俞致贞白描花卉 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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俞致贞绘 著

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出版社： 天津人民美术出版社

ISBN：9787530564967

商品编码：10645796691

出版时间：2015-01-01

作  者:俞致贞 绘 定  价:15 出 版 社:天津人民美术出版社 出版日期:2015年01月01日 页  数:60 装  帧:平装 ISBN:9787530564967 ●俞致贞及其工笔白描花卉
●一、俞致贞白描教学手稿
●二、俞致贞白描作品
●扶桑
●兰花
●兰花
●兰花
●水仙
●水仙
●水仙
●玉簪
●向日葵
●向日葵
●向日葵
●秋葵
●大丽花
●大丽花
●大丽花
●梅花
●月季
●部分目录

内容简介

俞致贞，有名花鸟画家，善于以传统的勾勒法作工笔白描花卉。《俞致贞白描花卉》收录了俞致贞女士创作的“兰花”、“水仙”、“秋海棠”、“秋葵”、“向日葵”、“牡丹、芍药”、“扶桑”、“羊蹄夹”等作品，对广大美术爱好者有很好的欣赏和参考价值。 俞致贞 绘 俞致贞(1915-1995)汉族，北京人。自幼学习古文、书画，师承有名画家于非闇、张大千。曾任中央工艺美院教授、中国书画函授大学教授、中国美术家协会会员、北京工笔重彩画会副会长。
俞致贞1937年进古物陈列所国画研究馆，在于非闇先生的指导下，研究宋元工笔花鸟及绘画理论，并在此任教5年。后又随师张大千去四川学画，游历四川名山大川，写生名花珍禽，为其工笔花鸟画打下了坚实的基础。
中华人民共和国成立后，从事美术教育工作，执教多年，为社会培养了大批的美术人才，并在长期的艺术实践中，认真研究中国工笔画的传统技法，汲取精华。授课之余深入生活，搜集素材，不断地丰富自己的艺术创作。她的创作题材等

