中国当代声乐作品及钢琴艺术指导之二/高等院校综合性音乐教育系列教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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刘小静，王维天 编

图书标签:

• 声乐
• 钢琴伴奏
• 艺术指导
• 高等教育
• 音乐教材
• 中国当代音乐
• 声乐教学
• 钢琴教学
• 音乐教育
• 综合性教程

出版社： 华中师范大学出版社

ISBN：9787562280385

版次：1

商品编码：12332776

包装：平装

丛书名： 高等院校综合性音乐教育系列教程

开本：16开

出版时间：2017-12-01

用纸：胶版纸

页数：122

字数：200000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国当代声乐作品及钢琴艺术指导之二/高等院校综合性音乐教育系列教程》是江汉大学音乐学院教授刘小静组织编写的高校音乐专业试用教材之一，是去年华中师范大学出版社出版的同名教材的续集。这本教材同样是以教书育人、培养德艺双馨的人才为目的，为音乐专业院校在校生以及广大音乐爱好者选出具有一定代表性的中国当代声乐作品进行学习。在曲目甄选上，这本教材比上一本教材涉猎的题材更加广泛，并增加了花腔与戏曲的元素，使歌曲演唱的难度系数也相应增加。
　　在内容上，每首歌曲的最后都附有相对应的演唱与钢琴艺术教学提示，方便学生在学习演唱时了解作品的创作背景，有助于学生正确地把握演唱风格与演奏技巧，准确地表达作品的本来寓意，同时也能掌握钢琴伴奏部分，使之与声乐部分配合默契，完美呈现整首作品。

内页插图

目录

曙色
节日欢歌
祝福祖国
咱老百姓
跟你走
嫂子颂
故乡的云
梧桐树
大宅门
桥
望月
什么也不说
再见了，大别山
走进春天
梨花颂
春天的芭蕾
永远是朋友
一个真实的故事
在那东山上
鸿雁
五星红旗
一杯美酒
玛依拉变奏曲
又唱“浏阳河”
千古绝唱
爱在天地间
你好吗
老师，我总是想起你
生命的星
祖国，我为你干杯

前言/序言

　　《中国当代声乐作品及钢琴艺术指导之二》是江汉大学音乐学院教授刘小静组织编写的高校音乐专业试用教材之一，是去年华中师范大学出版社出版的同名教材的续集。这本教材同样是以教书育人、培养德艺双馨的人才为目的，为音乐专业院校在校生以及广大音乐爱好者选出具有一定代表性的中国当代声乐作品进行学习。在曲目甄选上，这本教材比上一本教材涉猎的题材更加广泛，并增加了花腔与戏曲的元素，使歌曲演唱的难度系数也相应增加。
　　在内容上，每首歌曲的最后都附有相对应的演唱与钢琴艺术教学提示，方便学生在学习演唱时了解作品的创作背景，有助于学生正确地把握演唱风格与演奏技巧，准确地表达作品的本来寓意，同时也能更好地掌握钢琴伴奏部分，使之与声乐部分配合默契，完美呈现整首作品。
　　本教材的创新在于：将钢琴艺术指导上升到一定高度，以体现声乐演唱中“人声”与“琴声”合一的最高境界，引导学生探索声乐演唱与钢琴艺术的完美结合。
　　通过学习这30首声乐作品及钢琴艺术指导，学生在提高演唱水平的同时能增强艺术修养，感受中国当代声乐作品的丰富多彩、美轮美奂，进而了解各种题材声乐作品的迥异风格与艺术魅力，建立完善的审美观。
　　编者
　　2017年10月

