篆书法帖四种临写指南 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王正良 著

图书标签:

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出版社： 陕西人民美术出版社

ISBN：9787536833623

版次：1

商品编码：12145534

包装：平装

开本：8开

出版时间：2017-01-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　《篆书法帖四种临写指南》内容包括各种书体简介，临写要旨，关于临帖、临帖基本笔画写法参考、双钩练习，各种名帖的书法结构、书法特点、临写范字。以及关于章法布白，作品欣赏等内容。《篆书法帖四种临写指南》的特点既是字帖，又是书法知识，也是技法辅导，还是书法鉴赏，可使广大读者一书在手，所获良多。书中图文并茂，序列井然，易于领会，便于自学。

作者简介

　　王正良，是陕西省书法家协会顾问，书协发起人之一，沉香书社社长。是一位出色的、渊博的老师，将其长期教学的心得和成果，经过缜密的梳理和筛选，而后和盘托出，编著奉献于广大读者。

砚海拾遗：宋代文人画的时代风尚与审美流变 本书简介 本书旨在深入剖析宋代（960年—1279年）文人画艺术的兴起、发展及其对后世的深远影响。宋代是中国文化艺术史上的一个黄金时代，尤以其精致的学院派院体画和磅礴的文人水墨画体系并驾齐驱而著称。本书将视角聚焦于后者，探讨文人画家群体如何通过山水、花鸟、竹石等题材，构建起一套区别于“画工”的独特审美话语体系，实现“以书入画”的艺术革新。 第一章：时代背景：雅致与思辨的宋代文风 宋代，特别是北宋，社会结构发生了显著变化。随着科举制度的完善和士大夫阶层的壮大，知识分子群体不再仅仅是政权的附庸，他们拥有了更强的文化自主性和对艺术的品鉴能力。这种背景为文人艺术的萌发提供了肥沃的土壤。 本章首先梳理了宋代理学兴起对审美观念的影响。理学强调格物致知、内省修身，促使文人将艺术创作视为个体精神世界的投射与道德完善的途径。艺术不再是单纯的图像再现，而是“胸中之丘壑”的表达。我们将详细考察苏轼、米芾等核心人物的理论主张，特别是苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫不殊；论诗以意境，可见作者之用心”的观点，这直接确立了文人画“尚意”的核心原则。 同时，本书对比了宫廷画院的精致写实风格（如院体画的工笔界画和“格物致知”的写生传统），阐述了文人画家如何有意识地疏离院体画的规范化和程式化，转而追求一种更加自由、写意、注重笔墨韵味的创作方式。 第二章：笔墨的革命：从技巧到“书卷气” 宋代文人画的革命性在于对“笔墨”本体意义的重新定义。笔墨不再是描绘对象的工具，而是艺术家个体性情的载体。 2.1 董源与“披麻皴”的开创： 本章细致分析了“江南画派”的先驱董源及其弟子巨然的艺术成就。他们所创造的“披麻皴”，区别于唐代画家对石体结构的刻板描绘，转而表现土石的润泽与浑厚，这被后世视为水墨语言成熟的标志。我们将结合传世作品，探究这种皴法如何体现了对江南烟雨迷蒙之地的独特体验。 2.2 米氏云山与墨戏的形成： 米芾父子对水墨表现力的探索达到了新的高度。米芾的“米点”和“大米小米”之变，彻底解放了笔墨的结构性束缚，使其趋向于抽象的、纯粹的笔触运动。本书着重分析了米芾的“不着意”创作态度，探讨了这种看似漫不经心的背后，其实是对高度成熟的笔墨训练的内化与自然流露，即“浑厚华滋”的境界。 2.3 竹石的象征意义： 在花鸟画领域，文人画家对竹、石、梅的偏爱，并非基于植物学的兴趣，而是承载了深厚的道德寓意。以文同、苏轼为代表的“文人画竹”，其枝干的遒劲、竹节的疏密，无不映射着君子在逆境中不屈的品格。本书将解读这些题材在士大夫社交场域中的符号功能。 第三章：审美范式的确立：雅俗之辩与自我完成 文人画的崛起，必然伴随着与“画工”（职业画家）的审美分野和话语权争夺。 3.1 “士气”与“院气”的对立： 本章深入剖析了宋代士人对“匠气”的排斥心理。他们认为，院体画的过度写实和精雕细琢，体现的是工匠精神，缺乏士人的超脱与洒脱。文人画追求的是一种“天然去雕饰”的境界，即便技法生涩，只要“意趣”高远，便被视为上乘之作。 3.2 诗、书、画的一体化： 宋代文人画的成熟，标志着中国艺术史上“三绝”的最终整合。将诗歌题跋直接纳入画作的构成要素，不仅丰富了画面的叙事层次，更使得笔墨本身直接获得了书法的意味。我们将分析不同书体（如行书、草书）在画作题跋中的应用如何反过来影响了笔墨的运用。 3.3 审美趣味的世俗化与精英化并存： 尽管文人画强调高雅脱俗，但本书也指出，宋代的市民文化和商品经济也促进了某些装饰性画种的发展。我们将在分析主流文人理论的同时，不回避探讨如汴京的市井画风对艺术生态的微妙影响。 第四章：对后世的遗泽：元明清的笔墨精神传承 宋代文人画所建立的理论和实践基础，直接奠定了元代“以诗为画”和明清“四王”摹古主义的理论源头。 本书最后部分将追溯宋代文人画对元四家（黄公望、倪瓒等）的影响，特别关注倪瓒如何将宋人的“萧散”精神推向极致，直至只剩空寂的笔墨符号。宋代的山水画已不再是对自然景象的直接描摹，而是将个体生命经验熔铸于笔墨之中，这种哲学化的倾向，成为中国绘画史此后发展的主旋律。 结论：山水间的士人理想 本书总结认为，宋代文人画不仅是一种绘画风格的转变，更是一次知识分子自我身份认同的文化宣言。它成功地将艺术从单纯的技术层面提升至哲学和道德层面，塑造了后世中国艺术界对“真”、“气”、“韵”的终极追求。通过对时代思潮、核心理论和笔墨技法的细致梳理，本书旨在为读者提供一个理解宋代艺术高度精神性的多维度框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，仿佛带着一股穿越时空的古韵。内页纸张的选用也颇为讲究，米黄色的基调，触感细腻，墨色在上面洇散得恰到好处，既不会过于鲜艳刺眼，又能清晰地呈现出每一笔的力度与细节。尤其是对于初学者而言，这种高品质的视觉和触觉体验，极大地激发了学习的热情。装帧上采用的线装，不仅是对传统装帧工艺的致敬，也方便了临习时的翻阅和平铺，不像一些胶装书那样容易合拢，让人能够更专注于每一页的字帖。封面设计上，虽没有过多的花哨装饰，却以一种简约而大气的布局，凸显了内容的庄重与专业性，让人一眼就能感受到这是一部用心打磨的精品，而非市面上那些粗制滥造的仿制品。这种对手感和视觉体验的重视，无疑为接下来的学习过程奠定了愉悦而专注的基调，让人愿意花更多的时间沉浸其中，去感受和揣摩古人的笔法意境。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来看，这本书的价值远超其标价所能体现的深度。它不仅仅是一本临摹用书，更像是一部详尽的“书法问题诊断手册”。书中预设了学习者在练习过程中可能会遇到的各种常见“病灶”，并提供了系统性的矫正方案。比如，当发现自己的字形过于松散时，书中会立刻指向需要加强特定笔画的“收束力”练习；如果出现结构不稳时，则会引导回顾关于“重心线”的讲解。这种前瞻性的指导，极大地减少了学习者在反复试错中浪费的时间和精力，使得学习曲线更为平滑和高效。对于那些希望能系统性提升书写水平的爱好者来说，它提供了一个完整且自洽的知识体系框架，让人清晰地知道下一步应该做什么，是案头必备的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是学习一门技术，不如说是一次与古代大师心灵的对话。文字的叙述风格非常克制而内敛，没有那种故作高深的理论堆砌，而是以一种近乎“匠人精神”的严谨态度，去解读和传达古人留下的信息。尤其是在对某些碑帖的文化背景和历史演变进行简要勾勒时，那种恰到好处的留白，既提供了必要的知识背景，又将焦点牢牢锁定在“如何写”之上，避免了不必要的旁枝末节分散精力。这种专业而不失温度的笔触，使得学习过程变得非常享受，让人感觉自己不是被动地接受灌输，而是主动地参与到传统艺术的再创造之中，每一次下笔都充满了敬畏与探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

