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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 吉林出版集团有限责任公司

ISBN：9787728004756

商品编码：29535795376

出版时间：2012-04-01

商品详情

音乐的奥秘：一部深入探索古典乐理与和声创作的权威指南 本书名：《音乐的奥秘：从巴赫到现代的结构与情感解析》 --- 导言：超越指法的殿堂 本书并非旨在教授具体的乐器演奏技巧，也无意成为初学者的入门读物。相反，它是一次对音乐内在逻辑、结构美学以及情感表达深层机制的哲学性探索。我们聚焦于音乐作为一种复杂的语言系统，如何通过其内在的组织原理，实现对人类情感的精确编码与传递。对于那些已经掌握了基本演奏技能，渴望理解音乐“为什么”动听，以及“如何”构建宏大音乐叙事的学习者、作曲家、分析师和高级音乐爱好者而言，这是一扇通往音乐艺术核心殿堂的钥匙。 本书的写作风格严谨而不失洞察力，大量引用历史文献、音乐实例分析以及前沿的认知科学研究，旨在提供一个全面、立体且富有启发性的音乐理论知识体系。 --- 第一部分：音高的建筑学——西方音乐体系的基石 本部分将对西方音乐理论的核心框架进行细致的解构与重构，重点放在理解音高关系如何构建起整个音乐的物理和心理基础。 第一章：频率与感知：音高的物理学与心理声学 音高的物理本质： 深入探讨声波的频率、泛音列（Overtones Series）的构成，以及人耳对频率变化的敏感度。超越十二平均律的局限性，讨论纯律（Just Intonation）在历史上的重要性及其对和声色彩的影响。 音高知觉的心理学： 分析大脑如何处理音高信息，包括听觉错觉（如模糊音、缺失基频）对音乐理解的启示。讨论文化差异对音高认知的塑造作用。 调性（Tonality）的诞生与演变： 追溯从古代调式（Modes）到大小调体系（Major/Minor System）的演变过程。重点分析调性作为一种“稳定点”和“预期机制”如何在听觉体验中建立音乐的重心。 第二章：音程与和弦：空间关系的构建 音程的深度解析： 不仅是量化关系，更深究每个音程（如三度、五度、七度）在听觉上带来的张力、和谐或不和谐的特质。分析特定音程组合在不同历史时期扮演的角色。 和弦的形态学： 系统梳理三和弦、七和弦、九和弦及其变体的结构原理。探讨“功能和声”（Functional Harmony）的定义，区分主、属、下属功能背后的听觉逻辑。 非传统和声的探索： 深入分析集合理论（Set Theory）在无调性音乐中的应用，如音高集合（Pitch Class Sets）的概念。探讨集合理论如何为二十世纪音乐的结构分析提供工具。 --- 第二部分：时间的织锦——节奏、节拍与形式的动态学 节奏是音乐的“骨架”和“血液”，本部分关注时间维度上声音的组织方式，以及它们如何共同塑造宏大的音乐叙事。 第三章：节奏的复杂性与律动（Groove）的哲学 节拍（Meter）与韵律（Rhythm）的辩证关系： 区分两者在音乐结构中的作用。分析复合拍号、异拍（Polymeter）和非重音的运用如何创造节奏的驱动力。 