江寒汀百鸟百卉画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

江寒汀 著

图书标签:

• 绘画
• 工笔花鸟
• 传统绘画
• 绘画技法
• 江寒汀
• 花卉
• 鸟类
• 绘画教程
• 艺术
• 中国画

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532283507

商品编码：1027685437

出版时间：2013-04-01

作  者:江寒汀 著作 定  价:49 出 版 社:上海人民美术出版社 出版日期:2013年04月01日 页  数:100 装  帧:平装 ISBN:9787532283507 ●一、文鸟、鸭脚枫
●二、青燕(又名青长脚)·木桃
●三、杨皮(又名野绣眼)·紫薇花
●四、鹦哥·罗汉松
●五、钟馗(又名平王燕)·天花粉
●六、五道眉·腊梅
●七、黄肚子·辛夷
●八、鹌鹑·秋海棠
●九、青头沉香·紫荆花
●一０、黄眉金肚子·僧鞋菊
●一一、山东虎皮·李子
●一二、山马·秋叶
●一三、啄木鸟·榆
●一四、朱顶雀·柿子
●一五、娇凤(又名阿苏儿)·杏花
●一六、八哥(又名鸲鹆)·红叶
●一七、红头雀·虎耳草
●一八、黄头翁·桂圆
●一九、彩四喜(又名虎皮)·凌霄花
●二０、金雀鸟·石菖蒲
●部分目录

内容简介

海派艺术以花鸟为主，其次人物，再次是山水。海派画家的代表人物为虚谷、任伯年、蒲华、赵之谦、钱慧安等。海派艺术一百多年来没有断裂，绵延至今，民国中晚期直到现在，谓新海派。江寒汀为承上启下的重要人物，开启了清新、自然、典雅的画风。他的画上很少题诗，往往穷款。他认为题诗款等于给画加上了注脚，一览无余，值得慢慢品味，探寻主题。当今花鸟画高手出于其门下者甚众，他对上海的花鸟画发展有深远的影响。颜康文编著、江寒汀绘画的《江寒汀百鸟百卉画谱》展现这一特色。 

