中国艺术教育大系·美术卷：平面设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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宋忠元，毛德宝 著

图书标签:

• 美术设计
• 平面设计
• 艺术教育
• 中国艺术
• 设计史
• 设计理论
• 视觉传达
• 艺术类
• 教材
• 大系

出版社： 中国美术学院出版社

ISBN：9787810837385

版次：1

商品编码：10605450

包装：平装

开本：16开

出版时间：2008-05-01

页数：438

正文语种：中文

内容简介

《平面设计(美术卷)》以中国美术学院的艺术设计专业平面设计专业方向教学大纲为基础，结合当前艺术设计学科的最新教学成果，科学系统地设置平面设计16门专业基础与专业设计的课程，对平面设计课程做了循序渐进的、深入浅出的、详尽的论述，传授了平面设计的基本知识，基本技法和专业技能，每门课程阐述清晰、图文并茂，既可作为系统性教学的教材，又可以作为自学用书。可以满足广大院校相关艺术设计专业平面设计教学的需要，是广大平面设计专业方向学生理想的学习用书。

内页插图

目录

总序
第一章 绪论
第二章 图形语言
第三章 设计色彩
第四章 字体设计
第五章 编排设计
第六章 印刷工艺
第七章 插图设计
第八章 商业摄影
第九章 标志设计
第十章 包装设计
第十一章 招贴设计
第十二章 商业广告设计
第十三章 书籍设计
第十四章 展示设计
第十五章 网页设计
第十六章 企业形象设计
参考书目
彩图

前言/序言

　　由学校系统施教而有别于传统师徒相授的新型艺术教育，在我国肇始于晚清的新式学堂。而进入民国后于1918年设立的国立北京美术学校，则可被视为中国专业艺术教育发轫的标志。时至1927年于杭州设立国立艺术院，1928年于上海设立国立音乐院，中国的专业艺术教育始初具雏形。但在20世纪的上半叶，中国的专业艺术教育发展一直处在艰难跋涉之中。以蔡元培、萧友梅、林风眠、欧阳予倩、萧长华、戴爱莲等为代表的一批先贤仁人，为开创音乐、美术、戏剧、戏曲、舞蹈等领域的专业教育，荜路蓝缕、胼手胝足、呕心沥血、鞠躬尽瘁。
　　中华人民共和国成立后，对专业艺术教育的发展给予了高度的重视。1949年第一届中央人民政府成立伊始，即着手建立我国高等专业艺术教育体系，将以往音乐、美术、戏剧专业教育中的大学专科，提高到了大学本科层次。当时列为中专的戏曲、舞蹈专业教育，也于20世纪80年代前后逐一升格为大专或本科，并且自70年代末起，在高等艺术院校中陆续开始了硕士、博士研究生的培养。迄今为止，我国已形成了以大学本科为基础，前伸附中或中专，后延至研究生学历的完整的专业艺术教育体系，在大陆拥有30所高等艺术院校，123所中等艺术学校的可观的办学规模。

