高级钢琴音阶和弦琶音（修订版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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熊道儿 著

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• 钢琴教材
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• 音阶
• 和弦
• 琶音
• 钢琴技巧
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• 乐理知识
• 钢琴考级
• 钢琴学习

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805534329

版次：2

商品编码：12388620

包装：平装

开本：大16开

出版时间：2004-08-01

用纸：胶版纸

内容简介

音阶、和弦、琶音练习是学习钢琴的必由之路，是钢琴演奏的重要技巧。《高级钢琴音阶和弦琶音（修订版）》是为了使学生能更系统的学习音阶、和弦、琶音而编写的。
　　钢琴二十四大小调阶、和弦、琶音的指法繁多，为了使学生能更容易掌握各调的指法（传统弹奏的指法），《高级钢琴音阶和弦琶音（修订版）》采用同名大小调来编排。同名大小调的指法基本相同，属七和弦及导七和弦也相同。
　　各个调的记谱只写了两个八度，学生可根据需要，按谱上的指法延伸弹三或四个八度。
　　乐谱所有练习只写了右手部分，左手应降低八度弹奏。乐谱上方是右手指法，下方是左手指法。
　　主权发参书目：《钢琴技巧练习》（［法］玛格丽特·朗）、《钢琴技术合理原则》（［法］柯托）、《音阶、琶音、和弦一览表》（［俄］兰辛）。

目录

前言
音阶、琶音的准备练习
C大调与c小调音阶、和弦、琶音
G大调与g小调音阶、和弦、琶音
D大调与d小调音阶、和弦、琶音
A大调与a小调音阶、和弦、琶音
E大调与e小调音阶、和弦、琶音
B大调与b小调音阶、和弦、琶音
升F大调与升f小调音阶、和弦、琶音
升D大调与升c（降d）小调音阶、和弦、琶音
升A大调与升g（降a）小调音阶、和弦、琶音
升E大调与升d（降e）小调音阶、和弦、琶音
升B大调与升d小调音阶、和弦、琶音
F大调与f小调音阶、和弦、琶音
半音音阶
全音音阶

