节奏吉他大师(附CD光盘) 有关摇滚 布鲁斯 FUNK等节奏理念和技巧 200多个不同风格 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 吉林电子出版社

ISBN：9787807205012

商品编码：29535541375

出版时间：2009-09-01

商品详情

探索音乐的深度：经典作曲理论与和声实践 （本书旨在为学习者提供扎实的音乐理论基础，重点关注古典音乐的结构、和声演进及其在现代配器中的应用，与“节奏吉他大师”所侧重的节奏型和风格技巧形成鲜明对比。） --- 导言：超越指板的音乐殿堂 本书《经典作曲理论与和声实践》并非一本关于特定乐器演奏技巧或即兴风格的指南。它是一部深入探索西方音乐传统精髓的理论著作，旨在构建学习者对音乐结构、功能性以及声音组织方式的深刻理解。我们聚焦于“为什么”音乐能够如此打动人心，而非“如何”快速掌握某种演奏模式。本书将带领读者穿越巴洛克、古典主义直至浪漫主义时期的音乐思想核心，并将其作为理解所有音乐形式的基石。 第一部分：基础建筑：音高、音程与调性系统 本章首先奠定坚实的理论基础，它专注于音乐的“骨架”——音高体系。我们将详尽阐述十二平均律的原理及其在历史中的演变，重点分析大调与小调的音阶构建与情感色彩区分。 音程的精确分析： 不仅仅是数半音，而是深入探讨协和与不协和音程在不同历史时期的功能转换。例如，如何从纯五度到增四度（三全音）的张力构建进行分析。 调性功能的建立： 详细讲解主音（Tonic）、属音（Dominant）和下属音（Subdominant）这三大核心功能，以及它们如何定义一个乐段的稳定与不稳定感。我们将大量使用巴赫对位法中的固定声部进行实例分析，而非吉他谱例。 调式与转调的逻辑： 深入探讨教会调式（Dorian, Phrygian, Lydian等）的特点及其在早期音乐中的运用。随后，我们将剖析奏鸣曲式中复杂、多层次的转调技术，例如远关系调的引入，这要求对音乐的“空间感”有清晰的认识。 第二部分：和声的语法：功能和声与织体分析 功能和声是理解西方音乐从17世纪至今运作方式的“语法规则”。本书将这一部分视为核心，因为它解释了和弦之间的必然联系和情感驱动力。 三和弦与七和弦的构造与解析： 详尽区分原位和转位和弦的功能变化。特别关注七和弦（如属七和弦、导七和弦）在推动乐句前进中的决定性作用。 和声进行的速度与密度： 探讨不同时期作曲家如何控制和弦更替的速度。在莫扎特的清晰结构中，和弦更替往往服务于旋律的平衡；而在瓦格纳的音乐中，和声的模糊性和延迟解决则创造出无尽的流动感。 非功能性和弦的引入： 介绍如何解析那些不完全遵循功能和声体系的和弦，如挂留和弦（Suspensions）、经过和弦（Passing Chords）以及借用和弦（Borrowed Chords）。这些技巧是理解浪漫主义晚期音乐色彩的关键。 对位法的精要回顾： 虽然本书不侧重于复杂的复调写作，但我们会简要介绍巴赫赋格曲中的主导动机处理和声进行的方式，即旋律线如何独立运作却又服务于整体和声的稳定。 第三部分：宏大结构：曲式分析与配器思维 音乐的魅力不仅在于瞬间的和声色彩，更在于其长距离的结构布局。本部分着重于分析大型作品的蓝图设计。 奏鸣曲式（Sonata Form）的解构： 详细分析呈示部（Exposition）、发展部（Development）和再现部（Recapitulation）的逻辑。我们关注主题如何被分解、如何进行调性探索，以及主题如何在再现部中以新的和声色彩回归。 变奏曲与回旋曲的结构变化： 研究主题在不同变奏中，如何通过节奏、和声色彩（如转为小调）或织体厚度的改变而获得新生，而不是简单的旋律装饰。 配器色彩的理论基础： 本书不涉及特定乐器的演奏技巧，而是讨论不同乐器组（弦乐、木管、铜管）的音色如何服务于特定的和声功能。例如，铜管在古典时期如何烘托和弦的辉煌性，以及木管乐器如何提供细腻的对位线条。这是一种“声音的配方”，而非“演奏的步骤”。 第四部分：二十世纪的拓展与展望 进入二十世纪，调性体系开始松动。本书的最后部分将探讨作曲家如何系统性地打破传统规则。 无调性与十二音体系的逻辑： 介绍勋伯格如何构建一个全新的、不依赖主音的组织系统，以及这套体系如何取代了传统的功能和声。重点在于序列的排列规则，而非演奏难度。 配器色彩的极端化： 探讨印象主义音乐中对“泛音”和“音响纹理”的强调（如德彪西），以及如何利用不协和音程来营造氛围，而非推动结构发展。 总结 《经典作曲理论与和声实践》提供了一套完整的音乐“阅读”和“理解”的工具箱。它关注的是声音组织背后的逻辑、历史的传承以及结构的力量。本书的学习者将能够更深刻地分析任何复杂的音乐作品，理解其内部的必然联系和美学意图，这是任何仅关注风格模仿或特定乐器速成的书籍无法给予的深度。它是一部关于音乐“建筑学”的专著。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书简直是吉他手的福音！我手里拿的这本《节奏吉他大师(附CD光盘)》真是让我爱不释手。首先，光是那个附带的CD就值回票价了，里面收录的素材质量高得惊人，听着那些精心编排的伴奏，我仿佛置身于一个顶级的录音棚里，跟随大师级别的乐手一起练习。光盘里的音色选择和混音处理都非常专业，完全能让人沉浸其中，这对于理解不同风格的律动感至关重要。而且，CD的播放速度可以调节，这对我这种还在摸索中的人来说简直是救星，慢速练习时能清晰地捕捉到每一个音符的细节和节奏的细微变化，等我感觉适应了，再逐步加速到原始速度，这种循序渐进的训练方式效率高得吓人。CD里的示范曲目跨度极大，从基础的切分音型到复杂的复合节奏型，都有清晰的音频参考，这比光看谱子要直观得多，我强烈建议所有想提升节奏感的琴友一定要好好利用这张光盘，它不仅仅是辅助材料，更是整本书的灵魂所在，没有它，这本书的价值可能会大打折扣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计实在太人性化了，拿在手里感觉非常舒服，不是那种冷冰冰、硬邦邦的教材。翻开内页，你会发现图文的结合简直是教科书级别的典范。每一条理论讲解后面紧跟着的都是清晰到令人发指的乐谱示例，那些指法标记、推把、闷音的符号都标注得一清二楚，完全没有含糊不清的地方。更让我惊喜的是，作者似乎深谙“一图胜千言”的道理，很多复杂的节奏概念，仅仅通过一个精心绘制的图表或手型示意图，就能立刻茅塞顿开。特别是对于一些比较抽象的“律动感”的描述，作者没有空泛地使用一堆形容词，而是直接用视觉化的方式展示了手和手指在琴弦上的精确运动轨迹，这对于初学者建立正确的肌肉记忆帮助太大了。我试着按照书上的图示调整了自己的手型，立刻感觉扫弦的力度和清晰度都上了一个台阶，这种即时的反馈和改进，是其他一些光秃秃的乐谱书完全无法比拟的优势所在。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏作者在内容组织上的宏大视野和严谨的逻辑链条。这本书的编排不是简单的“这个节奏型弹完弹下一个”，它构建了一个清晰的知识进阶路径。从最基础的拍子感建立开始，然后逐步深入到不同音符时值的组合应用，接着才开始细分到各种风格的特点。这种由浅入深，由通用到特殊的结构，让人在学习时心里特别踏实，知道每一步都是在为更高阶的技巧打地基。更绝妙的是，它没有被局限于某一种特定的技术流派，而是像一个百科全书一样，为我们铺开了整个节奏吉他的全景图。当你掌握了某一种基础的律动模式后，作者会立刻展示这种模式如何在不同的音乐背景下进行“变体”和“融合”，这极大地激发了我对不同音乐风格的探索欲。我感觉自己不再是机械地模仿练习，而是在真正理解节奏的“生成原理”，这种知识体系的构建，是这本书最核心的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

