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• 富野由悠季
• 分镜
• 影像的原則
• 动画制作
• 五南
• 港台原版
• 繁体
• 电影
• 漫画
• 视觉叙事

店铺： 拓特图书专营店

出版社： 拓特出版社

ISBN：9789571177342

商品编码：28228272337

正文语种：繁體中文

影像的原則：初學者到專業人士的分鏡

• 作者：  
• 譯者：
• 出版社：
• 出版日期：2014/10/25
• 語言：繁體中文

• ISBN：9789571177342
• 規格：平裝 / 344頁 / 17 x 23 cm / 普通級 / 單色印刷 / 初版
• 出版地：台灣

內容簡介

只憑感性拍不出好作品，影像需要的是原則！
教您如何搞懂影像！！
日本動畫自從《原子小金剛》誕生以來，便不斷發展出各種多變的題材以及獨到的技術，更創出了無數名作，樹立起異於歐美卡通的另一流派。另一方面在台灣，日本影像文化雖擁有廣大觀眾群，連許多創作者都深受影響，但動畫、電影思維仍舊主要源自歐美。無論是在教育或論述上，可說皆與現實需求有所落差。

而本書──動畫巨匠富野由悠季所撰寫的《影像的原則》，便是一本將日本動畫奧妙傳授給各類讀者的影像創作心得書。

本書並不如一般坊間書籍的教條式內容，而是藉著身為導演俯瞰式的角度來暢談影像作品。文章以深入淺出的筆法寫成，並輔以大量插畫與範例的形式呈現，針對動畫、真人電影、3D動畫的異同進行詳細說明；不只包含影像作品的基本原則、理論基礎、運用手法、創作心得等四大層面，話題更牽涉到企劃、劇本、運鏡、演出、作畫、配音、音效等層面。是一部兼具專業性與趣味性的影像書。

富野由悠季導演在日本與宮崎駿導演並稱兩大動畫巨匠，不但活躍於創作現場超過半世紀的時間，更參與過上百部影像作品。這一本在日本暢銷多年、由各界知名人士推薦的影像書，必然能夠滿足所有創作者、動漫迷以及一般觀眾，培養出對於影像的全新視野！

作者介紹

作者簡介

富野由悠季（Tomi Yoshiyuki）

1941年11月5日生，出身於日本神奈川縣小田原市。日本大學藝術學部電影學科畢業後，1964年進入虫製作公司，即於日本第*部連續電視動畫《原子小金剛》首次負責劇本、演出。1967年離職成為自由工作者後參與了大量作品，甚至在業界獲得「描繪千集分鏡」的外號。1979～80年擔任總監督、原作的《機動戰士鋼彈》一作，在播映後引發社會現象，富野也一舉成名。之後又執導大量動畫作品，除了擔任導演與原作外，同時又撰寫小說、隨筆集並從事作詞，更擔任金澤工業大學與京都精華大學等大學客座教授，活躍於各種領域。2014年10月，富野的新作TV動畫《GUNDAM Reconguista in G》即將開播，與好萊塢合作的動畫電影更將於2015年之後上映。

【主要演出作品】
TV《海王子》（72）、《無敵超人桑波德3》（77～78）、《聖戰士丹拜因》（83～84）、《機動神腦》（98）、《極限戰士》（02～03）、電影《機動戰士鋼彈》（三部曲／81～82）、《傳說巨神伊甸王 接觸篇／發動篇》（82）、《Xabungle Graffiti》（83）、《機動戰士鋼彈 逆襲的夏亞》（88）、《機動戰士鋼彈F91》（91）、《?鋼彈 Ⅰ地球光／Ⅱ月光蝶》（02）、《機動戰士Z鋼彈》（三部曲／05～06）、OVA《卡茲之翼》（96）、《麟光之翼》（05～06）等。

譯者簡介

林子傑

日文譯者。喜歡歷史、影像與讀書。主要譯作有《神隱少女》、《風起》等吉卜力動畫系列、富野由悠季《影像的原則》，以及手塚治虫系列作品。除翻譯外，也從事日文寫作，目前經營有中日雙語部落格：kaito2198.blog43.fc2.com/

目錄

總論
第１章 影像的根本
第２章 故事會跨越時間
第３章 影像的特性
第４章 數位技術以前的現實問題
第５章 影像的原則
第６章 分鏡主義
第７章 新手實務
第８章 分鏡的實務處理學
第９章 作畫的演出處理學
第１０章 的演出心得
第１１章 畫面以外的事物＝聲音
第１２章 何謂娛樂

 