丹青撷英：中国传统绘画中的写意与精微 本书旨在探讨中国传统绘画，特别是水墨画和工笔画体系中，对自然万物，尤其是花卉、禽鸟题材的独特处理方式与哲学意蕴。它并非一部对特定画家或画集的评论集，而是侧重于梳理和剖析不同时代、不同画派在描绘“生命之美”时所展现出的艺术语言与精神追求。 第一章：写意之魂——墨分五色与气韵生动 中国画的核心精神在于“写意”，即通过有限的笔墨，传达无限的意境与精神。本章首先追溯写意精神的源头，从魏晋时期的顾恺之“传神写照”理念讲起，深入到唐代吴道子“吴带当风”的线条力量。重点分析宋代文人画兴起前，院体画如何逐步内化传统诗词的意境。 在技术层面，本章详细考察了“墨分五色”的奥秘。这不是指颜料的简单变化，而是指通过对墨的浓度、润燥、提按、疾徐的精准控制，在宣纸的吸水性上实现笔触的内在生命力。我们将分析董源、巨然等“披麻皴”的运用，如何将山川的厚重与云雾的缥缈融为一体，为后世花卉画中的“写意”表达奠定基础。 花卉画中的写意，往往体现在对植物生命状态的瞬间捕捉。一枝竹子，不求形似其物理结构，而求传达其傲霜独立的气节；几朵梅花，不求繁复，而求其疏影横斜、暗香浮动的氛围。本章将通过对比唐代李思训的富丽堂皇与晚唐黄筌一系的精细描摹，探讨写意如何在工整的框架内找到突破口。 第二章：精微入骨——工笔的时代嬗变与视觉魔力 与写意相对立的，是中国画的另一重要支脉——工笔画。本章聚焦于“形神兼备”的追求，探讨工笔画如何通过极度的耐心和技巧，达到令人叹为观止的写实效果，同时又不失中国画特有的灵动。 重点将放在“宋徽宗时期”的花鸟画巅峰。分析“院体”画家的严谨训练，如何使他们能够精确把握花朵的解剖结构、叶脉的走向，乃至昆虫翅膀上鳞粉的质感。介绍“界画”技术在花卉背景处理中的应用，以及如何使用矿物颜料（如石青、石绿、朱砂）保持色彩的千年不褪。 本章将深入剖析“双勾填彩”与“没骨”技法的区别。双勾填彩强调轮廓线的力度与结构的准确性，而没骨法则更接近水墨的自由挥洒，却依然保持了物象的完整性。通过对比北宋赵佶的《芙蓉锦鸡图》与晚唐的《虢国夫人游春图》局部，读者可以清晰感受到工笔画在不同历史阶段，对“精微”二字的不同诠释。 第三章：意象的符号学——花卉在传统文化中的隐喻 花卉在中国艺术中从不只是单纯的自然记录，它们承载着深厚的文化符号意义。本章将构建一套“花卉意象词典”，解析不同花卉在传统士大夫阶层语境下的象征意义。 梅花： 坚韧、高洁、不屈的品格象征。分析其在寒冬中展现的“疏影横斜水清浅”的意境，以及如何被用来比喻君子或隐士。 兰花： 空谷幽香、谦逊、德行的代表。重点探讨“香之君”的地位，以及其与“空谷足音”等哲学命题的关联。 竹子： 中空、有节、虚心的结构，象征正直、气节与虚怀若谷的文人风骨。分析竹子的“节”如何被用来比喻人的品德操守。 莲花（芙蓉）： 出淤泥而不染，象征纯净的灵魂与佛教的超脱意境。 此外，本章还会探讨“四君子”（梅兰竹菊）的组合是如何成为一套完整的道德规范体系，以及在绘画中，这些元素的组合如何构建出一个理想的审美空间。 第四章：笔墨的对话——文人花卉与院体风格的融合与分野 随着历史的推进，文人画（南宗）与院体画（北宗）在花卉题材上的互动日益频繁。本章考察这种艺术思潮的交融与张力。 文人画家，如苏轼、米芾，主张“论画以形似，见与鄙夫列”，他们更注重的是绘画过程本身的情感宣泄与笔墨游戏。他们的花卉作品往往更显拙朴、自由，强调“以书入画”的笔法。 而院体画家则更注重在结构上的严谨性，以及对光影、空间感的精确把握。本章将对比元代陈惟意的精细与明代徐渭的大写意，分析文人画的解放如何一步步侵蚀了传统院体画的边界，最终催生出“写意花卉”的成熟形态。 第五章：技法深度解析——从线描到皴染的实践路径 本章提供技术层面的工具书视角，但重点在于“为何如此画”，而非简单的“如何操作”。 1. 线条的“骨法用笔”： 探讨中国画十八描的精要，如铁线描、柳叶描、兰叶描在勾勒不同质感花瓣和叶片时的适用性。分析线条的粗细变化如何暗示物体的体积感和光照方向。 2. 色彩的层次构建： 详解罩染、分染、统染等技法在花卉色彩渐变中的应用。探讨如何利用藤黄、花青、赭石等有限的颜色，调配出丰富微妙的自然色彩，并避免色彩的“板滞感”。 3. 留白与空间的哲学： 中国画中“空”的价值。分析如何通过有控制的“留白”来表现空气的流动、花卉的朝向，以及整体画面的呼吸感。这部分将着重分析空白如何参与到意境的构建中，而非仅仅是“未画之处”。 本书旨在引导读者超越单纯的视觉欣赏，进入到中国传统花卉艺术的精神世界，理解每一笔墨、每一种色彩背后所蕴含的文化基因与审美取向。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我最近淘到了一本绘画技法书，简直是宝藏！