中国艺术教育大系·书法卷：汉字演变与审美研究 本书聚焦于中国书法艺术的深厚底蕴与时代演进，系统梳理了汉字从早期形态到成熟书体的演变历程，并深入剖析了不同历史阶段的书法美学特征及其对后世的影响。 第一章：汉字的起源与早期形态 本章追溯汉字的源头，探究其在史前文明中的萌芽迹象，直至甲骨文的正式确立。 1.1 汉字的史前踪迹：刻符与陶文 早期符号的萌发： 分析陶器上发现的刻画符号，探讨其与早期文字系统的潜在关联。重点考察贾湖遗址、半坡遗址等地的符号系统，辨析其是否具备了稳定的表意功能。 文字的酝酿期： 讨论陶文的性质，是单纯的记事符号，还是初步的文字雏形。通过比较不同区域陶文的共性和差异，勾勒出汉字在形成前夜的多元面貌。 1.2 契刻的艺术：甲骨文的结构与书写 殷墟出土的契文： 详尽介绍甲骨文的载体（龟甲、兽骨）及其书写工具（刀具）对笔法和结构的影响。探讨甲骨文的造字方法（象形、指事、会意、形声）在实际应用中的比例与特征。 甲骨文的章法布局： 分析甲骨文在卜辞中的排列方式，如“贞人”的署名位置、占卜内容的起首与结束格式，揭示其早期的规范性与实用性。 金文的曙光： 简要过渡至商代晚期及西周初期的金文，对比甲骨文与金文在线条处理、字形肥瘦上的初步差异。 第二章：周秦的规范化与书体的确立 本章重点阐述青铜时代晚期至秦代统一，汉字书写如何从地域性差异走向规范化，并最终确立了篆书这一重要的艺术母体。 2.1 钟鼎铭文：金文的演变与风格流变 西周金文的典重： 深入剖析西周中晚期金文（如毛公鼎、大盂鼎）的特点，强调其笔画的浑厚、结构的长方、以及铭文内容的史学价值。探讨不同时期王室册命、战争记录等对铭文风格的影响。 春秋战国的“文字异形”： 考察战国时期“六国文字”的现象，如吴越楚简的造型、齐鲁籀文的奇崛。分析各国文字在地域文化影响下所展现出的装饰性与个性化倾向。 2.2 篆书的终结与开端：小篆的统一 秦系文字的基础： 追溯小篆形成所依赖的秦国文字基础——大篆（籀文的简化与定型）。 李斯与书同文： 详述秦始皇统一文字的历史背景，重点分析小篆作为官方标准书体的规范性特征：圆转流畅的线条、匀称稳定的结构、以及偏旁的固定化。 隶变的酝酿： 在分析小篆成熟的同时，开始引入对隶书早期形态（如秦简、兵符文字）的观察，指出线条从圆转向方折过渡的早期迹象。 第三章：隶变与汉字书体的革命 隶变是中国书法史上最深刻的变革之一。本章集中探讨隶书如何取代篆书，确立了以“蚕头燕尾”为代表的新审美体系。 3.1 隶书的兴起：从草创到成熟 隶变的动因： 探讨隶书产生的原因，包括书写效率的提高需求、隶卒阶层的普及应用，以及书写材料（如竹木简牍）的变化带来的影响。 波磔的艺术： 细致分析隶书标志性的“蚕头燕尾”笔法，阐述波磔的运用如何打破篆书的均匀性，赋予线条以节奏感和装饰性。 汉碑的盛观： 重点研究东汉碑刻的成熟期。分类探讨如《乙瑛碑》《曹全碑》《张迁碑》等代表性作品，分析其在结构处理（方整、扁平化）和笔法表现上的细微区别，确立了隶书美学的多元面貌。 3.2 隶书向楷书的过渡 古隶与今隶的分野： 辨析早期隶书（古隶，保留较多篆意）与成熟隶书（今隶，结构趋于定型）的界限。 楷书的萌芽： 分析魏晋时期，隶书的捺脚逐渐拉长、变直，笔画开始脱离波磔束缚，向端庄、平直的楷书形态过渡的过程。 第四章：楷书的定型与法度的确立 楷书作为沿用至今的标准字体，其确立标志着中国书法进入了一个高度成熟和规范的阶段。 4.1 魏晋楷书的初步确立 钟繇与楷书的滥觞： 探讨“楷书之祖”钟繇对字体规范化的贡献，以及其书风在笔法上的创新。 二王时期的发展： 分析王羲之、王献之在继承隶法的基础上，如何将楷书的结构、笔势推向精致、典雅的巅峰。 4.2 盛唐楷书的“法度森严” 初唐的承启： 考察欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等人在初唐对楷书的风格探索，如何确立各自的“体势”。重点分析欧体的险劲瘦硬与虞体的温润秀逸。 盛唐的鼎盛——颜真卿与柳公权： 深入剖析颜真卿“颜体”的博大雄浑、气象万千，探讨其楷书中的“横不平、竖不直”的内在结构逻辑。对比柳公权的“柳体”的骨力洞达、法度严谨，二者如何确立了后世楷书的两大审美取向。 4.3 晚唐及五代宋初的流变 唐代楷书的余绪： 讨论晚唐对前人风格的集大成与细微变化。 宋代对“法度”的反思： 简要提及宋代书法对唐楷法度的态度转变，为下一阶段（宋四家）的探索埋下伏笔。 第五章：行书的自由表达与内在精神 行书介于楷书的规范与草书的奔放之间，是实用性与艺术性结合最紧密的书体。 5.1 行书的起源与早期形态 隶楷并用时期的草创： 考察行书从隶书向草书、或从楷书简化而来的早期形态，分析其在日常应用中的便利性。 成熟的标志： 确定东晋王羲之的《兰亭集序》作为行书艺术的里程碑地位，分析其“不拘泥于法度，而天然合于规矩”的特征。 5.2 王羲之父子的行书美学 《兰亭序》的笔法精微： 细致解析《兰亭序》中点画的提按顿挫、结体的错落有致，以及通篇气韵的连贯性。 “尽善尽美”的风格： 讨论王献之的行书在继承的基础上所展现出的更加奔放与洒脱。 