正版基本乐理教程练习册 基本乐理教程赵小平 人民音乐出版社书籍 9787103040072 基本乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 东润堂图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103040072

商品编码：29702298178

音乐理论与实践进阶指南 探索音乐世界的深度与广度 本书旨在为音乐学习者提供一个全面、系统且深入的音乐理论学习框架，旨在帮助读者夯实理论基础，提升音乐实践能力，并最终达到对音乐更深刻的理解与驾驭。不同于侧重于特定技能训练的教材，本书更注重构建一个完整的知识体系，将理论知识与实际应用紧密结合，引导读者从“知道”走向“理解”和“运用”。 第一部分：基础元素与结构解析 本部分将从音乐最基本的构成要素入手，深入剖析其内在规律与相互关系。 一、音高与音级系统：超越十二平均律的视野 我们将详细探讨音高的物理学基础——频率与波形，并在此基础上构建起严谨的十二平均律体系。然而，本书的重点不止于此。我们将追溯西方音乐调性系统的历史演变，从古代的五声音阶、中世纪的教会调式，到巴洛克时期确立的大小调体系。我们会详细解析不同调式（如自然音阶、和声小调、旋律小调）的音高结构、特征音程以及它们所带来的不同的情感色彩。此外，还会引入非西方音乐体系中的音高概念，例如阿拉伯音乐的四分之一音以及印度音乐的斯瓦拉系统，以拓宽读者的音乐视野。 在音级方面，我们将超越简单的唱名和国际标准（如C、D、E），深入研究音级在特定调性中所扮演的角色——主音、导音、属音的功能性分析。通过大量的实例分析，读者将能够清晰辨识出音级在和声进行中的“引力”与“推力”。 二、节奏的律动与结构：时间的艺术 节奏是音乐的骨架。本章将深入探讨节拍、小节线、音符时值等基础概念，并将其提升至更复杂的层次。我们将研究复合拍号（如7/8、5/4）的构成逻辑及其在现代音乐（如爵士乐、前卫摇滚）中的应用。 重点在于“律动”的感知与再现。我们将分析不同文化背景下的节奏模式，如非洲的复节奏（Polyrhythm）和交叉节奏（Cross-rhythm），以及拉丁音乐中复杂的切分音（Syncopation）技巧。本书不仅提供机械的节拍训练，更鼓励读者通过身体律动去“体验”节奏，理解节奏是如何塑造音乐的张力与能量。 三、音色与织体：声音的层次与质感 音色是音乐的“色彩”。我们将分析乐器发声的物理学原理，探讨泛音列（Harmonic Series）对音色识别的重要性。对于键盘乐器、弦乐器、管乐器及打击乐器，本书将提供详细的音域划分、演奏技法特点及其在不同音乐时期（如巴洛克时期的羽管键琴与古典时期钢琴的区别）中的地位。 织体（Texture）是研究多个独立声部如何组合的关键。我们将系统区分和分析单音音乐（Monophony）、主调音乐（Homophony）、复调音乐（Polyphony）以及现代常用的自由织体。在分析巴赫赋格曲等复调经典时，我们将细致拆解模仿、卡农、赋格等技巧的构建过程，揭示织体内部的逻辑对话。 第二部分：和声的逻辑与演进 和声是西方音乐的基石，本部分将带领读者进行一次跨越时空的和声探索之旅。 四、功能和声的精炼：从三和弦到七和弦 本书将详细讲解大小三和弦的构建、转位及其功能（主、属、下属）。随后，我们将进入七和弦的世界，特别是属七和弦的解决规律。我们将深入探讨调内和弦的“色彩化”运用，如那波里六和弦（Neapolitan Sixth）、减七和弦（Diminished Seventh Chord）的悬念营造能力。 