类学、政治学、文化研究等相关专业的本科高年级学生、研究生以及对当代社会变迁具有深刻兴趣的专业人士和政策制定者阅读。它不仅是一部理论参考书，更是一份对我们共同未来的严肃思考邀请。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我是一个对纯理论感到头疼的乐迷，但这本书在处理那些必要的理论框架时，展现了一种近乎魔术般的化繁为简的能力。它没有用令人望而生畏的数学公式去解释复调的精妙，而是通过实际的、听得见摸得着的音乐片段来佐证理论的合理性。对于像我这样，更多是从情感上进入音乐的人来说，这种讲解方式简直是福音。比如，当它解释奏鸣曲式的“呈示部”、“发展部”和“再现部”时，它不是冷冰冰地给出定义，而是将之比喻成一场戏剧冲突的铺陈与解决，使得原本抽象的结构变得具有了叙事张力。这种将理论“人性化”和“情境化”的处理，让我在学习那些看似复杂的音乐形式时，也始终保持着愉悦和投入感，这对于一本教材来说，是非常难能可贵的平衡。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“赏析”部分，绝对是其点睛之笔，远超出了我预期的学院派枯燥分析。我尤其喜欢它对特定作品的解读方式——它没有仅仅停留在和声进行或对位法的技术层面，而是巧妙地将音乐置于当时的社会文化背景之中去观照。例如，书中对德彪西《牧神午后前奏曲》的剖析，不仅仅是描述那些模糊不清、色彩斑斓的音响效果，更是将其与象征主义文学思潮联系起来，解释了为什么音乐需要“暗示”而非“明确表达”。这种跨学科的视野，极大地拓宽了我对“音乐是什么”的认知边界。读到一些对不那么主流的作曲家，比如法国印象派或俄国民族乐派的深入挖掘时，那种发现新大陆般的惊喜感油然而生，让我意识到音乐史远比我们常听到的那几位“巨匠”要丰富得多，这种引导读者主动探索的阅读体验，非常宝贵。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我并非音乐科班出身，最初购买这本书是抱着提升“文化素养”的目的。然而，这本书带给我的远不止于此。它不仅仅是罗列了从古至今的作曲家和作品，它更像是一面镜子，折射出人类精神在不同历史阶段的表达方式和审美取向。我惊喜地发现，理解了巴赫的对位法，我对现代软件编程中的模块化思维都有了新的领悟；理解了浪漫主义音乐中对“无限”的渴望，我对现代社会中个体的疏离感也有了更深的共鸣。它提供了一种强大的分析框架，让我得以用更宏大、更具穿透力的视角去审视艺术与生活中的一切现象。读完它，我不再只是一个被动接受旋律的听众，而更像是一个有能力去“对话”历史与创造力的参与者。

评分☆☆☆☆☆

这部鸿篇巨制，光是捧在手里，那沉甸甸的分量就让人对其中蕴含的知识量肃然起敬。我记得最初翻开它的时候，正是怀着一种近乎朝圣般的心情。那些关于巴洛克时期织体如何变得复杂，或者格里高利圣咏那种近乎冥想般的单音旋律，被作者用一种极为细腻却又不失严谨的笔触描绘出来，简直就像是把历史的卷轴缓缓铺在了你的面前。尤其令人赞叹的是，作者对于不同时期音乐风格的转折点把握得极其精准，比如从文艺复兴的众声部交织到巴洛克单线条的炫技，那种过渡并非突兀的断裂，而是一种有机的、逻辑严密的演变，读起来让人不禁拍案叫绝。它不是那种干巴巴的教科书，而是充满了对音乐家们创造力的深切理解和敬意，读完后，你对海顿的幽默、莫扎特的纯净，乃至贝多芬的挣扎与呐喊，都有了更深一层的体悟，仿佛能透过乐谱的黑白间，窥见作曲家们当年的心境与时代的风云变幻。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和配图，简直是教科书设计的典范。我常常在深夜里，在台灯下细细品读这些内容，那种阅读的舒适度非常高。纸张的质感，字体的选择，都透露出编撰者对知识传播的尊重。更不用说那些精心挑选的乐谱小样——它们不仅是辅助理解的工具，本身也具有很高的审美价值。对我而言，最震撼的时刻莫过于读到关于二十世纪音乐“革命”的那几章。当描述到勋伯格十二音体系的诞生时，书中插印的那些密集的音列图，配合文字对“调性崩塌”的描述，真的让人产生一种身临其境的错愕感，仿佛能听到传统美学在耳边碎裂的声音。这种视觉与文字的完美配合，将原本难以想象的音乐理论革新，转化成了一种可以被视觉捕捉的冲击力。