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屠咸若 著

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• 五线谱
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• 音乐知识
• 初学者

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805530932

版次：3

商品编码：11630612

包装：平装

开本：32开

出版时间：2011-03-01

用纸：胶版纸

页数：58

正文语种：中文

内容简介

　　随着我国社会主义经济建设的飞跃前进，人民的物质生活和文化生活水平都已有了显著的提高。战斗在各条战线的广大工农兵群众和知识青年、学生，喜欢唱歌和演奏各种乐器的人也越来越多，有的还学作曲，学和声和练习手风琴，提琴、钢琴等乐器，因此感到“简谱”已不敷应用，很多人都希望能够学习“五线谱”，因为五线谱是目前世界上比较完备的一种记谱法，它的记谱效率和正确性都比其他记谱法强，能够记录各种复杂的乐曲，尤其是多声部的合唱曲和器乐曲。《怎样读五线谱》以供热情的业余音乐爱好者和朋友们在自学或者是集体教学时使用。

目录

引言
一、什么叫做五线谱？什么叫做高音谱表？它是怎样表示音的高低关系的？
二、在C调高音谱表上如何练习全音符构成的曲调？
三、比全音符短一半的二分音符和比二分音符再短一半的四分音符是怎样写的？这三种音符的时间长短比值如何？
四、什么叫做拍子？最常用的三种基本拍子（二、三、四拍）是什么？在读谱练习时怎样打这些拍子？
五、怎样练唱比四分音符还短一半的八分音符和比八分音符更短一半的十六分音符？总结各种单纯音符的名称和时间长短比值
六、怎样练唱G调高音谱表上的曲词？
七、怎样练唱F调高音谱表上的曲调？
八、什么叫做音名？它与调子、阶名有什么关系？怎样去认识各个升种大调的调号？
九、怎样认识各个降种大调的调号？
十、什么叫做休止符？常用的单纯休止符有哪几种？
十一、怎样计算附点音符和附点休止符的时间比值？
十二、怎样练唱低音谱表上的曲调？
十三、什么叫做音程？如何辨别音程的性质？
十四、什么叫做大调？什么叫做小调？除这两种形式的调子外还有别种形式的调子吗？
十五、什么叫做复拍子和混合拍子？三连音与切分音怎样练习？
十六、什么叫做强弱记号和反复记号？怎样用法？
十七、最常用的几种速度术语和表情术语是怎样写的，它们的含义是什么？
十八、各种杂记号的名称及其含义
十九、几种常用的装饰音如何用法？
二十、什么叫做大谱表？联合谱表？怎样读法？怎样练习直接唱歌词和如何养成内心默读的习惯？