五、和声进行与调性转换：构建音乐的叙事线 理解和声的“目的性”至关重要。我们将分析和弦如何通过功能关系推动乐句发展，以及如何通过导音、副属和弦（Secondary Dominants）实现平稳的转调。本书将重点分析如何通过“和声模糊”技巧（如增六和弦家族）实现远关系转调，并提供大量实例，指导读者如何创作出具有逻辑清晰、情感丰富的和声进行。 六、浪漫主义与扩展和声：色彩的突破 进入十九世纪，和声语言开始变得更为复杂和个人化。本章将聚焦于瓦格纳、德彪西等作曲家如何挑战传统功能和声的界限。我们将探讨九和弦、十一和弦、十三和弦的使用，以及全音音阶、八度音阶等特殊音阶在和声中的作用，理解和声如何从“语法”走向“诗意”。 第三部分：曲式结构与风格分析 理论知识最终需要应用于对完整音乐作品的理解上。 七、传统曲式结构：形态的范式 本部分将系统梳理西方音乐的主要曲式形态，包括： 二部曲式与三部曲式： 结构对比与统一的原则。 变奏曲： 旋律、节奏、和声、织体等多种变奏手法。 回旋曲式（Rondo）： 主题的回归与穿插规律。 奏鸣曲式（Sonata Form）： 呈示部、发展部、再现部的内在冲突与解决机制，重点分析主题的对比、转调策略以及呈示部呈示主题的两种主要处理方式（如古典与浪漫时期）。 八、大型作品结构：交响乐的宏大叙事 我们将解析奏鸣曲式在协奏曲、交响曲中的应用与变形，探讨赋格曲的复杂结构，以及乐章间的联系与对比。通过分析贝多芬、莫扎特等大师的作品实例，读者将学会如何从结构层面把握音乐的宏观布局。 九、风格鉴赏与时代特征 理论知识的最高境界是对“时代风格”的辨识。本书将概述从文艺复兴到二十世纪各个音乐时期的核心特征： 巴洛克时期： 对位法的统治地位、固定低音技法。 古典主义时期： 旋律的清晰度、均衡感与奏鸣曲式的确立。 浪漫主义时期： 主观情感的爆发、和声的自由化与配器的扩张。 印象主义与二十世纪： 调性的瓦解、无调性音乐的出现、序列主义与偶然音乐的探索。 结语：理论与创造的桥梁 本书最终的目标是激发读者的创造力。我们将探讨如何将所学的理论知识转化为个人的音乐语言，鼓励读者将严谨的理论训练转化为自由的音乐表达。本书提供的不仅仅是知识点，更是一种系统性的思维方式，帮助学习者在浩瀚的音乐海洋中，建立起自己的航海图。 本书的深度和广度，确保了它不仅能服务于音乐专业学生的扎实基础训练，也能为有志于深入理解音乐艺术的爱好者提供一套权威且系统的进阶参考。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于爵士乐的和弦编配，但传统的乐理知识在面对爵士乐那种丰富、瞬息万变的色彩时，显得力不从心。幸好我发现了这本《色彩的织锦：现代和声与即兴指南》。这本书的视角非常独特，它完全跳脱了传统的“固定调性”思维，大量篇幅都在讨论如何运用延伸音（9th, 11th, 13th）和替代和弦来创造出那种“慵懒又迷人”的听感。作者在介绍“替代属七和弦”时，不仅给出了各种指法和音型，更重要的是，他解释了为什么这些替代和弦在听觉上能达到比原属和弦更强的“解决感”或“不确定感”。书中还附带了一个非常实用的在线资源库，里面有大量的Bebop和Cool Jazz的和弦进行范例，你可以直接下载MIDI文件来对比听觉效果。最让我惊艳的是关于“调式即兴”的部分，作者没有简单地罗列出各种调式名称，而是根据不同情绪——比如“忧郁的夜晚”、“狂欢的派对”——来推荐相应的调式色彩，这简直是为即兴演奏者量身定制的“情绪调色盘”。这本书的专业性和实践性是毋庸置疑的，它真正让我理解了，为什么同样是C大调，爵士乐听起来可以有如此千变万化的风貌。