《西方音乐史（从文艺复兴到浪漫主义的辉煌）》 导言：穿越时空的音乐之旅 本书旨在为读者提供一部详尽且深入的西方音乐史著作，重点聚焦于从文艺复兴早期至浪漫主义晚期这一跨越约四百年的辉煌历程。我们力求将音乐史的研究置于广阔的社会、文化和哲学背景之中，展现不同历史时期音乐风格的演变脉络、核心特征及其代表人物的卓越贡献。本书不仅关注“听什么”，更深入探讨“为什么是这样”，旨在培养读者对古典音乐的深度理解和鉴赏能力。 第一部分：文艺复兴的曙光与人文主义的回响（约1400-1600年） 第一章：文艺复兴的文化基石 本章首先考察了14世纪意大利兴起的文艺复兴思潮如何渗透并重塑了音乐思想。人文主义的兴起强调以人为本，挑战中世纪的宗教神学主导地位。我们探讨了复调音乐技术的发展，特别是对“表现主义”的初步探索，即音乐开始尝试更直接地描绘文本的意义。 第二章：早期和盛期文艺复兴的声乐织体 重点分析了法兰德斯乐派（如杜菲、雅各布斯·达普雷斯）在完善固定的音乐织体（如模仿对位）方面所起的作用。随后，深入剖析了盛期文艺复兴的“三巨头”：若斯坎·德普雷、帕莱斯特里那和奥兰多·德·拉絮斯。帕莱斯特里那的《教宗马尔克斯弥撒》被用作分析严谨对位艺术的典范，阐述了特伦特会议对教会音乐改革的影响。 第三章：世俗音乐的繁荣与器乐的觉醒 文艺复兴时期，世俗音乐（如法国香颂、意大利维拉内拉、英国伪假面歌剧）的地位显著提升。本章详细介绍了这些体裁的特点及其如何与民间生活紧密结合。同时，器乐独立性的萌芽——如维吉纳琴音乐、鲁特琴组曲和早期键盘音乐的出现——被视为通往巴洛克时代的重要桥梁。 第二部分：巴洛克时代的辉煌与戏剧性（约1600-1750年） 第四章：歌剧的诞生与“新风格”的形成 本章详述了巴洛克初期在佛罗伦萨“卡梅拉塔”组织中发展起来的“通奏低音”（Basso Continuo）概念及其对音乐表达的革命性影响。我们详细考察了蒙特威尔第的早期歌剧，分析了“融会体”（Stile concertato）和“宣叙调”（Recitative）的结构，探讨了早期歌剧如何将戏剧、音乐和诗歌融为一体。 第五章：器乐的成熟与体裁的规范化 巴洛克时期是器乐体裁确立的关键阶段。本章分析了协奏曲（Concerto Grosso与独奏协奏曲）的结构演变，特别是维瓦尔第的贡献。室内乐方面，对奏鸣曲（教堂奏鸣曲与室外奏鸣曲）的结构和器乐组合进行了细致的梳理。 第六章：巴赫与亨德尔的集大成 本部分的高潮集中于巴洛克晚期两位巨匠的成就。对巴赫的对位艺术进行了深入解读，特别是《平均律键盘曲集》和他的赋格（Fugue）技法。亨德尔的部分则侧重于他如何将意大利歌剧的戏剧性与德意志清唱剧的宗教庄严感完美结合，分析了《弥赛亚》在音乐叙事上的高度成就。 第三部分：古典主义的平衡与清晰（约1730-1820年） 第七章：洛可可风格的过渡与“敏感风格” 在巴洛克宏大叙事消退后，音乐转向更轻盈、更个人化的表达。本章考察了“敏感风格”（Empfindsamer Stil）的特点，及其如何影响了早期古典主义的旋律线条和情感处理。 第八章：奏鸣曲式——古典主义的骨架 奏鸣曲式是古典主义音乐结构的核心。本章对呈示部、展开部和再现部的内在逻辑进行了详尽的剖析，并探讨了海顿、莫扎特如何将这一结构运用到交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏中，实现了结构与内容的完美统一。 第九章：维也纳古典乐派的鼎盛 重点分析了海顿作为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”的角色，他如何规范了交响曲的四乐章结构。莫扎特部分则聚焦于其歌剧艺术的巅峰，尤其是他笔下人物心理的深度刻画。 第十章：贝多芬：古典与浪漫的交汇点 贝多芬的创作标志着音乐史的重大转折。本章讨论了他是如何在继承古典传统的基础上，通过拓展奏鸣曲式、增强和声的戏剧张力以及注入强烈的个人意志，预示了浪漫主义的到来。 第四部分：浪漫主义的激情与个性化（约1820-1910年） 第十一章：浪漫主义的哲学基础与抒情性回归 浪漫主义音乐的根源在于对自然、超自然、个人情感和民族精神的推崇。本章阐述了文学（如歌德、拜伦）对音乐的影响，以及“主导动机”和“扩大的和声”如何服务于情感的自由表达。 第十二章：钢琴的黄金时代 钢琴技术在浪漫主义时期达到了前所未有的高度。肖邦的艺术被视为浪漫主义钢琴独奏音乐的典范，我们分析了他如何将波兰民族音乐元素融入夜曲、叙事曲等体裁。李斯特的“交响诗”概念及其对炫技的运用也在此处被详述。 第十三章：德奥艺术歌曲的兴盛 舒伯特和舒曼的艺术歌曲（Lied）是浪漫主义精神的集中体现。本章详细分析了钢琴伴奏如何从简单的配器提升为与人声同等重要的叙事角色，以及“循环套曲”形式的创新。 第十四章：宏大叙事：浪漫主义的管弦乐 晚期浪漫主义时期，交响曲与交响诗成为表达宏大观念的主要载体。勃拉姆斯对古典传统的坚守与继承，与瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的激进探索形成了鲜明对比。本章最后探讨了德彪西在印象主义中对调性色彩的初步解放，为20世纪音乐的变革埋下伏笔。 结语：历史的继承与未来的展望 总结了从复调对位到调性瓦解的历史进程，强调了每一时期的音乐都是其时代精神最精妙的物化形式。 本书特色： 结构严谨，逻辑清晰： 严格按照时间线索和风格演变进行划分，确保读者能清晰把握不同时期的音乐特征。 强调背景关联： 音乐分析始终与当时的哲学、社会事件和文学思潮相结合，使理解更立体。 聚焦核心技术： 对复调、通奏低音、奏鸣曲式等核心技术概念进行深入浅出的解释，而非仅停留在表面描述。 丰富的案例分析： 选取了每个时代最具代表性的作品进行细致的音乐语言分析。

