正版音乐表演艺术论高拂晓西南师范大学出版社考研大中专全新教材9787562184942? pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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高拂晓 著

图书标签:

• 音乐表演艺术
• 考研教材
• 高拂晓
• 西南师范大学出版社
• 9787562184942
• 大中专教材
• 音乐理论
• 表演艺术
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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562184942

商品编码：29859836052

页数：273

图书基本信息
书名：	音乐表演艺术论
丛书名：	艺术文化地图丛书
作者/主编：	高拂晓
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562184942
出版年份：	2018年3月1日

版次：	第1 版
总页数：	273页
开本：	16
图书定价：	72元
实际重量：	662g
新旧程度：	正版全新

编辑

《音乐表演艺术论》由西南师范大学出版社出版。

作者简介

高拂晓，音乐学院副研究员，硕士研究生导师，《音乐学院学报》副主编，英国牛津大学访问学者。2004年毕业于西南师范大学音乐学院钢琴教学与表演艺术，获硕士学位；2007年毕业于音乐学院音乐学系音乐美学，获博士学位。主要研究方向：音乐美学及音乐表演美学。目前在音乐学院开设本科课程“音乐表演美学概论”和研究生课程“音乐表演研究”“学位论文写作”。出版专著《期待与风格：迈尔音乐美学思想研究》，在各类音乐核心期刊发表论文几十篇；入选教育部“新世纪人才支持计划”，获霍英东教育基金会青年教师基金项目资助，主持并参与完成了多项科研课题。

导论

章音乐表演的本质与差异
节何为音乐表演
一、艺术学的讨论
二、音乐表演的定义
第二节不只是音符
一、从作品到音响
二、现代技术条件对音乐表演的影响
第三节边缘还是核心
一、音乐表演的重塑性
二、音乐表演的创造性
第四节意义的类型与差异
一、三种表演形式
二、传播性、表现性和情景性
第二章音乐表演的表现与力度
节表现的哲学
一、表现理论的雏形
二、表现理论的发展
第二节挑战经典概念
一、表现力概念的萌芽
二、表现力的基本原则
第三节表现力的呈现方式和差异
一、共性表现力、个性表现力与多维表现力
二、表现力差异的几种情况
第四节表演的力度和深度
一、舒曼《梦幻曲》的表现力剖析
二、表现的力度
第三章音乐表演的主体与风格
节一种身份的意义诠释
一、艺术家的形成
二、表演者的形成
三、音乐表演艺术家的当代职责与发展
第二节表演者到艺术家的距离
一、表演心理技能
二、表演心理控制
第三节众人瞩目的奥妙
一、音乐风格问题
二、表演风格问题
第四节被“他（她）”震撼不是偶然
一、风格的纯正性
二、风格的必然要求
第四章音乐表演的接纳与评价
节一种知道和懂的条件
一、接受的美学基础
二、理解的想象力
第二节复杂社会生态下的审美链条
一、审美接受的社会环境
二、音乐艺术市场的当今发展
三、时代观念与表演创作
第三节批评的辩证法
一、何为评论者
二、评论的主观性与客观性
三、评论者的素养
第五章音乐表演的历史与发展
节西方音乐表演艺术的历史与发展
一、声乐艺术的发展
二、器乐艺术的发展
第二节中国音乐表演艺术的历史与发展
一、宫廷音乐
二、文人音乐
三、宗教音乐
四、民间音乐
第三节中外音乐表演理论的发展
一、国外音乐表演理论
二、国内音乐表演理论
三、中外音乐表演理论比较
第六章音乐表演的人才与希望
节“独木桥”的艰辛与憧憬
一、音乐表演人才培养的模式及过程
二、音乐表演人才培养的主要内容
第二节音乐表演人才培养的完善和平衡
一、基础阶段的能力养成
二、创造性的发展与提升
第三节音乐表演的研究与深度
一、观念的转变
二、机制的培育
三、双重人才的渴求
四、方法的建立与实施
参考文献
后记

从的角度看，音乐表演在理论研究领域（比如音乐学）长期处于沉默状态，这也是人们总是认为表演是一种实践活动的原因，理论家的兴趣不在表演问题，而是作品，特别是西方长期以来以弘扬作曲家和作品的伟大为核心建立起来的音乐共识（如音乐史），对表演的相对忽视，以致表演被隐退出学术研究的领域。在国内，表演艺术家虽然有大量的舞台实践经验和体会，却往往缺乏总结和思路（如前辈艺术家的经验），很多实践成果难以很好地保留并流传下来，这也是大量表演问题常常“口传心授”的历史原因。理论的意义实际上也是为了传承和发展。从另外一个方面讲，理论形成于文字和表达，而表演艺术家的*真切的“表达”即是舞台上的展现，而非文字。这也是从实践到理论的一个现实困难。但在文字凝结的理论背后，是对艺术问题的不断思索基础上形成的看法。