好的，这是一份关于一本名为《音乐的色彩与结构》的图书的详细简介，该书内容与“怎样读五线谱”无关： --- 《音乐的色彩与结构：探寻听觉世界的内在逻辑与情感表达》 导言：超越符号的聆听 音乐，这一人类最古老、最普世的艺术形式，远不止于一系列被记录下来的音符或复杂的乐理公式。它是一种流动的、具有物质性的存在，通过频率、振幅、音色等物理要素，直接触动我们的情感深处，构建起一座座无形的、却又无比坚实的听觉殿堂。 《音乐的色彩与结构》并非一本教授视唱练耳或乐谱解读技巧的教材。它是一次深入的、面向所有热爱音乐的人——无论你是演奏家、作曲家，还是仅仅是一位渴望更深层次理解音乐的听众——的听觉哲学之旅。本书旨在揭示音乐在美学、心理学、物理学以及文化语境中是如何运作、如何产生其独特魅力的。我们将剥离那些关于“如何读谱”的机械性训练，转而关注“如何听懂”音乐的内在语言。 第一部分：声音的物理学与心理学的交汇点 音乐的物质基础是声音。本部分将从一个跨学科的角度，解构声音的本质，并探讨人类大脑如何将这些物理振动转化为感知到的美感。 第一章：频率的雕塑：音高、音色与泛音列的秘密 我们首先探讨的是声音的原材料——频率。我们将深入分析泛音列（Harmonic Series）的结构，这是理解所有音程、和弦乃至整个西方调性音乐体系的钥匙。不同于简单地定义音高，本章着重阐述泛音列如何决定了我们对“和谐”与“不和谐”的直觉判断。 音色（Timbre），被誉为音乐的“色彩”，是区分小提琴与长笛、钢琴与吉他的决定性因素。我们将通过傅里叶分析（Fourier Analysis）的非专业性解读，展示一个复杂音色是如何由基频和一系列不同强度的泛音构成的。理解这一点，将帮助读者在聆听管弦乐队的配器时，不再仅仅听到“乐器”，而是能分辨出细微的“声音材质”的变化。 第二章：波动的感知：节奏、律动与时间的主观性 节奏是音乐的骨架，但律动（Groove）却是音乐的灵魂。本章将探讨人类对时间感知的生理学基础。为什么某些节奏会让人感到稳定、可预测，而另一些则引发紧张或兴奋？ 我们分析了亚稳态（Sub-Perceptual Pulsing）的概念，即在强拍之间存在着一种潜意识的、驱动身体运动的次级脉冲。从非洲复节奏到巴赫赋格中的周期性驱动力，我们将讨论节奏如何通过重复、失衡与解决（Tension and Release）来塑造听众在时间维度上的体验。 第三章：情感的共振：听觉的神经美学 为什么听到某个和弦会感到悲伤？这种看似玄妙的关联，实际上有着深刻的神经学基础。本章引入了情绪调控理论（Affective Theory）在音乐中的应用。 我们将研究大调与小调的普遍性差异，以及它们如何与人类的呼吸模式、心率变化相关联。探讨那些跨文化普遍适用的音乐元素（如慢速、低音区、不协和音程）是如何在听觉皮层中引发特定的生理反应。这不是对乐理规则的僵化解释，而是对听众个体体验的深度剖析。 第二部分：结构与形式的建筑学 音乐的伟大在于其能够在时间和空间中组织声音的材料。本部分将专注于分析音乐形式的内在逻辑，理解作曲家如何构建宏大的叙事和精巧的结构。 第四章：调性世界的地图：功能和声的动态张力 调性系统（Tonality）是西方音乐近四百年来的主导框架。本书不教授如何“写”和声，而是深入剖析和声功能（Function）的本质：导音的“渴望”、属和弦的“张力”、主和弦的“解决”。 我们将通过对古典时期奏鸣曲式（Sonata Form）的深入解构，展示调性冲突与解决是如何驱动整个乐章的戏剧性。理解了功能和声的内在驱动力，听众就能清晰地追踪作曲家在不同调域之间穿梭时所构建的心理地图。 第五章：模块化的艺术：主题发展与变奏思维 音乐的叙事能力很大程度上依赖于对主题（Theme）的有效处理。本章聚焦于主题的变形艺术——变奏（Variation）。 我们将分析贝多芬、勃拉姆斯等大师如何通过对节奏、音型、和声背景的系统性改造，将一个简单的音乐动机发展成一个复杂的多面体。这种“模块化思维”不仅仅是作曲技巧，更是一种强大的结构组织能力，它揭示了音乐如何在保持身份认同的同时实现无限变化。 第六章：宏大叙事：曲式学的新视野 古典奏鸣曲式、回旋曲式、赋格的严谨结构，以及浪漫主义晚期交响诗的自由叙事。本章将这些不同时期的结构模式进行对比分析。 我们关注的焦点在于形式的意图：为什么巴赫选择复调结构来表达对等与平衡？为什么德彪西偏爱片段化的、印象式的结构来捕捉瞬间的氛围？形式不是限制，而是为表达服务的容器，理解了容器的类型，才能更好地体会其中承载的内容。 第三部分：音乐的文化生态学与语境重塑 音乐总是扎根于其产生的社会、技术和文化土壤之中。本部分将探讨音乐在不同历史时期和文化场域中的意义和功能。 第七章：技术革命与听觉的进化 从留声机、广播到数字采样，技术进步不断重塑着我们对音乐的获取和消费方式。本章探讨了录音艺术（Recording Artistry）本身如何成为一种新的作曲媒介。 我们分析了二十世纪电子音乐的兴起，以及采样技术如何挑战了“原创性”的传统概念。理解了技术如何改变了声音的传播和记录方式，我们就能更批判性地看待我们现在听到的“完美”录音。 第八章：风格的边界与跨界对话 音乐风格的划分往往是历史学家为了方便研究而做的标签。本书提倡一种更流动的“风格观”。我们将考察爵士乐如何吸收欧洲古典和声，以及摇滚乐中的结构借鉴。 通过对具体案例的剖析，例如二十世纪中期对民间音乐（Folk Music）的“艺术化”处理，我们展示了音乐是如何通过借鉴与反叛来构建其自身的演进链条。 第九章：作为文化代码的音乐 音乐在仪式、政治宣传、身份构建中所扮演的角色远超娱乐范畴。本章从人类学视角考察特定音乐语汇（如进行曲的节奏、宗教圣歌的音域）如何迅速成为强有力的文化代码。 理解音乐的社会功能，能让我们在收听任何作品时，都能意识到其背后隐含的权力关系、集体记忆和社会期待。 结语：成为一个更敏锐的听者 《音乐的色彩与结构》的最终目标，是解放读者的耳朵。当我们不再被五线谱的线条所束缚，转而用一种开放、好奇且结构化的方式去聆听时，音乐的深度与广度将呈现在眼前。这是一本邀请你重新发现声音世界内在秩序的指南，一次关于如何深度感知的邀请函。 ---

