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杨丹霞 著

图书标签:

• 书画鉴定
• 真伪识别
• 中国书画
• 艺术品
• 收藏
• 鉴赏
• 造假
• 流派
• 技法
• 历史

出版社： 辽宁人民出版社

ISBN：9787205086770

版次：3

商品编码：12053438

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-08-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　《中国书画真伪识别》是由国内一批既对艺术品投资市场颇有研究，又在艺术品真伪辨识上颇有见地的专家共同打造，以文图并茂的形式，结合艺术品投资市场大量的真伪实例，详细地阐述了真伪艺术品的历史渊源、地域分布以及不同的种类、特征、材质、工艺等内容，进而非常具体地为广大读者提供了艺术品真伪识别的依据以及科学的辨真识伪的方式与方法，欣赏性、可读性、知识性、实用性等多功能兼具。

作者简介

　　杨丹霞，1965年生，北京师范大学历史系历史专业及北京大学艺术学系研究生班毕业，现为故宫博物院书画部馆员。从事书画研究、鉴定工作二十余年来，陆续发表或出版有《黄慎的绘画艺术》《文徵明的园林山水画》《中国书画真伪识别》《近代名家书画真伪辨析》《张大千》《于飞闇》以及《乾隆皇帝绘画概述》等论文，并参与了《故宫博物院精品集》（扬州卷、花鸟走兽卷、皖浙诸家卷、风俗卷、宋元山水卷）《宫藏扇面画选迹》以及《历代小品画》的编写工作。

目录

出版者的话
前言
一、书画收藏八忌
一忌：懵懂无知
二忌：趋利悖德
三忌：惑于己好
四忌：迷信专家
五忌：官大表准
六忌：轻信著录
七忌：贪求题跋
八忌：保存不善

二、怎样认识书画鉴定
（一）作伪的出现使鉴定成为书画收藏的基础
（二）书画鉴定要解决的两个首要问题
（三）“目鉴”是书画鉴定的主要方法
（四）考证是目鉴的补充
（五）对书画的品评赏析不能代替书画鉴定

三、书画鉴定的依据
（一）辨别作品材质与装裱的时代性
1．书画作品的材质
2．书画的装裱形制
（二）查核作品所反映的文字、图像形象的时代
1．书、画上的文字考订
2．绘画中所反映的各种题材
（三）审察分析作品的个人笔墨风格及时代特征
1．笔法
2．墨色
5．章法结构
（四）核对作者之署款、印章
1．书画家本人的款署
2．关于上款
3．本人印章
4．依据书画家印章鉴定的局限
（五）考证作品题跋、鉴藏印的真伪及流传、著录
1．他人的题跋
2．鉴藏者印章

四、书画作伪的方法
（一）摹、临、仿、造
1．摹
2．临
5．仿
4．遣
（二）书画真迹的改头换面
1．改
2．添
3．减
4．拆和配
5．转山头
6．揭二层
（三）代笔书画
1．书法代笔
2．绘画代笔
5．半真半代
4．相互代笔
（四）古书画作伪的地区性
1．苏州片
2．广东造
3．扬州片
4．山东造
5．绍兴片
6．河南货
7．松江造
8．江西造
9．湖南造
10．后门造
11．北京清妙斋造
12．上海作假小集团
（五）历代特定作伪者
1．古代特定作伪者
2．张大千作伪

五、《石渠宝笈》著录书画和清代宫廷书画的鉴藏
（一）《石渠宝笈》和《秘殿珠林》是什么样的书
（二）《石渠宝笈》中宫廷词臣、画工的作品
（三）清代皇帝的书画
（四）如何判断作品是否真的经过《石渠宝笈》著录
1．殿座印是表明曾经《石渠宝笈》著录的关键
2．清内府鉴藏印的铃盖有严格的格式
3．《石渠宝笈》著录的书画都有清内府标准的装裱
（五）近年有专门伪造清内府印章和宫廷书画的现象

六、近现代书画的鉴定
（一）常见的作伪手法
1．根据已有的书画作伪
2．摹仿某家风格作伪，再掺杂进出版画集
3．利用印刷品作伪
（二）作伪的地域特点
《三）近现代书画鉴定的基本原则与方法
1．从书画本身的各要素进行鉴定
2．近现代书画风格的把握
3．关于近现代书画的款识和题跋
4．要随时掌握近年来书画作伪的新动向
（四）近现代书画家的辨伪举例
1．虚谷
2．赵之谦
5．任伯年
4．吴昌硕
5．吴庆云
6．郑孝胥
7．齐白石
8．“二萧”
9．陈衡恪
10．吴徵
11．冯迥
12．溥儒（附溥忻）
15．于非阍
14．吴湖帆
15．徐悲鸿
16．潘天寿
17．张大千
18．李可染