复节奏（Polyrhythm）的数学美学： 详细解析不同拍速比如何叠加，探讨其在非洲音乐、印度音乐以及二十世纪早期作曲家（如斯特拉文斯基）作品中的应用。 律动的心理学： 探究“律动感”（Groove）是如何产生的，这涉及运动预期的建立与释放。分析如何通过对重音位置的微妙偏移来影响听者的身体反应。 第四章：音乐的宏大结构：曲式分析的深度透视 古典曲式的严谨性： 详细解剖奏鸣曲式（Sonata Form）的三个核心阶段（呈示部、展开部、再现部）的内在逻辑和转调策略。分析主题的“发展”（Development）过程，即如何从动机（Motive）层面进行结构性转化。 复调音乐的逻辑引擎： 深入巴赫对位法（Counterpoint）的精髓。着重于模仿（Imitation）、卡农（Canon）与赋格（Fugue）的构建规则，理解多声部线条如何在保持独立性的同时实现和谐统一。 主题与变奏（Theme and Variations）： 分析变奏手法（如节奏变奏、和声变奏、织体变奏）如何体现作曲家对核心音乐材料的深入挖掘。 --- 第三部分：和声的色彩与情感的编码——从浪漫主义到现代思潮 本部分超越了功能和声的界限，探讨和声语言如何随时代发展，成为表达复杂人类情感的工具。 第五章：调性边缘的探索：后浪漫主义的和声革命 瓦格纳的延伸与限制： 细致分析《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”及其对传统调性解决的延迟，探讨这种和声手法如何与文学叙事中的无限渴望相对应。 印象派的和声色彩： 研究德彪西和拉威尔如何运用全音阶（Whole-Tone Scale）、五声音阶以及和弦的“悬置”（Suspension），以营造氛围而非推动功能进程。 调式中心（Modal Centricity）： 分析如何通过重复一个和弦或音高中心，构建出一种没有明确调性主导，但仍有稳定感的听觉结构。 第六章：无调性、十二音技法与声音的重构 勋伯格的突破： 全面阐述十二音序列（Twelve-Tone Technique）的生成规则（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion）及其在消除调性等级中的作用。分析如何利用序列的排列组合来维持内部的组织性。 序列主义的扩展： 介绍后勋伯格时代，如韦贝恩对元素（音高、时值、力度）的全面序列化处理，以及对音乐密度和空间感的精妙控制。 偶然音乐（Aleatoric Music）的哲学： 探讨约翰·凯奇等作曲家如何通过引入不确定性（如掷骰子、随机过程）来挑战“作曲家意图”的权威性，将听者的感知和环境声响纳入音乐体验。 --- 结语：听觉的无限可能 本书的终极目标是提升读者的“主动聆听”能力。理解了这些深层的结构原理后，无论是欣赏一部交响乐的精妙布局，还是分析一段爵士即兴的色彩变化，读者都将能超越表层的旋律，直抵作曲家思想的脉络。音乐的奥秘，不在于指尖的灵巧，而在于心智对结构与情感的深刻洞察。 本书适合对象： 音乐学院高年级学生及研究生。 专业的音乐分析师、乐评人。 渴望从演奏者升级为深刻理解者的成熟乐手。 所有对音乐理论的深层逻辑和历史发展脉络抱有强烈好奇心的听众。