视觉叙事的基石：从构思到呈现的电影制作技术精粹 导读： 电影制作是一门将抽象概念转化为具体视觉体验的艺术，而其核心往往在于精准、有效的画面构建与叙事节奏的把控。本书聚焦于电影、动画乃至所有动态影像创作中至关重要的技术环节——“分镜”（Storyboard）的精深运用。它不仅是一本技术手册，更是一部深入探索视觉语言构建逻辑的著作，旨在为所有渴望提升叙事功力的创作者提供一套系统化、可操作的实践框架。 第一部分：理解视觉语言的底层逻辑 本书的开篇着重于奠定扎实的理论基础。在进入具体绘制技巧之前，我们必须清晰认识到，分镜绝非仅仅是草图的堆砌，它是视觉化的剧本，是连接剧本文字与最终成片的桥梁。 1. 叙事与画面的交互关系： 本部分详细阐述了镜头语言的内涵及其在叙事中的功能性。我们探讨了如何利用景别（特写、中景、全景）来控制观众的情感焦点和信息密度。例如，一个精确的“过肩镜头”（Over-the-Shoulder Shot）如何瞬间建立角色间的空间关系和对话张力，而非仅仅记录对话本身。此外，视角高度（Eye-Level, High-Angle, Low-Angle）对角色权力感和观众心理投射的影响，被系统地剖析和图示化。 2. 节奏与时机的掌控艺术： 电影的“呼吸”来自于剪辑，而剪辑的蓝图则绘制于分镜之中。我们深入解析了“节拍”（Beat）的概念，探讨如何通过画面构图的变化来预示事件的发生，以及如何通过连续镜头的长度差异来操纵时间感知。书中提供了大量的实例分析，说明一个关键动作（如递送文件、转身离开）在不同长度的镜头中如何传递出截然不同的潜台词。 3. 空间感与景深构建： 动态影像的迷人之处在于它能模拟三维空间。本书强调了如何在二维平面上精确地表现深度。这包括对透视原理的实际应用，以及如何利用前景、中景、背景的元素布局，清晰地引导观众的视线流向。我们将探讨“景深”（Depth of Field）在分镜中的视觉暗示作用，即便在打板阶段，也需要预设最终的焦点所在。 第二部分：分镜设计的实战工具箱 本部分转向实际操作层面，为初学者和经验丰富的专业人士提供一套可立即应用的、严谨的分镜制作流程和技巧。 1. 从文字到线条的转化流程： 详细分解了从剧本阅读、关键场景提炼，到绘制草稿的全过程。我们倡导一种“功能性绘制”而非“艺术性精雕细琢”的初期理念。分镜的价值在于传达信息，而非追求完美的美感。书中提供了针对不同类型场景（动作戏、情感对话、大场面调度）的快速草图模板和笔记记录规范。 2. 运动镜头的表达法： 运动是动态影像的灵魂。本书用大量篇幅解释了如何在静态的分镜格中清晰地表达镜头的移动意图。这包括对平移（Pan）、摇摄（Tilt）、推轨（Dolly）和升降（Crane）的标准化符号标记系统。我们教授如何通过“运动轨迹线”和“关键帧序列”来清晰地告知摄影师和后期团队镜头变化的轨迹和速度感。 3. 表情、肢体语言的精微捕捉： 角色表演是叙事的关键支撑。分镜师需要捕捉到演员在特定瞬间的微表情。本章节提供了面部表情和身体姿态的“速写库”，侧重于如何用最简练的线条捕捉到“怀疑”、“挣扎”或“释然”等复杂情绪的转折点。同时，也讨论了如何使用“动作线”（Action Lines）来强调角色意图的强度。 4. 声音设计的视觉化预设： 优秀的分镜会预先考虑声音的介入。书中解释了如何标记对白框以外的声音线索——如环境音效、音乐提示、或非画面的声音来源——以便导演和音效设计师能更好地协同工作，确保视觉与听觉的同步性和冲击力。 第三部分：超越初级，迈向专业化调度 成功的影像作品往往在分镜阶段就已确定了其独特的风格和调度策略。本部分旨在提升创作者的“导演思维”。 1. 场景调度与场面调度（Mise-en-scène）： 我们探讨了如何在有限的画面空间内，最大限度地利用布景、灯光（的预设概念）和演员的走位来强化主题。书中通过深入分析经典电影场景，展示了如何通过“负空间”（Negative Space）的运用，来制造压迫感或孤独感。调度不再是随机的走位，而是有目的的几何排列。 2. 分镜的迭代与版本控制： 专业制作中，分镜是不断修改的文档。本章介绍了如何高效地管理分镜版本，如何接受和整合来自导演、摄影指导、艺术总监的反馈意见，并将其转化为可执行的修改。这部分侧重于团队协作的工具和沟通策略。 3. 3D与动态预览的结合应用： 随着技术的发展，分镜越来越趋向于三维化。本书介绍了如何利用简单的三维软件（如预可视化工具）来辅助验证复杂的镜头运动和空间布局，确保分镜的物理可行性，减少后期制作中的盲目性。这部分内容强调了技术对创意表达的辅助作用，而非取代传统分镜的核心地位。 结语：视觉故事家的自我修养 本书的终极目标是培养创作者的“影像直觉”和“精确表达能力”。分镜是创作者与世界沟通的语言，掌握它，意味着拥有了将脑海中转瞬即逝的灵感，转化为清晰、有力、且能被高效执行的视觉蓝图的能力。通过本书的学习，读者将能够自信地掌控每一个画面的价值，真正实现对视觉叙事的完全掌控。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个非常注重“实操性”的读者，纯粹的理论对我来说往往是空中楼阁，读完就忘。但这本书的厉害之处，就在于它将抽象的概念全部转化成了可操作的步骤和案例。里面穿插的大量图示，可不是那种敷衍了事的草图，每一个分镜框都像是一次精心的推演，标注详尽，从演员的目光方向到场景中光线的处理，都做了细致的标记。我发现，即便是那些看似随性的镜头设计，背后都隐藏着严密的计算和深思熟虑的视觉效果目标。我甚至把家里的笔记本拿出来，跟着书里的示范开始临摹，与其说是临摹，不如说是学习那种“设计思维”。这种“边学边做”的反馈机制，极大地提高了我的学习效率和兴趣，它不再是一本“供着看”的书，而是一本“用脏了”的工具书，书页边缘已经被我画满了各种笔记和箭头，这才是对我来说最有价值的阅读痕迹。

