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傅雷 著

图书标签:

• 美术史
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• 艺术普及
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术理论
• 文化艺术

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534062575

版次：1

商品编码：12282013

包装：精装

开本：32开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　①本书为傅雷编着的艺术史名作，语言生动，论述详明，是一部了解西方美术的佳作。
　　②随文插配200余幅彩图，图文并茂，其中部分图片为书中提及而其他版本未收。
　　③布脊精装，印制精良，便于阅读、收藏。

作者简介

　　傅雷（1908—1966），字怒安，号怒庵，江苏南汇（今属上海浦东新区）人。我国著名的翻译家、教育家和评论家。早年留学法国巴黎大学，学习艺术理论。回国后长期致力于法国文学译介及美术史研究工作，翻译了巴尔扎克《高老头》、罗曼·罗兰《约翰·克里斯朵夫》、伏尔泰《老实人》等三十余部名家着作。

内页插图

前言/序言

　　傅雷（1908—1966），字怒安，号怒庵，江苏南汇（今属上海浦东新区）人。我国著名的翻译家、教育家和评论家。早年留学法国巴黎大学，学习艺术理论。回国后长期致力于法国文学译介及美术史研究工作，翻译了巴尔扎克《高老头》、罗曼·罗兰《约翰·克里斯朵夫》、伏尔泰《老实人》等三十余部名家著作。“文革”早，因遭受迫害而含冤弃世。
　　《世界美术名作二十讲》一书，是傅雷在参考法国博尔德（Bordes）《美术史二十讲》及晚近诸家美术史的基础上，整理扩充而成。书稿成于20 世纪30 年代，部分章节曾发表于民国《艺术旬刊》，至1985 年始由三联书店印行出版。全书分二十讲，着重介绍了文艺复兴以来，乔托、多那太罗、波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、伦勃朗、鲁本斯、委拉斯开兹等西方艺术巨匠和艺术流派，涉及绘画、雕塑、建筑、装饰等美术门类。“在《世界美术名作二十讲》中，不单分析了一些绘画、雕塑作品，同时接触到哲学、文学、音乐、社会经济、历史背景等等。对青年读者来说，如何丰富自己的知识，是很有教益的。对从事美术史研究的人来，有些问题值得思考，例如美术史应该如何编写等等。”（庞薰琹《〈世界美术名作二十讲〉与傅雷先生》）艺术评析充满了艺术家的敏感，例如论拉斐尔：“一五○七年的拉斐尔（二十四岁）还是一个青年，梦想着超人的美与恬静的魅力，画那些天国中的人物与风景，使我们远离人世。一五一六年的拉斐尔（三十三岁）已经是在人类社会和哲学思想中成熟的画家。他已感到一切天才作家的淡漠的哀愁。也许这哀愁的时间在他的生涯中只有一次，但又何妨？《西斯廷圣母》已经是艺术史上最动人的作品之一了。”
　　此次整理出版，以浙江古籍出版社2006 年手稿影印本为底本，参考了三联书店1988 年印本、2016 年印本，对译名和字词用法做了适当调整，并随文意选配插图。