评分☆☆☆☆☆

自从接触了现代音乐理论，我发现自己对传统的大小调体系越来越不满足，总觉得它们限制了创作的可能性。于是，我开始寻找一本能带我进入“十二音体系”和“序列主义”的书，并最终找到了《二十世纪的音响空间：超越调性的实验》。这本书的理论深度非常高，但作者的叙述逻辑异常清晰，他没有急于介绍勋伯格复杂的十二音操作，而是先从瓦格纳的“和声的松动”开始，一步步铺垫，解释了为什么“功能性”会逐渐瓦解。书中对序列操作的描述详尽到了极致，包括各种“变体”（倒影、逆行、逆行倒影）是如何构建的，以及这些操作如何保证了音高材料的绝对公平性。最让我震撼的是对“音色序列”和“节奏序列”的探讨，这说明二十世纪的作曲家们已经不再将音乐仅仅视为音高的排列，而是将所有音乐元素——力度、时值、音色——都纳入了严密的组织结构中。对于想深入研究现代音乐结构，或者对阿诺德·勋伯格、安东·韦伯恩的作品有深入探究意愿的读者来说，这本书提供了坚实的理论基石和清晰的分析框架，绝对值得反复研读和思考。

评分☆☆☆☆☆

我是一名从小学习钢琴的业余爱好者，一直对配器法充满好奇，总想着自己也能写点小东西，但总是被各种乐器的音域、音色特性搞得晕头转向。这本《管弦乐的魔法：从独奏到交响的色彩搭配》彻底颠覆了我的认知。它最棒的地方在于，它不是简单地罗列乐器列表，而是聚焦于“跨乐器组合的听觉效果”。比如，它会详细分析“圆号与大提琴低音区的结合”会产生何种温暖厚重的质感，以及“长笛高音区与竖琴琶音的交织”如何营造出“梦幻般的光影效果”。作者甚至深入探讨了不同组乐器之间的动态平衡，指出在四管编制的乐队中，如果铜管组的力度标记是 mf，那么木管组需要达到 f 才能在听觉上达到平衡，这种细腻的观察太实用了。书中还配有大量清晰的音频示例，让你能即时听到作者描述的“音色混合”是什么样子。这本书对于想进行简单配器尝试的人来说，简直是不可多得的实操手册，它把配器从一门高深的学问，变成了一门可以亲自动手的“色彩混合艺术”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过好几本关于曲式结构分析的书，但大多都像是一份干巴巴的法律条文，读起来让人昏昏欲睡。直到我翻开了《建筑师的耳朵：古典音乐的宏大叙事》。这本书的厉害之处在于，它完全是用“叙事学”的眼光来解构奏鸣曲式、回旋曲式乃至赋格的结构。作者认为，任何一段音乐，无论多么复杂，都包含着“开端”、“冲突”、“发展”和“解决”这四个基本要素。比如，在分析莫扎特的一部小提琴协奏曲时，作者将呈示部描绘成“人物的登场与性格展示”，而展开部则被形象地描述为“情节的跌宕起伏与主人公的内心挣扎”，最后再到再现部，则是“冲突的最终化解与主题的回归”。这种文学化的解读方式，极大地降低了理解门槛。我不再是机械地去数“这个是主调，那个是副调”，而是开始去“感受”作曲家是如何一步步引导我的情绪的。书中对赋格的讲解也异常精彩，它不再是复杂的对位规则的堆砌，而是被解释成一场“智慧的对话”，各个声部轮流发言，互相呼应，展现了极高的逻辑美。这本书，让枯燥的曲式分析变成了引人入胜的故事会。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐的奥秘：从和声到结构》真是一本让我茅塞顿开的宝典！我一直对古典音乐抱有浓厚的兴趣，但总觉得那些复杂的乐理知识像一堵高墙，把我挡在了欣赏的门外。这本书的作者显然深谙此道，他没有采用枯燥的术语堆砌，而是将抽象的乐理概念，比如调式转换、功能和声的进行，用极其生动形象的比喻和大量的实例讲解。特别是关于“动机发展”那一章，作者引入了一个关于“建筑蓝图”的类比，一下子就让我明白了看似杂乱无章的音符是如何被精心编排成宏大结构的。我记得以前看一些教材，讲到增六和弦时简直头大，但这本书里，作者用绘画中“色彩的张力与释放”来类比，瞬间就抓住了那种听觉上的美感和功能性。而且，这本书的排版设计也极为考究，大量的五线谱示例清晰易读，作者还贴心地在很多关键的乐段旁边标注了“听觉提示”，引导读者去主动聆听，而不是仅仅停留在纸面上。读完之后，我感觉自己仿佛拿到了一个“音乐世界的解码器”，去听贝多芬的奏鸣曲时，那些曾经觉得“刚好而已”的转调，现在都能体会到其中蕴含的戏剧性和情感深度了。这绝对不是一本用来应试的工具书，它更像是一位循循善诱的导师，带领你真正进入音乐的殿堂。