5.3 行书在后世的演变与拓展 唐代行书的风格： 简述唐代大家如颜真卿（如《祭侄文稿》）行书的浑厚与情感的张力，与二王体系形成对比。 宋代行书的意趣： 为后续宋代尚意书风的讨论奠定基础，指出宋人对行书笔法中“意”的强调。 第六章：草书的浪漫主义与符号化 草书是汉字书写中最具抽象性和表现力的艺术形式，代表了书写者强烈的个性与情感。 6.1 章草的过渡形态 章草的结构特征： 介绍汉代章草（如三国吴人笔法）中，字字独立而笔意相连的特点，探讨其“草书之祖”的地位。 今草的突破： 分析张芝对章草进行连带化处理，形成一笔连贯、字形略微简化、更具动感的今草的贡献。 6.2 晋唐的狂放与法度 “书圣”的草书： 再次回到王羲之，分析其草书在“今草”基础上的高度提炼，使其既有奔放之势，又不失典雅之韵。 张旭与怀素的“颠张醉素”： 重点研究唐代大草的爆发式发展。分析张旭狂草中气势磅礴、连绵不绝的笔势，以及怀素草书在笔法上的精到与墨色的变化，探讨他们如何将个人情感完全融入线条之中。 6.3 草书的审美价值与局限 符号的极度简化： 讨论草书在辨识度下降的同时，其艺术表现力如何达到极致。 “一笔书”的探索： 简要提及后世对草书连带的进一步探索。 第七章：中国书法的审美哲学与文化意蕴 本章从宏观角度探讨书法艺术在中国传统文化中的地位，以及其超越纯粹书写的哲学内涵。 7.1 书法与“气”的理论 “气韵生动”的探讨： 分析中国传统美学中“气”的概念如何体现在书法线条中，包括笔势的提气、墨色的润气、以及通篇的气息贯通。 “写意”与“写形”的辩证： 讨论书法从对汉字形体的忠实描摹，转向表达书写者内心世界的精神性追求。 7.2 书法与人格精神的统一 “书如其人”的观念： 论述历代士大夫对书法修养的重视，探讨书法如何成为个人道德修养、学识见地的外化。 文人书风的形成： 论及士大夫阶层在书写中注入的儒家“中和”思想与道家“自然”思想。 7.3 载体、工具与创作环境对书风的影响 笔墨纸砚的特性： 分析宣纸的洇化性、毛笔的弹性对线条质感的影响。 书写材料与书体风格的对应关系： 再次回顾如碑刻的厚重与简牍的便捷如何塑造了隶书和早期楷书的特征。 结语：传承与未来 本书旨在为读者构建一个清晰的中国书法艺术发展脉络，从殷商的刻画符号到魏晋的格局确立，再到唐宋的风格高峰，理解每一时代在继承中进行的创新，并体会书法作为东方特有艺术形式所蕴含的独特美学价值与文化生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“媒介变迁”与“设计本质”的探讨。在信息技术日新月异的今天，屏幕取代了纸张，交互取代了静态，许多人担心传统平面设计的地位受到冲击。而作者则以一种非常辩证和宏大的视角来看待这个问题，他认为媒介的更迭只是工具层面的变化，而平面设计作为“有目的的视觉组织”，其核心任务——即清晰、有效地组织信息和美学要素——从未改变。书中用了相当大的篇幅来分析媒介转换过程中，中国传统设计思维（如留白、节奏感）如何在新兴的数字界面设计中找到新的表达方式。这种穿透技术表象直击本质的能力，让这本书的保质期显得格外长。它不是一本追逐潮流的书，而是一本探究规律的书，读完后，我感到对未来设计趋势的判断力也随之增强了许多，因为它教会了我如何从不变中寻找永恒的价值。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《中国艺术教育大系·美术卷：平面设计》时，我其实是抱着一种“姑且一看”的心态。毕竟市面上关于平面设计的书籍汗牛充栋，能真正有深度、有新意的实在不多。但翻开后，我立刻被它的内容深度所吸引。这本书并没有拘泥于那些陈词滥调的软件操作指南或者堆砌精美案例的图册，而是深入探讨了中国传统审美哲学是如何渗透并影响现代平面设计语言的。它详细剖析了从汉字结构到古典园林布局中蕴含的“气韵生动”和“虚实相生”的原则，并将其巧妙地与现代信息传达中的网格系统、色彩心理学联系起来。这种跨越古今、融汇中西的视角，让我对平面设计不再仅仅停留在“美观”的层面，而是上升到了文化传承的高度。尤其是在探讨字体设计如何体现时代精神的那一章，作者引经据典，逻辑清晰，让我这个自诩有些经验的设计师都感到醍醐灌顶，明白了许多设计决策背后的深层文化动因，这本书更像是一本理论基石的教科书，而非快餐式的技能速成指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的文字密度非常高，阅读起来需要集中十二分的注意力，但回报是巨大的。它对设计理论的阐述，不像某些著作那样故作高深，而是用一种非常严谨的学术语言构建起一套完整的认知体系。特别是关于“视觉符号的语义学”那一块，作者引用了大量的符号学理论，比如索绪尔的能指和所指，并结合中国特有的语境进行了再诠释。书中没有提供那种“一看就会”的操作步骤，而是告诉你“为什么”要这样做，背后的逻辑是什么。这对于那些希望突破瓶颈、从“匠人”成长为“思想家”的设计师来说，是极有价值的。我甚至会时不时地停下来，对照着自己过去的作品进行反思——我当时的设计，是否真的理解了我所使用的符号的全部含义？这本书提供了一种深度自省的工具，迫使读者去审视自己设计思想的底层架构，非常适合研究生或资深从业者进行深度研读和学术交流。