　　从更宽泛的艺术范围看，音乐表演有其自身区别于其他艺术门类的神秘而难以言传的艺术魅力，广大的艺术爱好者或音乐学习者，对音乐表演虽不乏很好的认知和感受能力，但差异性较大，常常难以建立较为准确的音乐评价和认识标准，而经常求助于人士的解读。许多表演上的技术技巧和艺术上的表现，均是以较为微观和细腻的音乐组织要素来呈现的，没有音乐的学习背景和实践经验，对其中一些问题的理解自然会缺乏必要的知识结构。
　　《音乐表演艺术论》采用了一种学术化的思路，从学理上阐释了许多音乐表演的美学问题，同时，也试图从艺术学的审美规律人手，对音乐表演进行全景式的扫描，获得多角度的理解和认识。
　　希望《音乐表演艺术论》能给音乐表演者或音乐研究者提供一些参考，也希望能对一般音乐爱好者提供更多观察音乐的视角和观点，起到辅助学习和理论提升的作用。

《舞台之上：表演艺术的理论与实践探索》 图书简介 本书旨在为艺术院校学生、戏剧和音乐表演专业从业者以及对表演艺术理论有浓厚兴趣的读者提供一个全面而深入的知识体系。全书聚焦于表演艺术的核心要素、历史演变及其当代发展趋势，力求在理论的深度与实践的可操作性之间搭建坚实的桥梁。 第一部分：表演艺术的基石与历史溯源 第一章：表演艺术的本质界定与范畴 本章首先厘清“表演艺术”的内涵与外延，将其置于广阔的艺术门类之中进行考察。我们探讨表演艺术的独特性，即其时间性、现场性以及与观众的即时互动性。内容涵盖表演的本体论追问，分析表演中“在场”的哲学意涵。同时，本书将表演艺术划分为戏剧表演、音乐表演、舞蹈表演等主要分支，并讨论跨界融合的趋势，例如多媒体艺术在舞台上的应用。 第二章：古代文明中的表演遗迹 追溯表演艺术的起源，从古希腊的酒神祭祀与狄奥尼索斯剧场，到古罗马的公共娱乐形式，力求展现早期仪式性表演向戏剧性表演转化的关键节点。重点分析中国古代的雅乐、傩戏等源头活水，揭示不同地域文化对表演形态的早期塑造作用。本章还将考察中世纪欧洲的宗教剧和游吟诗人的角色，理解表演在不同社会结构下的功能性转变。 第三章：近现代表演思潮的激荡 详细梳理19世纪末至20世纪初欧洲舞台艺术的革命性变革。重点阐述斯坦尼斯拉夫斯基体系的建立及其对全球现代戏剧的影响，分析其“体验派”思想的核心原则，如“魔术的假如”和情感的记忆。与之并行的，是戈登·克雷的空间美学、泰伊洛夫的视觉化舞台以及默霍尔德的动作理论，这些流派共同构成了现代表演理论的多元光谱。 第二部分：核心理论的深度剖析 第四章：演员的内在工作与方法论 本章深入探讨演员“内在准备”的技术层面。详细解读系统训练中的肢体协调、声音的打开与控制、情绪的调动与释放等关键环节。不同于简单的方法介绍，本章侧重于对比分析诸如美国派（美氏体系）、格罗托夫斯基的“贫乏的剧场”以及梅耶荷德的生物力学等方法的异同，引导读者根据自身需求选择合适的训练路径。特别关注非语言表达在当代舞台上的重要性提升。 第五章：导演的阐释与舞台调度 导演作为连接剧本、演员与观众的中介，其作用至关重要。本章分析导演的艺术视角，从文本分析到视觉构建的全过程。内容包括舞台空间的设计（镜框式、中心式、多焦点舞台），群戏调度（Blocking）的节奏控制，以及如何通过灯光、服装和音效来强化主题表达。我们还将探讨近年来兴起的“后戏剧剧场”中，导演如何解构传统叙事，重塑观众体验。 第六章：音乐表演的本体论与诠释学 针对音乐表演领域，本章探讨了技术精准性与艺术表现力之间的辩证关系。分析不同音乐体裁（如歌剧、艺术歌曲、现代音乐剧）对表演者的特殊要求。重点阐述“诠释”的概念，即表演者如何在遵循作曲家原意的基础上，融入个人理解和时代精神。对于声乐表演，将详细论述气息运用、共鸣腔体的开发与维护，以及不同语种的发音规范。 第三部分：当代表演艺术的实践与前沿 第七章：身体作为媒介：动作与非语言交流 在当代舞台上，身体语言的重要性日益凸显。本章聚焦于身体训练的前沿进展，涵盖基于接触即兴（Contact Improvisation）的表演训练、默剧的精细化技巧，以及如何将武术、瑜伽等身体实践融入表演体系。本章强调身体在构建角色身份和推动戏剧冲突中的主动性。 第八章：技术赋能与数字化舞台 探讨新兴技术如何重塑表演现场。详细分析虚拟现实（VR）、增强现实（AR）技术在沉浸式戏剧中的应用案例，以及运动捕捉技术如何影响演员的动作捕捉与反馈。同时，讨论数字媒体在舞台背景和场景转换中的作用，引导读者思考技术对表演“真实性”带来的冲击与机遇。 第九章：观众关系与现场互动 表演艺术的完成有赖于观众的在场。本章集中探讨如何有效地建立和管理与观众的能量交换。分析沉浸式剧场（Immersive Theatre）如何打破传统界限，邀请观众成为表演的一部分。