评分☆☆☆☆☆

这本书，严格来说，它更像是一本“行动指南”，而不是一本单纯的理论书籍。我之所以这么说，是因为我从我过去的学习和实践经验中，能够非常清晰地感受到作者在编写这本书时，是多么地注重落地和可操作性。我是一个对声乐艺术充满好奇心的业余学习者，我常常会遇到“知道怎么做，但不知道具体怎么做”的困境，而这本书恰恰弥补了这一点。它没有大篇幅的理论堆砌，而是将复杂的声乐技巧和钢琴艺术指导理论，分解成一个个具体的练习方法和步骤。比如，在讲解如何处理声乐中的“连音”时，书中不仅仅是告诉你“要连贯”，而是给出了详细的舌位、气息和口腔控制的指导，并且配有具体的声乐片段作为示范。我尝试着按照书中的方法去练习，惊喜地发现自己的歌声变得更加流畅和自然了。在钢琴艺术指导方面，书中同样强调实践。它会引导你一步步分析声乐作品的和声走向，理解钢琴的织体如何烘托人声，以及如何通过对速度、力度的精细控制，来达到与歌唱者心有灵犀的配合。我尤其欣赏的是，书中在讨论如何与歌唱者沟通时，提出的“音乐性对话”的理念。这让我明白了，钢琴艺术指导不仅仅是技术的配合，更是一种基于音乐理解的深层次交流。我会在练习时，想象自己正在与一位虚拟的歌唱者进行“对话”，这种心态的调整，让我的演奏更加富有情感和互动性。对于那些想要将声乐学习提升到实践层面，或者想要深入理解钢琴艺术指导的爱好者来说，这本书绝对是一个不可或缺的工具。

评分☆☆☆☆☆

我是一名声乐爱好者，虽然不是专业人士，但对中国当代声乐作品一直情有独钟。偶然的机会看到了这本《中国当代声乐作品及钢琴艺术指导之二》，觉得内容非常吸引人。虽然书名里有“高等院校综合性音乐教育系列教程”这样的字样，但我发现它并没有想象中那么枯燥和晦涩。相反，作者用非常平实易懂的语言，向我们这些非专业人士展示了中国当代声乐作品的魅力。我特别喜欢书中对作品意境的解读。很多时候，我们在听一首歌曲时，可能只是被优美的旋律所吸引，但这本书却能带我们深入到作曲家创作的背景、情感的起伏，甚至是对某个特定意象的描绘。例如，有一首描述乡愁的作品，书中详细分析了钢琴是如何通过低沉的和声和缓慢的节奏来营造一种思念的情绪，而人声又是如何通过悠长的乐句和略带颤抖的音色来表现内心的纠结。这种解读让我对这首歌曲有了全新的认识，仿佛自己也身临其境。我常常会一边听着歌曲，一边对照书中的描述，感觉每一句歌词、每一个音符都充满了故事。而且，书中还提供了一些实用的演唱建议，虽然我不是专业歌手，但通过学习这些建议，我感觉自己在日常的卡拉OK或者 KTV 唱歌时，声音的运用也更加自如了，能够更好地表达歌曲的情感了。我还会向我的朋友们推荐这本书，因为我觉得它不仅是一本音乐教程，更是一本能够丰富我们精神世界的艺术指南。