附录
附录1 历代书画鉴藏家及其著录、藏品简表
附录2 齐自石书画价位分析
附录3 李可染书画的收藏与价值走向
后记

瀚海掇英：一部聚焦古代丝绸之路艺术与技术革新的研究 引言：文明的交融与物质的见证 本书并非探讨传统意义上的笔墨丹青，而是将目光投向了连接东西方文明的古老动脉——丝绸之路。我们深入考察了自汉唐至宋元时期，在这条庞大贸易网络中涌现出的独特艺术形式、工艺技术及其背后的文化生态。本书旨在通过对特定物质遗存的细致梳理与跨学科分析，揭示古代社会在物质交流驱动下的技术飞跃与审美嬗变。 第一部分：丝绸之路上的色彩密码——染料与颜料的跨文化传播 本部分聚焦于丝绸之路上最直观的艺术载体——色彩的流动。我们摒弃对绘画主题的传统解读，转而探究那些构成作品生命力的化学元素。 章一：来自东方的传奇——靛蓝与苏方木的远征 详细分析了中国古代成熟的靛蓝提取技术（如蓝靛草的沤制与提纯）如何经由中亚腹地传播至波斯乃至拜占庭帝国。研究佐证了唐代长安的染坊技术在早期国际贸易中的主导地位，并对比了粟特、大食地区对靛蓝的本土化改造过程。本书特别展示了通过化学分析手段，在敦煌壁画和撒马尔罕出土纺织品残片中发现的同位素特征，从而确证了染料的源头指向性。 章二：矿石的低语——朱砂、孔雀石与群青的交流路径 着重探讨了无机颜料的矿源地与贸易路线。关于朱砂（硫化汞），我们追溯了其在青海、甘肃地区的开采标准与加工工艺，并考察了其在印度佛教造像、中亚石窟壁画中的应用频率变化。关于群青（青金石），本书推翻了其仅依赖阿富汗巴达赫尚矿源的单一论断，引入了对中原地区使用铅钡化合物仿制群青（铅丹、铅白等混合物）的工艺研究，以解释部分早期中国瓷器釉色与壁画蓝彩在光谱上的细微差异。 第二部分：器物之形——丝路沿线工艺技术的互动与创新 本书的第二部分转向了物质形态的构建，探讨了技术知识如何在不同文明间进行“复制-改良”的过程。 章三：陶瓷的拓扑学——外销瓷的模塑与装饰体系 我们未讨论宋元名窑的艺术成就，而是将重点放在了外销瓷——特别是青瓷与白瓷——的生产标准化问题上。通过对越南会安沉船、印尼勿里洞海域出土的大量青瓷片的断代与纹饰分类，揭示了景德镇窑工如何根据东南亚买家的审美需求，快速调整器型（如更深腹的碗、更适合水下航行的罐式）和纹饰元素（如大量使用印尼本土神话中的海兽图案）。分析了“仿制”在技术传播中的积极作用，即为了达到异域市场的特定要求而产生的技术迭代。 章四：金属的魔法——合金配方与铸造工艺的融合 本章深入考察了金银器与青铜器在技术层面的交互。重点分析了唐代金银器中出现的“錾刻”技法，这种技术在中国本土的起源尚有争议，但其在波斯萨珊王朝金器上有着成熟的先例。本书通过对内蒙古和新疆地区出土的器物进行X射线荧光光谱分析（XRF），确认了部分器物中镍、铜、锌的配比模式，明显偏向于中亚或西亚合金的特征，而非传统的中国青铜配方。此外，对鎏金工艺的厚度与附着力分析，也揭示了不同地区在汞的使用与提炼纯度上的差异。 第三部分：文本与图景的互译——宗教、符号与叙事载体的流动 本部分关注非物质文化如何在物质载体上“转译”，并影响新的艺术表达。 章五：经变画的“图像工程” 研究佛教题材的“经变画”——例如《法华经变相图》——如何在不同地域形成不同的视觉叙事结构。在新疆克孜尔石窟，图像更注重对故事场景的线性叙事与人物的体积感塑造，受犍陀罗艺术影响深远；而在中原地区的寺院壁画中，相同的题材则被高度“中国化”，更强调人物的飘逸线条与亭台楼阁的平面化布局。本书对比了不同地区工匠对“晕染法”和“沥粉贴金”等技法的使用习惯，探究其在宗教符号传播中的功能差异。 章六：音乐与图案的共振——装饰母题的语义漂移 本书最后考察了在纺织品、陶瓷乃至建筑装饰中反复出现的几何母题和植物纹样。例如，莲花纹、联珠纹、宝相花等，它们在印度教、佛教、祆教和伊斯兰教中都具有核心地位。我们分析了这些图案在传入中国后，其原本的宗教或神话含义如何逐渐淡化，转变为纯粹的美学符号。通过对唐代长安出土的带有中亚风格几何图案的釉陶残片的研究，展现了装饰母题如何成为一种“中立的国际语言”，服务于贸易而非教义。 结论：物质文化视野下的丝绸之路 本书的结论在于，丝绸之路的伟大成就不仅在于货物的交换，更在于技术、工艺和审美理念的“软渗透”。古代艺术家和工匠们如同高超的化学家与工程师，他们在交流中不断实验、吸收、重组，最终创造出超越单一地域范畴的、具有全球视野的物质文明遗产。对这些物质痕迹的深入考察，能使我们更全面地理解人类文明在互动中产生的创造力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的图片资料质量简直是令人惊叹，这在同类出版物中是极为罕见的。我注意到，很多重要的细节图，特别是那些用于展示笔触微观结构和纸绢老化特征的特写，清晰度高到令人难以置信，几乎可以媲美在博物馆现场面对原作的感觉。出版方显然在图像版权和扫描技术上投入了巨大的成本和精力，这一点从那些对比图中尤为明显——原作的精微之处与仿品的细微差别，在这些高分辨率的图像面前无所遁形。更难得的是，作者没有简单地罗列高清图片，而是巧妙地在关键位置进行标注和对比，比如某个款识的特定写法、某一类颜料在时间侵蚀下的氧化形态等等，这些都是需要肉眼极其仔细观察才能捕捉到的“暗号”。这本图录级别的书籍，对于任何需要进行视觉校对和积累图像记忆的深度学习者来说，都是不可或缺的参考资料。