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在拿起这本乐谱解读指南之前，我对音乐理论的理解基本停留在“听听就好”的阶段。我对那些五线谱上的横线和间隙总是感到头晕目眩，总觉得它们是某种只有专业人士才能破解的密码。然而，这本书的结构安排非常巧妙，它没有堆砌复杂的术语，而是采用了一种“问题导向”的学习路径。每一章节似乎都在回答我内心深处最想知道的那个“为什么”。例如，它深入剖析了调号是如何影响整个乐曲情绪的，而不是简单地告诉我“升F就是这个音”。作者对音乐历史和不同乐器表现力的理解也融入其中，让学习过程不再是孤立地看符号，而是将符号与真实的声音体验联系起来。我特别欣赏它对节奏和拍号部分的阐述，那部分我以前总是稀里糊涂，但现在我能清晰地感知到乐曲的脉搏和律动感。这本书的深度和广度拿捏得恰到好处，既适合初学者打下坚实基础，对于想系统梳理知识的进阶学习者也很有启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大价值在于，它成功地“去神秘化”了五线谱。我曾经固执地认为，要真正理解乐谱，必须先经历漫长而痛苦的基础训练。这本书却用一种非常务实和解构的方式，把我带入了五线谱的核心结构。它没有过多地纠缠于那些不常用的复杂记号，而是集中火力攻克了日常阅读中最关键的部分。我尤其喜欢它对谱号转换的讲解，以前每次看到高音谱号和低音谱号同时出现就感到头疼，这本书用一个巧妙的视觉辅助工具，让我瞬间打通了左右手的联动思维。此外，书中对力度记号和表情术语的解释也极其到位，它教会了我如何从静态的纸面文字中“听”出作曲家想要表达的动态情感。这本书的逻辑链条非常清晰，每一步都是建立在前一步的基础上，读完后感觉思路豁然开朗，不再是零散的知识点，而是一个完整的知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种音乐小白量身定做的！我一直对那些密密麻麻的符号感到望而生畏，总觉得学习五线谱是一件枯燥乏味、需要天赋的事情。然而，这本书完全颠覆了我的刻板印象。它的讲解方式极其生动有趣，作者似乎有一种魔力，能把原本抽象的概念变得直观易懂。比如，它用生活中的比喻来解释音符的时值和位置，我一下子就明白了高音谱号和小音符之间的关系。更让我惊喜的是，它并没有急于让我去背诵大量的规则，而是循序渐进地引导我“玩”起来。每学完一个小知识点，都会立刻配上简单的小练习，让我能及时检验学习效果，而且这些练习一点都不让人感到压力，更像是游戏闯关。读完前几章，我已经能哼着歌自己找出一些简单的旋律在谱子上对应了，这种成就感真是无与伦比。我强烈推荐给所有对音乐有兴趣却又被五线谱吓倒的朋友们，这本书绝对能帮你轻松踏入音乐世界的大门，而且过程充满了发现的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上的乐理书大多像一本冰冷的教科书，充满着枯燥的定义和公式，读起来让人昏昏欲睡。但这本《怎样读五线谱》完全是反其道而行之。它的排版设计非常人性化，大量的图表和彩色的插图将原本晦涩难懂的知识点可视化了。我个人最欣赏的是它对于“视唱练耳”的融入。它不仅仅教你“看”谱子，更强调“听”和“唱”的结合。书中附带的练习材料，无论是配套的音频还是给出的练习建议，都非常实用，让我感觉像是在一位耐心的私人教师指导下学习。我发现自己不再是机械地辨认音高，而是开始真正地理解乐谱上每一个记号背后的音乐意图。特别是关于连音线和装饰音的处理，作者用了非常细腻的笔触去描绘，让我体会到了音乐的灵动性。这本书真正做到了“授人以渔”，它提供的不仅是一套规则，更是一种解读音乐语言的方法论。

评分☆☆☆☆☆

作为一名尝试了多种入门读物的老乐迷，我可以毫不犹豫地说，这本书在“实用性”上达到了一个很高的标准。它没有陷入学术理论的泥潭，而是始终紧扣“如何快速、准确地阅读五线谱”这一核心目标。它的内容组织非常贴合实际演奏的需求，比如在讲解和弦记号和转调时，作者直接提供了常见转调的快速参考方法，这对于即兴伴奏或者视奏练习者来说，简直是太宝贵了。我感觉这本书更像是一本“工具书”与“教材”的完美结合体。它不仅教会了我如何识别音符，更重要的是，它让我学会了如何系统地“扫描”乐谱，预判接下来的旋律走向，极大地提高了我的阅读效率。那些看似复杂的反复记号、跳进记号，在这本书的阐述下，都变得清晰明了，不再是需要反复查阅的障碍。如果你想把学习五线谱变成一项高效的技能，而不是一项折磨人的任务，这本书绝对值得拥有。