装帧的考究只是表象，真正让人称道的是其对“临写”这一核心环节的深度挖掘。书中对“提、按、顿、挫”这些抽象概念的阐释，采用了大量生动形象的比喻，甚至结合了现代力学原理进行类比，使得即便是对书法理论知之甚少的读者也能迅速领悟其中的精髓。例如，在描述“悬针垂露”时，作者没有停留在名词解释上，而是通过分解慢动作的图示，细致地展示了运笔过程中腕部和指部的微妙协调关系。更令人赞叹的是，书中所附的辅助练习页，其格线设计也是经过精心计算的，并非统一的米字格或田字格，而是根据不同字帖的字形结构特点，动态调整了引导线的疏密和比例，真正做到了因材施教，让临摹过程充满了针对性和高效性。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容编排上的逻辑性，简直是教科书级别的示范。它并非简单地将几帖名家字帖拼凑在一起，而是构建了一个清晰、层层递进的学习路径。从基础笔画的拆解分析，到结构布局的规律总结，再到整篇章法的把握，每一步都衔接得天衣无缝，毫不突兀。特别是它对不同书体在用笔上的细微差异所做的对比剖析，真是入木三分，让人豁然开朗。比如，在讲解某一特定转折时，作者会清晰地指出甲本的圆转与乙本的方折之间的内在逻辑关联，这种比较性教学法，极大地深化了读者对“变化中的统一”的理解。对于那些在学习过程中容易陷入“形似”泥潭的书友来说，这种深入到笔法内在精神层面的引导，无疑是极其宝贵的指引，避免了盲目模仿而不得要领的困境。