评分☆☆☆☆☆

这本书的论述逻辑性简直是教科书级别的示范，作者似乎对中国艺术史的脉络了如指掌，从宏观的朝代风格演变到微观的笔墨特征分析，过渡得极其自然流畅，没有那种生硬的章节跳跃感。尤其是在探讨某个特定时期画家的风格时，它会先从当时的社会文化背景入手，解释为何会形成那样的审美取向和技法特点，而不是简单地罗列“这个像、那个不像”。这种“知其所以然”的深度挖掘，让读者不仅学会了“看”，更明白了“为什么是这样看”。我特别佩服作者在梳理历代名家流派时的清晰度，即便是对初学者而言，那些复杂的师承关系和地域差异也被梳理得井井有条，使得我们能够快速建立起一个坚固的知识框架，避免在浩瀚的艺术海洋中迷失方向。整体阅读下来，感觉就像是跟一位学识渊博的老先生在书房里逐一探讨画卷，引人入胜，步步深入，让人对中国艺术的博大精深有了更深一层的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太出色了，封面采用了仿古宣纸的纹理，触感温润细腻，装裱工艺精湛，拿在手里沉甸甸的，完全有种捧读珍本古籍的仪式感。内页的纸张厚度适中，墨色在上面印染得非常清晰，即便是高精度的印刷品，细节也丝毫不失真，这对于一本探讨艺术品鉴别的书籍来说至关重要。我尤其欣赏它在版式布局上的用心，许多关键的鉴别点配图都采用了跨页或对开的设计，使得放大观察局部细节成为可能，这比那些把图文挤在一起的普通画册要方便太多了。排版上也没有那种让人眼花缭乱的密密麻麻感，留白的处理恰到好处，既保持了学术的严谨性，又不失阅读的舒适度。当然，一本好书不仅仅是外壳漂亮，它的物理质量也直接影响了阅读体验，这本书的线装和胶装结合得非常好，翻阅时不会轻易散页，即便是经常查阅对照，也能保持长久的完好，这对于需要反复对比研究的读者来说，简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

这本书在叙事结构上展现出一种极为罕见的、跨越时间和媒介的整合能力。它不仅仅是关于“看画”的指南，更像是一部中国艺术生态的社会学研究。作者巧妙地将绘画的物理载体——纸张、绢帛的演变，与墨锭、颜料的制作工艺历史穿插进来，使得鉴赏过程不再局限于二维的视觉层面。例如，在讨论明代晚期文人画的某些特征时，书中会穿插介绍当时特定产地的徽墨或松烟墨的特性如何反过来影响了画家的笔意表达，这种多维度的交叉分析，极大地拓宽了读者的视野。它教会我们，艺术品的研究必须是全方位的，从材料科学到社会经济背景，缺一不可。这种宏大叙事与微观分析的完美结合，使得这本书的阅读体验层次丰富，每次重读都能发掘出新的理解维度，是那种可以常年放在手边，时不时翻阅、总能获得新启发的“活的工具书”。

评分☆☆☆☆☆

我是一位热衷于传统文化的业余爱好者，过去阅读了不少关于艺术史和鉴赏的书籍，但往往发现它们要么过于侧重理论阐述，术语晦涩难懂，要么就是流于表面的介绍，缺乏实际操作指导。然而，这本书的出现彻底改变了我的看法。它在语言运用上达到了一个非常高明的平衡点：既有足够的专业术语来保证其学术地位，但每当出现这些术语时，作者都会用非常通俗易懂的语言进行注解和举例说明，确保普通读者也能轻松理解。比如，它对“皴法”的讲解，不仅仅是名词解释，而是结合了不同地域、不同画派使用特定皴法的目的性差异进行了剖析，这种注重“功能性”的讲解，极大地提升了我的理解效率。读完后，我感觉自己不仅仅是增加了一些知识点，而是真正获得了一套可以用于实践的分析工具和思维模式，这对于任何想要提升自身鉴赏能力的读者来说，都是极其宝贵的财富。

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