好的，这是一份根据您的要求撰写的，关于一本不包含《江寒汀百鸟百卉画谱》内容的图书简介。 --- 书名：云涛烟雨：中国古代山水画意境探微 作者： 魏松（虚拟） 出版社： 翰墨轩（虚拟） 装帧： 精装，函套，含高清图版及导读册 定价： 人民币 880 元 字数： 约 45 万字（正文），120页（图版册） --- 内容提要： 《云涛烟雨：中国古代山水画意境探微》 并非一部技法指导手册，亦非对某一特定花鸟画家的个案分析。本书将视角聚焦于中国山水画数千年发展历程中，士人阶层如何通过笔墨媒介，捕捉并构建“天地之大美”的哲学与美学思想。 本书以“意境”为核心枢纽，尝试解构中国山水画脱离纯粹写实，进入精神物化和哲学思辨的内在机制。我们不探讨如何描摹具体的林木或飞禽，而是深入考察画家如何运用皴法、点苔、留白等抽象化的笔墨语言，来“言不尽意”地传达宇宙的秩序、人生的况味以及隐逸的精神诉求。 全书共分六卷二十章，结构严谨，论证细密，旨在为热爱中国传统艺术的读者，提供一套系统而深入的理论框架，以理解中国山水画超越表象的深层魅力。 卷首语：山水非景，乃心 中国山水画，自魏晋发端，历经唐宋的成熟定型，至元明清的多元演变，其核心驱动力始终是对“道”与“自然”关系的叩问。本书开篇即确立此基调：山水画是“以有形的笔墨，表现无限的意蕴”的艺术。我们认为，宋人“可游、可居、可观、可赏”的四种观画境界，是理解山水画意境的基石。 第一卷：源流与辨析——从图绘到立意 第一章：山水画的身份确立：摆脱“界画”的束缚 本卷首先厘清中国山水画在发展初期，如何逐步从宫廷的装饰性图绘（如界画的工整描摹）中独立出来，成为文人抒发胸臆的主要载体。重点分析了荆浩、关仝等五代巨匠，如何在北方山川的雄奇伟岸中，植入“可行”、“可望”的初级意境观念。 第二章：盛唐之气象与中唐之转向 对比李思训的青绿山水与王维的水墨尝试。着重分析李思训的“金碧辉煌”如何象征一种对盛世气象的理想化投射，而王维的“诗中有画”则标志着山水画开始深入个体的情感体验，为后来的文人画奠定了哲理基础。 第三章：宋代山水：学院派的典范与“可居”之梦 详细考察北宋范宽、郭熙等人的创作理念。范宽的“满纸烟云”体现了对宇宙混沌初开之力的敬畏；而郭熙的《早春图》中“可行”的路径引导，则是士人对理想居住环境的物质化想象。本章运用空间理论，剖析宋人如何通过高远、平远、深远三种构图法则，构建多维度的观者体验。 第二卷：笔墨的语言学——皴、擦、染的语义学 第四章：皴法：结构的骨骼与精神的脉络 将皴法视为山水画的书写系统，而非单纯的刻画技巧。系统梳理了披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等主要皴法的地域性关联与哲学意涵。例如，如何理解李唐、马远对“斧劈皴”的偏好，是与南宋偏安一隅的沉郁心境相对应的“硬朗”精神表达。 第五章：点苔与水法：生命的律动与时间的停滞 研究点苔在画面中扮演的“呼吸”角色。点苔不仅是植物的表征，更是画家对苔藓这一“渺小生命”在巨大山体上顽强生长的哲学思考。同时，对水墨的渲染层次，即“淡墨、浓墨、焦墨”的使用，如何表现空气的湿度与光线的变化，从而营造出特定时间段的氛围。 第六章：留白：不可言说的疆域 将留白视为中国山水画的核心母题——“虚”与“空”的艺术体现。探讨留白并非“未画之处”，而是画家主动放弃描绘的、用以承载观者想象力的精神空间。对比禅宗“空”的观念，解析留白如何实现“计白当黑”的视觉平衡。 第三卷：元四家的精神谱系——“逸”与“托物言志” 第七章：赵孟頫：复古精神与“书入画”的宣言 重点分析赵孟頫如何以“复古”姿态，将书法线条的笔意引入山水画，强调笔墨应回归文人气质，而非匠人技艺。其作品中对黄公望、倪瓒等人的影响是结构性的。 第八章：倪瓒：萧疏空寂的“一派寒烟” 倪瓒的艺术是理解“逸品”的典范。本章着力分析其作品中极简的构图、稀疏的树木和广阔的天地之间的张力，探讨其如何通过“绝尘”的画面，表达对元末社会腐败的疏离感和高洁的自我期许。 第九章：黄公望与吴镇：笔墨的“化境” 黄公望的温润厚重与吴镇的沉郁拙朴构成对比。分析黄公望如何通过“皴法合一”的技法，将主观感受融入自然形态，形成“元气淋漓”的境界。 第四卷：明清的变奏与地域风格 第十章：吴门画派：院体回归与精致化的写意 探讨以沈周、文徵明为代表的吴门画派，如何在大写意思潮中，保持对宋人传统的尊重，发展出精致、典雅的江南风格。 第十一章：董其昌与“南北宗论”的构建 深入剖析董其昌的理论贡献。他提出的“南北宗论”虽然在后世受到诸多挑战，但它首次清晰地将山水画的历史发展划分为以董源、巨然为源头的“南宗”（写意）和以李思训、李昭道为代表的“北宗”（设色）。本书以此为脉络，梳理后世画家对“正统”与“旁支”的取舍。 第十二章：清初“四王”的集大成与程式化 考察“四王”如何通过对前代大师（尤其是董源、巨然）的临摹、合写，实现对经典语汇的总结与规范化，标志着山水画体系的成熟与定型。 第五卷：意境的层次——“禅思”与“人居” 第十三章：山水中的禅宗意趣：顿悟与直指人心 考察禅宗思想如何渗透到山水画的创作中，尤其体现在对物象的简化和对瞬间灵感的捕捉上。分析禅宗“平常心是道”如何转化为画家对简单景物的独特体悟。 第十四章：亭台楼阁：人间烟火的栖居之所 山水画并非全然空寂。本章探讨画家如何在宏大的自然背景下，巧妙安放一两间茅屋、一座小桥或远处的渔舟。