评分☆☆☆☆☆

我一直对高等音乐教育的体系性有很大的兴趣，所以当看到这套《高等院校综合性音乐教育系列教程》时，就毫不犹豫地入手了。其中，《中国当代声乐作品及钢琴艺术指导之二》这本书，更是让我眼前一亮。它不仅仅是对中国当代声乐作品的简单介绍，更是从一个更宏观的教育视角，去探讨如何将这些作品融入到高等音乐教育体系中。书中关于“课程设置与教学法”的章节，给我留下了深刻的印象。作者详细阐述了如何将中国当代声乐作品的教学，系统地纳入到声乐和钢琴艺术指导的课程中，并且提出了多种可行的教学模式。我特别认同其中关于“跨学科融合”的观点，比如，如何将声乐作品的创作背景与中国历史、文学、美学等知识相结合，来深化学生的理解。这对于培养具有国际视野和民族文化自觉的音乐人才，具有非常重要的意义。书中还探讨了如何利用现代科技手段，来辅助声乐作品的教学和研究，比如，如何利用录音技术、多媒体技术来呈现和分析作品，以及如何通过网络平台来促进学生之间的交流和学习。我曾一度对声乐作品的分析停留在比较传统的层面，这本书让我看到了更多创新的可能性。我还会深入研究书中关于“评估体系”的部分，思考如何更科学、更全面地评估学生在声乐和钢琴艺术指导方面的学习成果。总而言之，这本书不仅仅是一本关于声乐作品的指南，更是一部关于高等音乐教育改革的深刻思考，对于音乐教育的从业者来说，具有重要的参考价值。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本《中国当代声乐作品及钢琴艺术指导之二》的出版，填补了许多音乐院校在钢琴艺术指导领域研究的空白。我之所以这么说，是因为我本身就从事音乐教育工作，深知在钢琴艺术指导方面，尤其是针对中国当代声乐作品的深入分析和实践指导，一直是一个相对薄弱的环节。这本书的出现，就像及时雨一样。它不仅仅是简单地罗列作品，而是从艺术指导者的视角出发，深入剖析了如何更好地理解和诠释中国作曲家们的作品。我特别关注了其中关于“声乐与钢琴的语言互译”的章节，作者用了很多生动的比喻，解释了声乐旋律的情感如何在钢琴的织体、和声、节奏中得到具象化的呈现，以及钢琴如何反过来引导和丰富声乐的表现。举个例子，书中在分析一首刘畅的作品时，详细描述了钢琴如何通过细腻的琶音和复杂的节奏型来营造一种“山雨欲来”的氛围，从而与人声中表现的内敛情感形成一种张力。这对于我指导学生练习这首作品起到了至关重要的作用。我以前只是告诉学生要注意呼吸和发声，但这本书让我明白了，钢琴艺术指导者的工作远不止于此，更是要成为一个音乐的“二度创作者”，去深度挖掘和放大作品的艺术内涵。而且，书中还探讨了不同时期、不同风格的中国声乐作品的特点，以及相应的钢琴艺术指导策略，这对于我们理解中国声乐的多元化发展非常有启发。我正在尝试将书中的一些理念应用到我自己的教学实践中，效果非常显著，学生们的演奏和演唱都更加富有表现力和感染力了。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国当代声乐作品及钢琴艺术指导之二》我翻阅了好几周，虽然题目写的是“高等院校综合性音乐教育系列教程”，但我更多的是把它当做一本深入的声乐学习的参考书来用的。我特别喜欢其中关于声乐作品分析的部分，很多作品的选材都非常新颖，而且作者的分析角度也非常独到。比如，在解读某一首李斯特的作品时，他不仅仅是从技术层面分析了钢琴伴奏与声乐部分的配合，更深入地探讨了作曲家在创作时想要表达的情感层次，以及如何通过钢琴的处理来烘托和深化人声的叙事性。这对于我这样一个长期以来只关注旋律和和声的钢琴学习者来说，无疑是打开了一个新的维度。我常常会一边听着原版录音，一边对照书中的分析，那种音乐的层次感一下子就丰富起来了。而且，书里还举了许多具体的例子，不仅仅是文字描述，还配有乐谱片段，这让我在理解作者的意图时更加直观。我尤其欣赏的是，作者并没有回避一些比较棘手的声乐演唱问题，而是提出了一些非常实际且富有建设性的指导意见。例如，在处理高音时，书中详细阐述了如何运用气息的支撑，以及如何避免声带的过度紧张，这些建议对我日常的声乐练习非常有帮助。我曾一度在某个音区遇到瓶颈，尝试了很多方法都效果甚微，直到看到这本书中关于“声带松弛的动态调整”那一章节，才恍然大悟。现在，我感觉自己的演唱更加自如，音色也更加饱满。总而言之，这本书对于想要提升声乐演唱技巧和加深对声乐作品理解的读者来说，绝对是一本不可多得的宝藏。