评分☆☆☆☆☆

我是一名教育工作者，一直很关注如何将中国本土化的设计思维融入到现有的美术教育体系中。这本书在这方面提供了一个非常扎实的蓝本。它不仅介绍了如何教授平面构成、色彩原理，更重要的是，它提供了一套将传统美学融入当代课程体系的教学思路。书中对不同教育阶段（从基础素描到专业工作室课程）的设计教学目标进行了细致的规划和案例说明，特别是如何引导学生去观察生活中的“设计”——比如市场招牌、路边广告牌中的非专业设计语言，并从中提炼出有价值的经验。这种“从民间到学院”的逆向研究方法，让人耳目一新。它打破了学院派和民间艺术之间的壁垒，让设计教育变得更加接地气、更富生命力，对于一线教师来说，这是一本可以直接拿来优化教案的实战参考书，实用性远超一般理论书籍。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版本身就体现出一种克制而高级的审美，这对于一本谈论“设计”的书来说，无疑是最好的自我介绍。我特别喜欢它在案例选择上的独到眼光。它没有选取那些烂大街的国际大牌案例，而是聚焦于上世纪八九十年代，中国本土在特定社会背景下孕育出的那些充满时代烙印和集体记忆的设计作品。比如关于老式宣传画、票据设计以及早期企业标志的分析，那些设计虽然在技术上显得粗粝，但其信息传达的力度和情感的饱满度，是如今许多过度精致化设计所缺乏的。阅读过程中，我仿佛被带回了那个激情燃烧的年代，体会到设计在那个特定时期承担的社会责任和精神面貌。这种对“时间感”和“地域性”的捕捉，使得这本书的学术价值和文献价值都得到了极大的提升，对于研究中国设计史的人来说，绝对是一份不可多得的珍贵资料。

评分☆☆☆☆☆

总体而言是满意的，618活动时购入，关于本书：

评分☆☆☆☆☆

很好 质量不错很好 质量不错

评分☆☆☆☆☆

不错！

评分☆☆☆☆☆

不错！

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内容不全面……

评分☆☆☆☆☆

中华人民共和国成立后，对专业艺术教育的发展给予了高度的重视。1949年第一届中央人民政府成立伊始，即着手建立我国高等专业艺术教育体系，将以往音乐、美术、戏剧专业教育中的大学专科，提高到了大学本科层次。当时列为中专的戏曲、舞蹈专业教育，也于20世纪80年代前后逐一升格为大专或本科，并且自70年代末起，在高等艺术院校中陆续开始了硕士、博士研究生的培养。迄今为止，我国已形成了以大学本科为基础，前伸附中或中专，后延至研究生学历的完整的专业艺术教育体系，在大陆拥有30所高等艺术院校，123所中等艺术学校的可观的办学规模。

评分☆☆☆☆☆

由学校系统施教而有别于传统师徒相授的新型艺术教育，在我国肇始于晚清的新式学堂。而进入民国后于1918年设立的国立北京美术学校，则可被视为中国专业艺术教育发轫的标志。时至1927年于杭州设立国立艺术院，1928年于上海设立国立音乐院，中国的专业艺术教育始初具雏形。但在20世纪的上半叶，中国的专业艺术教育发展一直处在艰难跋涉之中。以蔡元培、萧友梅、林风眠、欧阳予倩、萧长华、戴爱莲等为代表的一批先贤仁人，为开创音乐、美术、戏剧、戏曲、舞蹈等领域的专业教育，荜路蓝缕、胼手胝足、呕心沥血、鞠躬尽瘁。

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中华人民共和国成立后，对专业艺术教育的发展给予了高度的重视。1949年第一届中央人民政府成立伊始，即着手建立我国高等专业艺术教育体系，将以往音乐、美术、戏剧专业教育中的大学专科，提高到了大学本科层次。当时列为中专的戏曲、舞蹈专业教育，也于20世纪80年代前后逐一升格为大专或本科，并且自70年代末起，在高等艺术院校中陆续开始了硕士、博士研究生的培养。迄今为止，我国已形成了以大学本科为基础，前伸附中或中专，后延至研究生学历的完整的专业艺术教育体系，在大陆拥有30所高等艺术院校，123所中等艺术学校的可观的办学规模。

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