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李虻 著

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• 音乐教育
• 音乐教学
• 教师发展
• 教学方法
• 音乐技能
• 课堂管理
• 音乐课程
• 实用指南
• 音乐资源
• 教学实践

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807518273

版次：1

商品编码：10833710

包装：平装

开本：18开

出版时间：2011-07-01

用纸：胶版纸

页数：398

正文语种：中文

内容简介

《音乐教师实用手册》由四个部分组成：第一篇是音乐基础知识，侧重于音乐教师的专业素养。第二篇是音乐教学技能，主要包括音乐微格教学、即兴伴奏、歌曲创作、课前准备与音乐教学评价等内容，突出课堂教学的艺术，理论阐述与教学实践的结合，紧扣新课标的要求，易于操作。第三篇是音乐教学方法，详细介绍了《音乐课程标准》中各教学领域、教学模块的教学内容与方法，并介绍了课外音乐活动的组织方法、技巧和专业要求。第四篇是音乐教育课题的研究，对研究的不同阶段可能涉及的各种问题一一作出解答。附录部分包括三个内容：首先是中外器乐作品欣赏，作品难度适中，具有代表性，且附谱例和相关知识导读；其次从实用的角度简要介绍了国外著名音乐教育体系；最后附有音乐家年表，方便教师查阅。
本手册的特点是简明扼要、便于检索，力求满足中小学不同层次音乐教师教学改革的需要，同时兼顾即将步入教师行列的师范生的学习需求。

目录

前言
第一篇 音乐基础知识
第一章 记谱法知识
第一节 简谱基础知识
一、简谱怎样表示音的高低
二、简谱怎样表示音的时值
三、简谱怎样表示休止
第二节 五线谱基础知识
一、五线谱的构成
二、五线谱怎样表示音的高低
三、五线谱怎样表示音的时值
四、五线谱怎样表示休止
第三节 节奏与节拍
第四节 速度与力度
一、怎样表示速度
二、怎样表示力度
第五节 常见演唱与演奏记号
第六节 装饰音标记
第七节 常见省略标记

第二章 声乐知识
第一节 人声的分类和特点
第二节 童声的音域与嗓子的保护
第三节 青少年变声期的特点与声音训练
第四节 歌曲演唱形式

第三章 曲式学知识
第一节 曲式的基本部分和附属部分
第二节 乐段及内部结构
第三节 单二部曲式
第四节 单三部曲式
第五节 复三部曲式
第六节 变奏曲式
第七节 回旋曲式
第八节 奏鸣曲式
第九节 套曲与组曲

第四章 管弦乐队知识
第一节 弓弦乐器分类及演奏特点
第二节 木管乐器分类及演奏特点
第三节 铜管乐器分类及演奏特点
第四节 打击乐器分类及特点

第五章 民族乐队知识
第一节 民族器乐知识
一、常见拉弦乐器及特点
二、常见弹拨乐器及特点
三、常见吹管乐器及特点
四、打击乐器分类及特点
第二节 小型民族乐队演出形式
一、丝竹乐
二、吹打乐
三、打击乐
四、戏曲音乐
五、小型民族乐队

第六章 合唱指挥知识
第一节 指挥的准备工作
第二节 指挥技巧

第七章 音乐鉴赏知识
第一节 音乐表现要素
第二节 音乐体裁的特性与分类
第三节 常见音乐体裁
第四节 常见舞曲体裁
第五节 西方音乐风格与流派
一、文艺复兴时期音乐
……
第八章 少儿心理和音乐才能发展特点
第二篇 音乐教学技能
第九章 音乐微格教学
第十章 即兴伴奏
第十一章 歌曲创作
第十二章 课前准备
第十三章 音乐教学评价

第三篇 音乐教学方法
第十四章 识谱与视唱听音教学
第十五章 歌唱教学
第十六章 演奏教学
第十七章 唱游教学
第十八章 创造教学
第十九章 音乐鉴赏教学
第二十章 第二课堂
第二十一章 校外音乐教育