《艺术的史诗：从洞穴壁画到数字光影》 一部跨越时空的艺术之旅，深度剖析人类文明的视觉脉络。 引言：凝视与创造的永恒主题 艺术，是人类文明最直接、最深刻的注脚。它不仅仅是装饰，更是思想的载体、情感的投射，以及时代精神的镜像。本书《艺术的史诗：从洞穴壁画到数字光影》并非一部浅尝辄止的艺术史概述，而是一次深入肌理的考察，旨在揭示不同历史时期、不同地理文化背景下的视觉表达如何相互影响、彼此塑造，最终构建起我们今日所见的宏伟艺术殿堂。我们将摒弃僵化的断代史叙事，转而探讨贯穿人类艺术史的核心命题：观看的方式、存在的表达、以及技术与观念的交互作用。 第一部：原初的呼唤与文明的曙光 (史前至古典时期) 本部分聚焦于艺术的起源，探寻人类何以成为“会创作的动物”。我们不满足于简单罗列拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）的洞穴壁画，而是深入分析这些早期符号背后的巫术功能、社会组织结构以及对自然力量的敬畏与掌控的渴望。 走出洞穴，我们进入美索不达米亚的泥板浮雕与埃及的永恒雕塑。重点剖析古埃及“规定性”的艺术法则，如何服务于宗教信仰和法老的权力体系，探讨其近乎不变的视觉语言背后所蕴含的对“不朽”的极致追求。 随后，我们将迎来古希腊的辉煌。这不是简单地赞美《米洛的维纳斯》或帕特农神庙。我们将详尽阐述从“古拙时期”到“古典盛期”再到“希腊化时期”的艺术美学观念是如何从对理想人体的几何化抽象，逐步转向对动感、情感和个性化表达的追求。特别值得注意的是，对古典雕塑中“理想化的人体”的解构，揭示了柏拉图主义与艺术实践之间的微妙张力。罗马艺术则被置于实用主义与帝国意识形态的交汇点，分析其在建筑（如万神殿）和纪念性雕塑中如何有效地构建了罗马的“公共记忆”和“绝对权威”。 第二部：信仰的建构与世俗的觉醒 (中世纪至文艺复兴早期) 中世纪的艺术常常被误解为“黑暗”或“僵硬”。本卷将拨开神学的迷雾，深入探究拜占庭马赛克的永恒光芒所代表的“神圣空间”的构建，以及罗马式教堂那厚重墙体所体现的地方社群的防御性精神。哥特式艺术的崛起被视为一场结构性的革命——从体量的束缚中解放出来，向上、向光、向无限的突破。我们将详细解析尖券、飞扶壁和彩色玻璃窗的工程学意义，以及它们如何共同创造出一种“光线即神性”的沉浸式体验。 文艺复兴的萌芽，特别是乔托的突破，被视为艺术史上一次关键的“回归人的尺度”的运动。我们随后进入佛罗伦萨的黄金时代。与一般论述不同，本部分将重点对比早期文艺复兴（如马萨乔的透视法、波提切利的古典神话复兴）与盛期文艺复兴（达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔）在人文主义思潮、科学观察与艺术技巧（如明暗对照法、空气透视法）的融合程度上的差异。我们探究“天才”概念是如何在这一时期被系统化建构起来的。 第三部：戏剧性、反思与启蒙的光芒 (巴洛克至新古典主义) 巴洛克艺术，是对文艺复兴和谐的“反动”吗？本卷认为，它更像是对宗教改革后欧洲社会剧烈动荡和精神紧张的一种视觉化的“情感轰炸”。卡拉瓦乔的戏剧性光影、贝尼尼雕塑的瞬间定格，以及鲁本斯肉体的狂欢，都是对“不确定性”的积极回应。我们将分析巴洛克艺术在天主教国家（反宗教改革）和君主制国家（绝对权力展示）中的功能差异。 随后，我们将审视荷兰黄金时代的“静默革命”。伦勃朗和维米尔的作品，以其对光线的精妙捕捉和对日常生活的深刻洞察，标志着艺术焦点从宏大叙事向个体经验的转移。 启蒙运动带来了对秩序、理性和普遍真理的重新肯定，这在艺术上体现为新古典主义的回归。我们细致考察大卫的作品，分析其如何将古罗马的道德寓言转化为法国大革命的意识形态武器，揭示了古典形式与现代政治诉求之间的复杂共谋。 第四部：浪漫的爆发与现代性的诞生 (浪漫主义至印象派) 浪漫主义是对新古典主义理性压抑的一种情感上的“叛乱”。德拉克洛瓦的激情、戈雅的恐惧、透纳的水气弥漫，展示了艺术对主观体验、非理性力量以及“崇高”（Sublime）的探索。这股力量不仅在绘画中涌动，也在音乐和文学中回响，预示着一个以“自我”为中心的时代的到来。 19世纪下半叶，随着工业化和社会结构的剧变，艺术开始面对一个全新的现实：光线、色彩和瞬间的印象。印象派不仅仅是关于户外写生，更是对传统学院派“被观看的世界”的一种颠覆。本卷将重点讨论马奈作为“现代艺术之父”的地位，以及他如何通过对主题的选取和对画布表面的处理，挑战了西方艺术“窗户”的比喻。塞尚的结构分析、梵高的情感爆发以及高更的象征主义转向，构成了对印象派的“后印象派”式的多向延伸和深层挖掘，为20世纪的彻底变革奠定了基础。 结语：在断裂中寻求连续性 本书的最终目标，是引导读者理解，艺术史并非一条直线，而是无数条充满张力、对话和反思的复杂网络。《艺术的史诗》力求提供一种动态的、批判性的视角，去审视人类如何通过视觉媒介来认识世界、构建自我，并最终，超越时间。每一件作品，都是一次对当下世界的回应，一次对永恒主题的叩问。