评分☆☆☆☆☆

作为一个习惯了快速获取信息的新媒体时代的原住民，我本以为这种偏向“传统媒介”的专业书籍，阅读起来会显得有些枯燥和拖沓。然而，作者在文字风格上的把握非常到位，他成功地在保持专业深度的同时，注入了一种近乎哲学的思辨色彩。他的语言流畅且充满力量，不矫饰也不卖弄，而是像一位沉淀了数十年功力的老匠人在娓娓道来他毕生的经验教训。特别是一些关于“留白”和“暗示”的章节，作者用了非常精炼的句子，点出了那些往往在初级分镜教程中被忽略的关键。他似乎在告诉我们，分镜不仅仅是画出来，更重要的是“不画什么”，这种对视觉留白的艺术处理，极大地提升了整本书的格调。读到这些地方，我的内心会产生一种强烈的共鸣，仿佛作者能够穿透屏幕，直接理解我这个学习者在创作中遇到的所有困惑。

评分☆☆☆☆☆

这部书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种带着复古气息的排版和略显粗砺的纸张质感，一下子就把我带回了上世纪八九十年代那种充满匠人精神的出版年代。初次上手时，我甚至有些犹豫要不要马上拆开塑封，生怕破坏了这份“新书的仪式感”。内页的印刷质量也让人挑不出什么毛病，墨色浓郁而均匀，即便是最细微的线条和文字，都清晰锐利，这对于一本专注于“影像”和“分镜”的书来说，简直是至关重要的基础保障。光是抚摸着书脊和翻动书页时发出的那种干燥的沙沙声，就足以让人感到满足。它不像现在很多新书为了追求轻薄而牺牲了厚重感，这本书拿在手里沉甸甸的，透露出一种扎实可靠的分量，仿佛作者倾注的心血，都被凝固在了这一方寸之间。那种对细节的苛求，从外包装就开始了，让我对接下来阅读的内容充满了无限的期待和尊重，仿佛这不是一本普通的教学用书，而是一件值得珍藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

我作为一个资深的电影爱好者，一直对幕后制作流程中的视觉语言构建抱有极大的好奇心，尤其是那种能将复杂叙事瞬间凝固在二维框架里的能力。这本书的整体逻辑梳理得极为精妙，它没有一开始就抛出那些高深的理论术语，而是像一位经验老到的导师，循循善诱地引导读者进入分镜世界的底层逻辑。从最基础的景别选择如何影响观众的情绪代入感，到如何通过镜头运动来制造张力，每一步的展开都像是为新手搭建的坚实阶梯。我特别欣赏作者在处理“叙事节奏”这一块时所展现出的洞察力，他没有停留在机械地告诉你“该用什么镜头”，而是深入剖析了“为什么用这个镜头”，这种对意图的阐述，远比单纯的技巧罗列要来得深刻和耐人寻味。读完其中的几章，我立刻尝试用书中的理念去解构我最喜欢的几部经典作品的片段，那种豁然开朗的感觉，真的难以言喻，仿佛过去只是在看热闹，而现在开始真正“读懂”影像了。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，市面上关于影视制作的书籍汗牛充栋，但很多都只是停留在对行业巨头的“致敬”和对既有成就的“复盘”，缺乏一种面向未来的、能够指导我们这些“后来者”真正跨越鸿沟的实战指导。这本书给我的最大感受就是它的前瞻性和普适性。它教我的不仅仅是如何画好“富野由悠季式”的分镜，而是如何建立一套属于自己的、能够应对未来任何视觉挑战的“原则”和“思维框架”。那些关于镜头语言如何与叙事结构深度融合的论述，无论你是做动画、真人电影、还是短视频广告，都能从中找到可以直接套用的底层逻辑。它真正实现了从“术”到“道”的升华，让我意识到，好的影像创作，归根结底是对人类感知机制和情感共鸣点最精准的把控，这本书无疑是搭建这座桥梁的最好工具，让我对接下来的创作生涯充满了更清晰、更有方向感的期待。