让我印象极其深刻的是作者那种充满激情的教学态度，虽然是通过文字和乐谱传达，但依然能感受到他对节奏音乐的热爱。通读全书，你会发现作者不仅仅是在传授技巧，更是在“灌输”一种对律动的敏感度和对音乐细节的尊重。他似乎在不断地提醒读者，节奏吉他手不仅仅是“和弦的搬运工”，而是整个乐队的“时间轴”和“心脏”。书中有些章节虽然看起来是关于简单的扫弦模式，但作者会用非常富有哲理的语言去阐述背后的动机和感觉，比如如何控制“松弛感”和“紧绷感”之间的微妙平衡。这种深层次的引导，让人在弹奏时开始注重“感觉”而非单纯的“准确性”，这才是区分普通演奏者和真正大师的关键所在。读完这本书，我感觉我对节奏的理解深度都有了一个质的飞跃，不再满足于弹得快弹得准，而是开始追求弹得“有灵魂”。这是一本能改变你弹琴哲学的书，绝对物超所值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性简直是无与伦比的，它真正做到了“拿来就能用”。我过去买过一些理论书，虽然讲得头头是道，但真到了实战中，总感觉和自己的吉他脱节，不知道该怎么应用到乐队排练或者即兴伴奏中去。但《节奏吉他大师》完全没有这个问题。书中的每一个章节，几乎都配有“实战应用”或者“风格融入”的小提示。比如，当讲到某个布鲁斯节奏型时，作者会马上指出在12小节布鲁斯进行中，这个节奏型应该放在哪个位置，或者在什么和弦上进行变化，这比单纯的指法教学高明太多了。我拿着书里的例子去和朋友Jam，效果立竿见影，朋友都问我最近是不是偷偷换了老师。这种将理论、技巧与实际音乐场景无缝对接的能力，使得这本书不仅仅是我的练习手册，更像是我的“现场演奏速查指南”，极大地提升了我在各种音乐场合下的适应能力和表现力。