《音乐理论与实践的精妙结合：现代作曲技巧解析》 一部深入剖析音乐创作核心机制的权威著作 在音乐创作的广袤领域中，理论与实践的有效结合是区分匠人与艺术家的关键。本书《音乐理论与实践的精妙结合：现代作曲技巧解析》，并非着眼于基础技法的机械重复，而是致力于揭示当代音乐作品背后深层的结构逻辑、和声语言的演变，以及如何将这些复杂的理论转化为富有表现力的听觉体验。 本书的目标读者群体是具有一定音乐基础，并渴望在自身创作中实现突破的作曲家、编曲人、高级音乐学生以及音乐理论研究者。我们假定读者已经熟悉基本的乐理知识，例如调性、节奏、基础和弦构成等，因此，本书将直接切入更具深度和挑战性的领域。 第一部分：二十世纪及以后的和声语汇重构 传统和声体系是西方音乐的基石，但现代音乐的发展早已超越了功能和声的框架。本部分将细致考察二十世纪初以来，作曲家们如何系统性地解构和重塑和声语言。 第一章：调性消融与新调性思维的建立 本章首先回顾了德彪西、斯特拉文斯基等早期现代主义作曲家如何通过全音阶、五声音阶以及非功能性的和弦堆叠来模糊传统调性中心。重点探讨了“中性音高”和“非功能性音组”在构建新的听觉空间中的作用。随后，我们将深入分析阿诺德·勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）的内在逻辑。我们不仅会讲解“音列”的构造规则（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion），更会探讨如何运用音列的排列组合来生成具有内在统一性的长篇音乐结构，避免其沦为机械的音高分配。对序列主义（Serialism）的讨论，将延伸至节奏、力度和音色的序列化处理，阐述韦伯恩、布列兹等人在这一领域的开创性贡献。 第二章：多调性、复调与空间和声 本书的重点之一在于对多调性（Polytonality）和异调性（Heterophony）的深入剖析。通过巴托克、达律士·米约的作品实例，解析如何通过清晰界定不同调性层面的交织与碰撞来创造张力，而非简单的和弦叠加。特别关注“和声空间”的概念，即如何利用音程的特定组合来暗示三维或更高维度的听觉体验。此外，对复调织体（Counterpoint）的探讨将超越巴赫时期的对位法，转向拉赫玛尼诺夫晚期作品和肖斯塔科维奇的讽刺性对位，研究如何在不牺牲现代和声色彩的前提下保持织体的清晰度。 第三章：微音程、集群与非传统音响 现代音乐对音高的探索已扩展到半音之外。本章详述了微音程（Microtones）在不同文化音乐中的应用，以及二十世纪中叶以来，如伊夫斯、哈里森等人在西方音乐中引入四分之一音（Quarter Tones）和更小音程的实践方法。集群音响（Tone Clusters）的运用不再仅仅是制造噪音，而是被视为一种具有特定密度和质感的“和声块”。我们将分析亨利·考威尔的钢琴集群演奏法，并探讨如何通过对集群密度的精细控制，来表达特定的情感状态或描绘特定的物理现象。 第二部分：节奏、形式与结构动力学 音乐的骨架在于其结构和时间组织。本书旨在提供一套工具，用以解构和重构音乐的宏观形式。 第四章：节奏的复杂化与复合节拍 节奏不再局限于固定的拍号。本章深入探讨了复合拍号（如 5/4, 7/8）的内部驱动力，并剖析了不对称节奏的运用。重点分析了斯特拉文斯基《春之祭》中如何通过对不同节奏动机的周期性重叠和突然断裂来制造原始的能量。更进一步，本书引入了“节奏聚合”（Rhythmic Stratification）的概念，即在同一时间轴上叠加多个相互独立且速度不同的节奏层，这对于电影配乐和前卫爵士乐编曲至关重要。 第五章：非线性结构与开放性形式 传统曲式如奏鸣曲式、回旋曲式在现代音乐中常被颠覆。本章考察了“开放形式”（Open Form）和“不定性音乐”（Indeterminacy）的结构原则。对布赫德霍夫和凯奇作品的分析，将展示作曲家如何通过流程图、概率模型或留白来构建作品，允许演奏者在既定框架内拥有创作自由。同时，我们将讨论“片段式叙事”（Episodic Narrative）结构，即音乐如何通过一系列不连续的、但主题相关的片段来构建整体的意义，这在后现代音乐和电子乐中尤为常见。 