第四篇 音乐教育课题的研究
第二十二章 音乐研究方法
第二十三章 怎样做音乐教育课题
附录
一、器乐作品欣赏
二、国外著名音乐教育体系介绍
参考书目

精彩书摘

1.曲式的基本部分
基本部分主要是各主题初次陈述及其展开部分、中间部分和再现部分，无论是增加还是省略，都对曲式结构产生直接影响。
主要主题初次陈述的结构名称可能有差异，如单三部曲式的第一部分、复三部曲式的第一部分、回旋曲式的叠部、奏鸣曲式的呈示部等，但都位于基本部分的开始位置，一般采用呈示性写法，结构规模及长度依据曲式和作品的规模可大可小。中间陈述位于乐曲的中间部分，可能是一个，也可能有几个，具有相对的独立性和不同的写法：可能揭示新的主题，这时往往保持呈示性写法，结构相对比较规范，如单三部曲式的对比中部、复三部曲式的三声中部、典型回旋曲式的插部及回旋奏鸣曲式的中间插部等；也可能是主要主题的展开，即以曾经陈述过的主题材料为基础，将其进一步发展，深化主题或赋予主题以新的意义，如单三部曲式的发展中部、复三部曲式的插部等，最典型的是奏鸣曲式的展开部。
再现部分是主要主题在中间陈述之后的重复出现，体现了曲式最重要的美学原则，是促进整个曲式统一的基础，存在于绝大多数的传统曲式结构之中。
音乐中具有一定完整性、能够独立存在的最小曲式结构单位是乐段，向下可以分出乐句、乐节、乐汇等若干句读；向上则可以构成更高一级的曲式结构：单二部曲式、单三部曲式、复三部曲式、变奏曲式、回旋曲式、奏鸣曲式、各种套曲和组曲等。
2.曲式的附属部分
音乐作品曲式结构中，基本结构之外的部分都属于附属部分，一般不影响曲式的类型，不直接参与曲式结构的形成，主要包括引子（前奏）、连接部（间奏）和结束部分（尾声）。
引子是进入乐曲基本部分之前的准备，通常位于乐曲或某一部分之前，可能属于整个乐曲，也可能属于乐曲的某一部分，其长度与整个作品规模相适应。引子常以后面主题的某些因素为基础，如旋律片段、织体形态、节奏音型等，甚至仅用一个和弦重复引导基本部分的呈示。引子一般没有清晰的主题感，以免削弱基本主题的主导地位。为乐思发展的需要，某些曲式结构中引子也可能形成独立引子主题。
……