这些建筑元素是“人”在天地间的尺度定位，象征着士人在乱世或隐居生活中的精神慰藉。 第六卷：走向现代——意境的延续与张力 第十五章：近现代山水画的张力 探讨二十世纪以来，山水画家在面对西方现代主义冲击时，如何坚守“意境”的内核，同时在笔墨、章法上寻求突破。分析海派、岭南派等地域流派对传统意境的不同诠释。 结语：永恒的追寻 山水画的意境，是对个体生命与宏大宇宙之间关系永恒的追问。《云涛烟雨》旨在唤起读者，在观赏这些墨色淋漓的作品时，不仅是欣赏技艺，更是参与到那场跨越千年的“与古人对谈”的静默之中。 --- 本书特色： 1. 理论深度： 避免了对单一作品的浅层描述，侧重于建立一套系统的山水画美学理论体系。 2. 跨学科视野： 引入哲学、文学、空间理论等视角，解析笔墨背后的文化动因。 3. 图版精选： 附录图版册精选了与文本论述高度相关的历代经典山水画作，重点展示不同笔墨技法在营造意境上的差异，而非仅仅罗列名作。 4. 清晰的结构： 层次分明的章节划分，引导读者从宏观的时代背景，逐步深入到微观的笔墨细节与哲学内涵。 目标读者： 艺术史研究者、美术专业学生、资深中国画爱好者，以及对中国传统哲学美学有浓厚兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来概括这本书给我的感受，那便是“气韵生动”。画中的每一片叶子，每一根枝条，都仿佛拥有自己的呼吸和生命力。我特别留意了那些对动态捕捉的瞬间，比如振翅欲飞的蜂鸟，或是争抢食物的雀鸟群，它们之间的互动和紧张感被捕捉得极其到位，绝不是僵硬的摆拍。这需要画家对生物习性有深入的了解，才能在笔墨中赋予其内在的驱动力。此外，花卉的选择也极具匠心，既有常见的牡丹芍药，也有许多清雅的野卉，体现了画家对民间艺术和文人画传统的兼收并蓄。这种包容性使得整本画谱的视野非常开阔，它成功地将传统绘画的规范与个人独特的情感表达融合得天衣无缝，让人在欣赏之余，不断思考艺术创作中“法”与“心”的关系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一种艺术享受，厚实的纸张触感温润，油墨的印刷质量极高，即便是小幅的细节特写，色彩的过渡也毫无滞涩感，完全体现出了传统水墨画的韵味与现代印刷技术的完美结合。我尤其欣赏其中对于“意境”的营造。那些描绘的景象，绝非简单的物象堆砌，而是融入了画家对季节更迭、时间流逝的深刻理解。例如，几笔简练的墨竹旁，几只形态各异的麻雀，寥寥数笔，却能让人感受到清晨薄雾中那种特有的寂静与凉意。这种“计白当黑”的运用达到了炉火纯青的地步，留白之处，仿佛有无尽的想象空间供人驰骋。这本画谱更像是一部视觉日记，记录了艺术家与自然进行深度交流的心路历程，它教会我们如何去看待自然，如何从平凡中发现不凡的美感，对于提升审美层次具有潜移默化的作用。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，最初被吸引是冲着名家之作的名头来的，但深入研读后发现，其价值远超预期。它并非那种流于表面的、仅仅是炫技式的作品集。其中蕴含的笔墨语言非常丰富，从极其写实的工笔重彩到挥洒自如的大写意，几乎囊括了花鸟画创作的多个维度。对于初学者而言，可以清晰地看到从“形似”到“神似”的渐进过程，每幅画作前的留白，仿佛都是留给观者自行揣摩的那一步骤。而对于资深画者，则可以着重研究其用笔的力度变化和墨色的层次渲染。特别是那些对复杂花卉结构的处理，比如重瓣花朵的层次感，以及花瓣边缘那近乎透明的质感，处理得极其巧妙，这显然是常年积累的观察与实践才能达到的境界。阅读此书，如同跟随一位高明的老师进行一对一的私塾教学，细致入微，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本画册，扑面而来的是一股盎然的生机，仿佛置身于春日的花丛与林间。那些飞鸟的姿态，无一不捕捉到了最灵动的一瞬。有的昂首引吭高歌，羽毛在阳光下泛着油润的光泽；有的则低头梳理羽翼，神态专注而宁静。画者对于鸟类的解剖结构和神态把握得极为精准，即便是最细微的羽毛层次和眼神的流露，都处理得恰到好处。更难能可贵的是，作者并未将这些鸟儿孤立地描绘，而是巧妙地将它们融入到特定的花卉环境中。比如那枝头栖息的黄鹂，配以盛放的迎春花，色彩的碰撞与和谐令人叫绝。每一页的构图都充满了深思熟虑，既有写意的洒脱，又不失工笔的细腻，展现了一种平衡之美。对于喜爱花鸟画的同仁来说，这本画谱无疑是一份极为宝贵的范本，从中可以汲取到丰富的创作灵感和技法精髓，它不仅仅是技法的展示，更是一种对自然生命力的深情礼赞。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于它提供了一种系统而又充满灵性的创作范式。它不仅仅是一本“照着画”的教程，更像是一部关于如何“观察自然”的哲学读本。在现代生活节奏日益加快的今天，我们很少有机会停下来，细细品味一朵花的开放或一只鸟的起落。而这本画谱却强行拉住了时间，用浓缩的艺术语言，将这些美好的瞬间定格，并且以极具感染力的方式呈现出来。我反复摩挲着几幅水墨写意图，那墨色的晕染效果，简直是无法用语言完全描述的妙处，深浅浓淡之间，气韵流转，浑然天成。它激发了我强烈的创作欲望，让我渴望拿起笔，去捕捉我身边那些稍纵即逝的美好。这本画册的出现，无疑是艺术界的一笔宝贵财富，它让古典的审美趣味得以在新时代焕发出持久的生命力。