评分☆☆☆☆☆

我主要对爵士乐的即兴演奏非常感兴趣，所以买了很多关于和声与和弦进行分析的书籍，但大部分都停留在理论层面，真正能指导我在乐器上“开口说话”的书籍太少了。这本我淘到的关于爵士钢琴的和声分析手册，可以说是打开了我对即兴理解的一扇窗。它没有纠结于晦涩难懂的数学公式来解释音程关系，而是着重于“听感”和“功能性”。比如，它用大量篇幅去解析“ii-V-I”这个最核心的进行，不是简单地给出和弦名称，而是通过不同调性下的实际演奏范例（虽然是文字描述的范例，但描述得极其到位），让我明白为什么某个经过音会听起来“流畅”，而另一个会听起来“紧张”。更让我惊喜的是，它深入探讨了“替代和弦”在不同节奏型中的应用。作者的笔触非常细腻，他会提到某个特定的爵士大师在处理特定和弦转位时所偏好的“色彩音”，这种从理论到实践的无缝对接，让我感觉自己不再是单纯地在“弹奏”和弦，而是在“雕刻”声音的质感。对于想要从古典和弦思维跳跃到爵士和声语汇的朋友，这本书的引导作用是革命性的。

评分☆☆☆☆☆

这本鼓谱简直是为我这种完全的新手量身定做的！我以前买过几本号称“零基础入门”的书，结果翻开第一页就看到了密密麻麻的五线谱和复杂的乐理符号，看得我头晕眼花，直接劝退。但是这本鼓谱，它的编排逻辑简直太清晰了。它没有一开始就抛出难度，而是用非常形象的图示，把最基础的坐姿、持棒方式，甚至连如何正确地“敲击”鼓面都讲得非常细致。我记得最开始是教如何打出均匀的“四分音符”，用非常口语化的语言来描述节奏的律动感，而不是生硬的术语。而且，它还附赠了一些配套的练习素材（虽然我买的不是带视频的版本，但是光看书上的节奏图就能体会到作者的用心）。它把最枯燥的练习变成了一个个小挑战，每完成一个小节，都会有一种“我竟然能做到”的成就感。对于那些希望通过自学找到乐趣，而不是被厚厚的理论压垮的鼓手来说，这本书绝对是能让你真正坐到鼓前，并坚持下去的良师益友。我特别喜欢它后面关于基础律动（Groove）的分解讲解，能清晰地分辨出“摇滚”和“放克”在底鼓和军鼓上的细微差别，这是我以前看其他教材时完全没注意到的细节。

评分☆☆☆☆☆

我最近开始尝试写一些比较复杂的交响乐配器作品，这对我的挑战非常大，因为我更擅长的是室内乐的写作。我急需一本能系统梳理管弦乐队中各类乐器音色特点、音域限制以及最佳组合方式的参考书。我在亚马逊上找到了这本被誉为“管弦配器圣经”的工具书。它的编排结构非常实用，不是简单地按乐器家族罗列，而是直接给出了不同乐器在特定情境下的“配器指南”。比如，在描写宏大场面时，它会详细对比铜管组中圆号、小号和长号在高音区同时奏响时的平衡关系，并给出了非常明确的声学建议，比如“圆号应放在长号的上方以增加和声的柔和度”。它还专门辟了一个章节来讨论“独奏乐器与乐队的对话”，分析了木管乐器在对位时如何巧妙地穿插而不盖过主要旋律。这本书最大的价值在于，它不只是告诉你“能写什么”，而是告诉你“写成什么样才最好听、最平衡”。对于配器新手来说，它像一位经验丰富的老指挥家，在你下笔之前就帮你把那些潜在的听觉陷阱一一排除了。

评分☆☆☆☆☆

我的孩子最近迷上了电子音乐制作，但他对传统乐理一窍不通，我希望能找到一本既能教他基础的音乐概念，又能结合时下流行的数字音频工作站（DAW）操作的书。最终我选择的这本《从零开始的音乐制作与声音设计》出乎意料地成功了。它几乎没有涉及传统的五线谱，而是完全围绕着节拍器、量化（Quantization）和音轨编辑展开。它用非常图形化的界面截图，一步步教孩子如何在软件中创建基础的鼓组循环（Loop），并讲解了诸如“Sidechain压缩”这样的专业技术，但描述起来就像在玩一个有趣的拼图游戏。最棒的是，它对“声音设计”的讲解极其直观，比如如何通过调整振荡器波形来模拟水滴声或金属撞击声，这比单纯学习音阶要有趣得多。这本书的理念非常先进，它不把音乐视为一套固定的规则，而是一个可以被塑形的“声音材料”，极大地激发了孩子的创造力和动手能力。对于希望孩子能快速上手数字音乐创作的家长来说，这本书的实践性是无可替代的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名专业的低音提琴演奏者，我对乐器的历史沿革和制作工艺一直抱有浓厚的兴趣。我希望找到一本能够深入探讨从早期维奥尔琴到现代低音提琴制作工艺演变的书籍。然而，市面上大部分关于弦乐器的书籍，要么是偏向于小提琴家族的精细制作，要么就是泛泛而谈的乐器发展史。这本我手上这本关于“低音提琴构造与声学原理”的著作，简直是找到了宝藏。它详细记录了不同时期制琴师对手板弧度、音柱位置乃至木材选择的考究。书中附带了大量清晰的内部结构图，甚至精确到了每一根支撑木的尺寸和功能。更让我震撼的是，它将物理学的声学原理与实际的演奏反馈结合起来。例如，它用图表分析了不同音窗开口大小对低音区共鸣的影响，并结合了不同演奏家对“温暖度”和“穿透力”的不同追求，提出了相应的调整方案。这本书的学术深度和专业性是毋庸置疑的，对于想自己动手维护或研究低音提琴声学特性的演奏者或制琴师来说，它提供的深度和细节是其他任何材料都无法比拟的。