评分☆☆☆☆☆

作者的叙事角度非常独特，完全没有那种高高在上的学院派说教感，更像是与一位知识渊博、又极具人文关怀的朋友进行的一场深入交谈。他谈论艺术家的生平背景和社会思潮时，总是能找到一个极佳的切入点，将艺术作品的诞生置于那个特定的历史情境中去考察，而不是孤立地去分析技法。这种“语境化”的解读方式，极大地拓宽了我的理解边界。比如，他对某一时期风景画中“人与自然关系”的剖析，就让我立刻联想到了当时工业革命对社会心理的冲击，原本以为只是单纯的写生，瞬间变得厚重起来。他的文字充满了画面感和哲思，读起来丝毫不枯燥，反倒是让人忍不住想要停下来，合上书本，独自回味一番。特别是对材料和媒介的探讨，那种对艺术家创作心境的精准把握，让人不禁对那些伟大的创造者肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深刻的感受是“沉浸感”。它不仅仅是知识的传递，更像是一次精心策划的艺术之旅的导览。作者似乎深谙读者的心理，总能在关键时刻穿插一些鲜为人知的小故事或者艺术史上的趣闻轶事，让那些原本遥远的艺术大师们瞬间变得鲜活起来，不再是博物馆里冰冷的画像。比如，某一章节对文艺复兴时期作坊内部运作模式的描述，让我对艺术品的生产过程有了全新的认识，原来伟大的作品背后，还有那么多关于协作、竞争和学徒制度的复杂生态。这种深入到生活肌理的描写，让艺术不再是高悬的殿堂，而是与我们日常生活息息相关的创造活动。读完之后，我迫不及待地想去美术馆走一趟，用我新习得的“眼睛”去重新审视那些我曾略过的杰作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排堪称一绝，它巧妙地平衡了广度与深度。它不像某些通史那样追求大而全，而是选择了几个关键的转折点进行深挖，使得每一讲的内容都像是一块被打磨得非常光滑的宝石，独立观看璀璨，组合在一起又构成了一片星空。我个人对那些关于“形式语言如何表达情感”的讨论尤其感兴趣，作者没有停留在简单的风格分类上，而是深入剖析了线条、色彩、构图这些基本元素是如何被艺术家当作情绪的载体来使用的。这种方法论的教学，远比仅仅罗列作品名称要有效得多，它教会了我“如何看”一幅画，而不是“看什么”画。每一次阅读都有新的发现，就像在迷宫里找到了新的路径，感觉自己的审美视角正在被潜移默化地重塑。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，对于艺术史这种题材，我以往的经验是，要么是干巴巴的知识点堆砌，要么是过于文艺腔的抒情，很难找到一个恰到好处的平衡点。但这本书做到了。它的语言是精准的，没有过多华丽的辞藻去掩盖内容的空洞，却又在需要烘托作品气势时，展现出极强的感染力。我尤其欣赏作者在比较不同地域、不同文化背景下的艺术表现时所采取的开放态度，它避免了将欧洲艺术置于绝对中心的位置，而是展示了全球艺术视野的多元性与对话性。这种全球观的引入，让原本以为自己对艺术有所了解的我，意识到自己知识的局限性。阅读过程中，我不断地在思考“什么是美学”，以及“美学标准是如何流动的”，这种启发性的提问，是衡量一本好书的重要标准。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的排版真是令人眼前一亮，色彩的运用大胆而考究，每一幅作品的复制都尽可能地还原了原作的风貌，细节处理得非常到位，即便是那些需要凑近才能观察的笔触和肌理感，也能通过印刷的质感清晰地传达出来。装帧设计也透露着一股典雅的书卷气，拿在手里沉甸甸的，翻阅的过程本身就是一种享受。我特别欣赏编者在版式安排上所花的心思，像是那些对位和留白的处理，既不显得拥挤，又能巧妙地引导读者的目光在不同风格和流派之间游走，比如将印象派的细腻光影和巴洛克的戏剧性光影并置，这种对比的呈现方式，远比干巴巴的文字介绍来得直观和有力。虽然我还没有完全读完，但仅仅是翻阅那些精心挑选的图像，就已经感受到了艺术跨越时空的力量，尤其是对那些古典雕塑部分的呈现，光影的层次感简直绝了，仿佛触手可及的石膏质感。

评分☆☆☆☆☆

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