前言/序言

《声韵的奥秘：从理论到实践的声乐教程》 第一章：人声的构造与发声基础 本书深入剖析了人类发声系统的复杂机制，旨在为学习者构建坚实的声乐基础。我们将从声带、共鸣腔体（包括胸腔、口腔、鼻腔和头腔）的解剖学结构入手，详尽阐述它们在产生和谐音色中的协同作用。 1.1 呼吸的艺术：支撑与控制 有效的声乐演唱建立在稳固而灵活的呼吸支持之上。本章重点讲解腹式呼吸（或称横膈膜呼吸）的正确方法，区分浅层胸式呼吸的弊端。我们将通过一系列具体的练习，指导学习者如何实现气息的“深吸慢呼”，以及在演唱过程中维持持续、均匀的气息流。重点在于理解“支撑”并非僵硬的用力，而是一种内在的张力平衡，确保声带能够以最经济有效的方式振动。我们将探讨气息在“储存”、“释放”和“控制”三个阶段的不同要求。 1.2 声带的优化：闭合与振动 声带的健康和高效闭合是音质纯净的前提。本章详细描述了声带的生理运动，解释了“声带闭合不全”和“过度挤压”可能导致的音色问题。我们提供了一系列“预备练习”（如哼鸣、唇颤音、舌颤音），这些练习的目的是在不增加喉部压力的情况下，引导声带达到最佳的、富有弹性的接触状态。同时，我们将区分“假声带”与“真声带”的功能，确保学习者理解如何激活并协调它们。 1.3 元音的塑造与共鸣的引导 元音（Vowels）是声乐的骨架。本章将严格界定意大利语、德语和英语中标准元音的发音位置，强调元音的“垂直性”和“稳定性”。在此基础上，我们将引入共鸣腔体的概念，指导学习者如何通过调整喉位和口腔形状，将声能引导至最佳的共鸣点——即“面罩”（Mask）区域。我们将讨论如何通过“找点”练习，实现声音的聚焦和穿透力，避免声音的“扁平化”或“后缩”。 第二章：音域的拓展与换声区的处理 人声的跨越不同音区往往伴随着音色和技巧的断裂。本章致力于提供科学、无损的换声区（Passaggio）训练方法。 2.1 声区的科学划分与特性 我们将明确划分胸声、中声区和头声的生理特征和听觉效果。重点阐述“胸声”如何平稳过渡至“中声区”，以及“头声”的科学发声机制，纠正将头声等同于“假声”的误区。 2.2 平衡的艺术：连接与过渡 本章的核心在于“连接”（Legato）技巧在换声区的应用。我们将介绍“弱化边缘”的原则，即在通过换声点时，有意识地减少声音的“边缘感”。通过特定的音阶和琶音练习，指导学习者如何保持气息支撑的连贯性，使声音在跨越高低音区时，保持统一的音色和音质（Vocal Tract Homogeneity），消除明显的“换气点”或“断层”。 2.3 发展高音的科学路径 高音的提升绝非单纯依赖于喉部的抬升或挤压。本章将集中于喉位稳定技术、软腭的抬升训练，以及如何利用“向内收紧”而非“向外推挤”的方式来支持高音区。我们将提供针对男高音和女高音在高音区保持清晰度与穿透力的专门练习集。 第三章：音准、节奏与乐感训练 精湛的演唱技术必须服务于精准的音乐表达。 3.1 内耳听觉的开发与音准的校正 本章强调“内在听觉”（Inner Hearing）的重要性。我们将介绍如何利用调音器辅助训练，区分“绝对音准”和“相对音准”的需求。重点训练如何识别和修正轻微的偏音（Flat或Sharp），并深入探讨五度相生律和十二平均律在不同声乐曲目中的实际应用差异。 3.2 节奏的精确性与律动的塑造 节奏的准确性是专业演唱的基础。本章提供了一套从基础拍点到复杂复节奏的训练体系。我们将使用节拍器进行“反向练习”（即在节拍器的间隙中发声），以增强对节拍的内在感知。对于复杂节奏型，强调“视觉化”和“肢体化”的辅助训练，以确保声音与时间结构的完美契合。 3.3 音乐表达的情感构建 音乐不仅仅是音符的堆砌。本章探讨了如何分析歌词的内在含义（Text Interpretation），如何根据曲式结构（Form Analysis）来设计演唱的动态起伏（Dynamics）。我们将研究不同时期（如巴洛克、古典、浪漫主义）对演唱风格的特定要求，指导学习者如何将技术与情感有机结合，实现“声情并茂”的境界。 第四章：不同风格的声乐技法适应 现代声乐学习者需要应对多样化的音乐体裁。 4.1 正歌剧（Opera）的洪亮度与持久力 针对歌剧演唱，本章着重于如何实现“大声场”（Large Venue Projection）而无需过度用力。讨论了如何使用头腔共鸣的“集束效应”来增强声音的强度。同时，探讨了咏叹调和宣叙调在处理速度、情感强度和发音清晰度上的技术差异。 4.2 清唱（Lied/Oratorio）的亲密感与细致处理 清唱对声音的控制要求极高，尤其是在弱音（Piano/Pianissimo）处理上。本章指导学习者如何在极弱音量下保持声带的完整闭合，确保音高不跑偏，并实现声音在“细语”中依然清晰可辨的质感。 4.3 艺术歌曲（Art Song）的语言与音乐的融合 艺术歌曲要求演唱者成为语言的专家。我们将详细分析德语的“前位发音”和法语的“鼻化元音”对声乐技术的影响，指导学习者如何在保持声乐技巧的同时，清晰、自然地表达歌词的语感和韵味。 第五章：舞台实践与身心健康 5.1 舞台呈现与肢体语言 一个完整的演唱者需要自信的舞台形象。本章提供了关于舞台站姿、目光接触以及如何通过肢体动作来辅助和强化音乐表达的建议。重点是使身体成为声音的自然延伸，而非束缚。 5.2 声音的日常维护与健康管理 本章提供了针对声带日常保健的实用建议，包括科学的饮水、热身与冷却程序。我们将讨论环境因素（如干燥、烟雾）对演唱的影响，并指导学习者识别和应对早期声音疲劳的信号，确保声乐生涯的长久发展。 本书旨在提供一套系统、科学且注重内在感受的声乐训练体系，让学习者不仅掌握“如何唱”，更能理解“为何如此唱”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计倒是挺吸引人的，封面上简洁而富有艺术感的插画，给人一种宁静而又充满力量的感觉，我很喜欢这种风格。翻开书页，纸张的质感也相当不错，触感温润，印刷清晰，没有异味，这对于一本经常需要翻阅的工具书来说，是件非常重要的事情。我特别看重书籍的整体呈现，一本好的书，从封面到内页，都应该传递出一种对读者的尊重。这本书在这方面做得很好，它不仅仅是一本内容的载体，更是一件可以让人赏心悦目的艺术品。每一次拿起它，都会有一种期待，期待它能带来怎样的惊喜。书中的排版也比较合理，留白适度，字号大小也恰到好处，长时间阅读也不会感到疲劳。我喜欢这种用心的细节，它们共同构成了一次愉快的阅读体验。

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