这本书的封面设计得极其素雅，米白色的封面上，只印着几笔遒劲有力的写意线条，乍一看还以为是什么古籍善本。翻开内页，首先映入眼帘的是关于笔墨基础的详尽阐述。作者对毛笔的选择、墨色的调配、以及如何控制腕力与指力，简直是掰开了揉碎了教。特别是讲解如何“润笔”的那一节，他用近乎哲学思辨的语言，描述了水与墨在宣纸上交融的微妙瞬间，让我这个常年画不好“湿墨”的初学者茅塞顿开。书里还配有大量的示范图，那些线条的起承转合，细微到连运笔的方向和速度都有标注，看得我如痴如醉。我按照书中的指引练习了几天，感觉自己的线条感都有了质的飞跃，那种随性中蕴含的控制力，这本书真是把中国传统绘画的精髓讲得太透彻了。如果说有什么遗憾，可能就是对初学者来说，前面的基础部分稍微有些“硬核”，需要静下心来反复揣摩。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊艳的地方，在于它对“意境”的营造和传达。它完全跳脱了那种流水账式的绘画步骤记录，反而花了大量的篇幅去探讨“心手相应”的重要性。作者反复强调，画画不是描摹自然，而是将自然之物纳入胸臆，以己之心去重新塑造。书中有一章专门讨论了不同季节的花卉在笔墨上的处理差异，比如春花要灵动，秋卉要沉稳，夏荷要饱满而不滞涩。他用非常诗意的语言描述了不同花卉的“性情”，读起来与其说是在学画，不如说是在进行一场与大自然的深度对话。我尤其喜欢他对比了几种不同花卉的画法，比如画梅花的“瘦硬”与画牡丹的“丰腴”，看似是技巧的区别，实则是作者对生命力的不同理解。读这本书，我感觉自己的心境也沉静了许多，不再急于求成，而是开始注重积累和体悟，这对于一个浮躁的现代人来说，无疑是一剂良药。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书的装帧简直是艺术品级别的享受。纸张的选用非常考究，那种略带粗粝感的宣纸质感，拿在手里就让人感受到一种历史的厚重感。我特别欣赏其中关于“章法布局”的章节。不同于市面上许多只教你画单个物件的教程，这本书更注重整体的画面构建。作者用了很多篇幅来讨论“虚实相生”的原则，如何通过留白来引导观者的视线，如何平衡画面中的“气”与“势”。他引用了大量古代名家的例子，将那些看似随意的点画，解构成了严谨的结构体系。其中有一组关于画竹叶的分解图，从侧锋的铺展到中锋的回转，每一个动作都被分解成了慢动作的定格，配合上精准的文字说明，让我理解了为什么同样的笔触，在不同的人手里会产生截然不同的韵味。这本书不是简单的“复制粘贴”秘籍，它更像是一位严厉又慈爱的老师，逼着你去思考，去领悟中国画背后的审美哲学。读完这部分，我再看任何一幅传统画作时，都会不自觉地去分析它的空间关系，收获实在太大了。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的难度系数不算低，如果完全没有接触过国画基础的读者可能会感到吃力，因为它假设你已经了解了最基本的笔墨工具的使用。但对于有一定基础，想寻求突破的爱好者来说，这本书简直是打开了一扇新的大门。书中对复杂花卉群组的组合与穿插技巧，进行了深入的剖析。比如如何画出一丛盛开的菊花，既要表现出层次感，又不能让画面显得拥挤杂乱。作者提供了一种类似“结构网”的思维方式，先确定画面的骨架，再将具体的花瓣和叶子“填入”框架，这极大地解决了我在画大场景时容易“散架”的问题。而且，他对墨色的层次变化拿捏得炉火纯青，从浓墨的“黑”到焦墨的“焦”，再到淡墨的“白”，每一种变化都被赋予了特定的情感色彩。这本书的价值不在于教你画得像，而在于教你如何用笔墨去“表达”物象背后的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的印刷质量绝对是业内顶尖水准。色彩还原度非常高，尤其是那些需要细致观察墨色渐变的示范页，即便是扫描或拍照，也难以完全复刻原稿的神韵，但这本书的呈现效果已经无限接近真迹了。我特别关注了书中关于“题款与印章”的讲解部分。这部分内容在很多绘画教程中往往被一笔带过，但这本书却用了整整一个章节来阐述如何根据画面内容选择合适的字体（行书、楷书、草书），以及印章的选择和钤盖的位置学问。作者强调，题款是画面的“点睛之笔”，与主体构图互为表里，不可随意为之。他还详细分析了古代大家们题款的范例，那种书画合璧的艺术完整性，读来令人心驰神往。看完这部分，我立刻找出了我以前画的一些作品，发现它们在题款上的处理确实显得生硬和突兀，这本书让我对“完美收官”有了全新的认识。这不仅是一本绘画书，更是一本关于中国传统文人审美的入门指南。