第六章：动机发展的新路径：形态学与转化 动机（Motive）是音乐的细胞。本书提出了超越传统展开式（Development）手法的动机转化策略。我们探讨了“形态学分析”（Morphological Analysis），即如何将一个核心动机的节奏轮廓、音程关系、音色特征等元素系统地转化为新的音乐材料。例如，如何将一个旋律动机的节奏型转化为一个和声进行的速度框架，或将其音程结构应用于配器方案中，实现材料的内在统一性。 第三部分：配器、音色与电子媒介的融合 声音的本质——音色（Timbre）——已成为现代作曲中与音高和节奏同等重要的维度。 第七章：管弦乐配器的色彩革命 本章不再局限于乐器的高中低音域分配，而是聚焦于“声音的质感”和“乐器的非传统用法”。我们将分析拉威尔和德彪西如何运用特定乐器的弱奏和特殊演奏法（如弦乐的泛音、木管的超吹）来创造新的色彩混合。特别关注对高密度乐器组（Massed Instruments）的处理，研究如何通过精确控制组内乐器的微小差异，制造出类似“声场移动”的听觉幻觉。 第八章：电子音乐的集成与声学声学的交汇 当代作曲家必须掌握电子媒介。本章探讨了模拟合成器、数字音频工作站（DAW）中的声音设计原理，以及如何将纯粹的电子音响与传统管弦乐进行无缝整合。我们将剖析如何利用傅里叶分析理解声音频谱，并指导读者如何根据特定的和声结构来设计与之匹配的“声音纹理”（Sound Textures）。对现场电子乐的讨论，将侧重于实时处理（Live Processing）技术，如何利用效果器链来重塑传统乐器的音色，使其适应更广阔的音乐语境。 第九章：音乐的“非听觉”维度：空间与时间感知 最终，音乐体验不仅发生在耳朵中。本章探讨了空间性在音乐中的作用，包括多声道音响（Spatialization）和声音景观（Soundscape）的构建。我们分析了环绕声技术（如 Ambisonics）在音乐作品中的应用，以及如何通过对回声、混响和延迟的精细控制，来模拟特定的物理空间，引导听众的注意力流向。本书的结论部分将总结这些前沿技巧如何服务于最终的艺术表达，强调技术服务于美学这一核心原则。 全书配有大量的记谱实例、图表分析，并辅以针对性的创作练习，旨在将复杂的理论转化为可操作的创作工具。它是一本旨在拓宽音乐视野、深化技术理解的实战指南。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余钢琴爱好者，学习多年，但总觉得自己在音乐表现力上有所欠缺。《高级钢琴音阶和弦琶音（修订版）》这本书的出现，无疑为我打开了一扇新的大门。我最欣赏的是这本书的“可视化”教学方式。它不仅仅是提供文字说明，还配有大量的图表和示意图，用最直观的方式展现了音阶、和弦和琶音的构成以及它们之间的联系。尤其是关于“和弦的立体构建”那一章，我以前总觉得和弦就是那么几个音的堆砌，但这本书通过多角度的展示，让我明白了一个和弦可以有如此丰富的变化和可能性，比如如何通过添加七度、九度、十一度、十三度音来增加和弦的复杂度和音乐的层次感。书中还专门辟出章节讲解了“琶音的流畅性与表现力”，我一直以来都觉得琶音练习很枯燥，但这本书通过讲解如何运用不同的速度、力度和节奏来演奏琶音，让我感受到了琶音的魅力，甚至在练习中体会到了音乐的流动和呼吸。我尝试着将书中介绍的一些练习方法融入到我的日常练习中，感觉手指的灵活性和对音乐的掌控力都有了明显的提升。这本书让我不再惧怕那些看似复杂的乐理知识，而是将它们转化为我手中美妙的音符。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的让我大开眼界！我一直以为自己对音阶、和弦和琶音已经掌握得差不多了，但《高级钢琴音阶和弦琶音（修订版）》这本书彻底颠覆了我的认知。最让我惊喜的是，它没有像很多同类书籍那样，只是简单粗暴地列出一堆图表和指法，而是以一种非常体系化的方式，从根源上剖析了这些音乐语言。它不仅讲解了各种音阶的结构，还非常详细地阐述了它们在不同音乐风格中的应用，比如在爵士乐中，某个特定的音阶如何能创造出那种“蓝调”的韵味，又或者在古典音乐中，如何巧妙地运用减音阶来营造紧张感。