同时，讨论互动性设计在提升观众参与度和情感共鸣方面的策略与伦理考量。 第十章：表演艺术的社会责任与未来展望 最后，本书将表演艺术置于更宏大的社会背景下考察。讨论表演艺术在促进社会对话、反映时代议题中的作用。分析全球化背景下文化挪用与身份政治在舞台上的敏感性处理。展望未来，本书将对表演艺术的教育模式、跨文化合作的潜力以及可持续发展方向提出前瞻性思考。 结语： 本书结构严谨，理论与实践并重，力求为有志于投身表演艺术领域的学习者提供一个扎实、广博且具有前瞻性的参考平台。通过对经典理论的重温和对新兴实践的探讨，期望能激发读者对表演艺术无尽的探索热情与创新精神。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对“表演艺术论”这个领域原本抱持着一种既期待又畏惧的心态，因为它听起来似乎过于宏大和抽象。然而，这本书的行文风格却展现出一种惊人的平衡艺术。作者并没有一上来就抛出晦涩难懂的哲学命题，而是巧妙地从一些大家耳熟能详的舞台实践切入，比如某位大师的某个经典诠释，然后逐步深入到其背后的理论支撑。这种“由表及里”的叙述方式，极大地降低了初学者的入门门槛。更让我感到惊喜的是，它对不同艺术流派之间的交叉和对话进行了深入的探讨，我清晰地看到了古典主义和浪漫主义在表演观念上的细微张力，以及现代主义对传统范式的颠覆与重构。这种兼具广度与深度的分析，让我对整个表演艺术史的脉络有了更连贯和立体的认识，不再是零散知识点的堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书在学术引用的规范性和前沿性上，无疑是走在前列的。我翻阅了后记部分的参考文献，可以看到作者非常审慎地平衡了对经典文献的尊重与对最新研究成果的采纳。很多章节在讨论到当代表演美学时，引用了近五年内国际顶尖期刊上的论文，这在很多传统教材中是很难见到的。这不仅仅是堆砌新资料，更重要的是，作者将这些前沿观点融入到整体的理论体系中，展现出一种与时俱进的学术视野。例如，在探讨数字化技术对现场表演影响的那一节，它没有停留在表面的描述，而是深入分析了“在场性”的本体论危机与重塑，这让我意识到，艺术理论的研究绝不是故步自封的，它必须紧密地与时代脉搏同频共振。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最深层触动，在于它对“艺术主体性”的深度挖掘。很多表演理论书籍往往过于关注技巧的传授或者流派的归纳，但这本书却不断地追问一个核心问题：在高度程式化的表演训练背后，艺术家的主体精神和原创性是如何得以保全甚至升华的？书中对“阐释的自由度”和“文本的忠诚度”之间那条微妙的界线进行了极其细腻的剖析。它鼓励读者不仅要做一个技术的执行者，更要做一个哲学的思考者。这种潜移默化的引导，让我开始重新审视自己过去对“表演”的狭隘理解，意识到这门艺术的魅力，恰恰存在于理性构建与非理性冲动之间的永恒张力之中。读完后，我感觉自己对舞台上发生的每一个微小动作，都有了更深层次的敬畏和理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太用心了，封面那种沉稳的墨绿色，配上烫金的字体，拿在手里就感觉分量十足，一看就是那种经得起时间考验的学术著作。我尤其欣赏它在排版上的细致考量，字号选择得非常适中，行距也拉得恰到好处，即便是长时间阅读那些密集的理论阐述，眼睛也不会感到特别疲劳。而且，书中引用的那些经典案例和乐理图示，清晰度极高，线条干净利落，这对于理解复杂的音乐结构至关感重要。相比于我之前读过的几本教材，这本书在纸张的选择上明显更厚实一些，翻阅起来有一种很扎实的触感，这让我在学习过程中心情也跟着沉静下来，仿佛真的能从指尖感受到作者对学术严谨性的执着追求。整体来看，这本教材在实体呈现上，已经为高效的学习奠定了一个非常舒适且专业的基调。

评分☆☆☆☆☆

作为一名备考者，我最看重的是教材的实用性和针对性，毕竟时间有限，每一页的学习都必须高效。这本书在这方面做得非常出色，它的章节结构逻辑性强到令人称赞。每一章的开头都会有一个清晰的知识框架导览，让你事先知道本章的核心目标是什么，这对于制定复习计划至关重要。更重要的是，它在关键概念的阐释后，通常会附带一些“思考与辨析”的小栏目，这些小栏目往往是命题老师最容易出综合题目的地方。我发现自己过去模糊不清的几个核心概念，通过书中对比分析不同学派对同一概念的不同定义后，瞬间变得清晰锐利起来。这种“预判式”的教学设计，让我在自学过程中，感觉像是有位经验丰富、深谙考点布局的导师在身边亲自指导，极大提升了我的备考效率。