我花了大量时间去研究书中的“和弦构建”部分，特别是关于“扩展和弦”和“转位和弦”的讲解，让我明白了为什么有些和弦听起来会如此丰富饱满，甚至带有一丝神秘感。书中还提供了一些非常实用的练习方法，这些练习不仅仅是枯燥的技术磨练，而是旨在培养我的“听觉肌肉”，让我能够更敏锐地捕捉到音程、和弦之间的细微差别。我尝试着将书中介绍的一些琶音模式应用到我正在学习的曲目中，效果出乎意料的好，音乐的流动性大大增强，而且整体听起来更加专业。这本书就像一位循循善诱的老师，让我从“知其然”走向了“知其所以然”，对我的钢琴技艺有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，《高级钢琴音阶和弦琶音（修订版）》这本书，绝对是我近期最满意的一次购书体验。作为一个对音乐有着极高追求的人，我一直在寻找能够真正帮助我突破瓶颈的书籍，而这本书无疑做到了。它不落俗套，避开了那些陈旧的、只是让你机械练习的教学模式，而是着眼于“音乐性”的培养。书中对“音阶的色彩与情感”的深入剖析，让我明白了为什么同样是C大调音阶，在不同的音乐语境下，它所传达的情绪是截然不同的，并且提供了一些非常实用的方法来探索和运用这些“情感音阶”。关于“和弦的连接与转调”的部分，更是让我眼前一亮，它不仅仅讲解了基础的和弦进行，还介绍了一些非常高级的转调技巧，以及如何通过巧妙的和弦进行来实现意想不到的音乐效果。我特别喜欢书中关于“即兴琶音的创作思路”的讲解，这些不是死板的套路，而是能够启发我去自由发挥，去创造属于自己的音乐。我尝试着将书中的一些练习应用到我的即兴演奏中，感觉自己对音乐的理解更加透彻，也能够更自如地表达内心的音乐想法。这本书让我明白，音阶、和弦和琶音不仅仅是基础的技巧，更是通往音乐艺术殿堂的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了一本名为《高级钢琴音阶和弦琶音（修订版）》的书，对于一名有着数年钢琴学习经历，却总感觉在某些技术环节上“卡壳”的我来说，这本书简直像是一场及时雨。首先，让我印象深刻的是它并非那种“填鸭式”的学习资料，而是带着一种引导式的思考。它不仅仅是罗列各种音阶、和弦和琶音的指法，更重要的是，它深入浅出地解释了这些基本乐理元素在音乐创作和即兴演奏中的核心作用。例如，书中关于不同调性下，某个特定音阶如何构建出独特的情感色彩，以及这些音阶与和弦之间微妙的相互作用，都给我的理解带来了极大的启发。我之前总是机械地背诵音阶，现在我开始尝试去“听”音阶，去感受它们的情绪，并且尝试在简单的旋律中运用这些音阶，这让我对音乐的理解层次提升了很多。此外，书中对于和弦进行的处理也相当独到，不仅仅是展示了常见的和弦连接，还深入探讨了如何运用非功能性和弦、离调和弦来增加音乐的色彩感和戏剧性。我尤其喜欢其中关于“情绪化和弦”的章节，它让我明白，和弦的选择远不止是为了满足基本的和声功能，更是为了烘托和表达音乐的情感。这本书让我开始从一个更宏观、更具创造性的角度去看待音阶、和弦和琶音，而不仅仅是作为枯燥的练习素材。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对《高级钢琴音阶和弦琶音（修订版）》这本书并没有抱太高的期望，因为市面上类似的教材实在太多了，大多千篇一律。但这本书给我带来的惊喜却远超我的想象。它的结构设计非常巧妙，不是简单地按部就班地罗列，而是层层递进，由浅入深。我特别喜欢书中关于“和弦功能与色彩”的探讨，它不仅仅是告诉你“I-IV-V”这样的基础进行，而是深入分析了每一种和弦进行背后所蕴含的情感表达，以及如何通过改变和弦的构成音或者运用挂留、延音等技巧来丰富音乐的色彩。书中还提供了大量的示例，这些示例不仅具有很高的音乐性，而且能够清晰地展示出理论知识的实际应用。我尝试着将其中关于“动机发展”的技巧运用到我自己的创作中，感觉一下子找到了新的灵感来源，以前那些平淡无奇的旋律，现在变得生动有趣多了。另外，这本书对于“琶音的节奏变化”的处理也非常到位，不仅仅是标准的分解和弦，还介绍了许多即兴式的琶音处理手法，这些都极大地拓展了我的演奏思路。总而言之，这本书让我对音乐的理解更加深刻，也让我能够更自信地在演奏和创作中运用音阶、和弦和琶音。