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陈传席著 著

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出版社： 天津人民美术出版社

ISBN：9787530568064

商品编码：10447108610

出版时间：2015-06-01

作  者:陈传席 著 著作 定  价:118 出 版 社:天津人民美术出版社 出版日期:2015年06月01日 页  数:382 装  帧:平装 ISBN:9787530568064 ●新版自序
●自序
●原版自序
●台版自序
● 重评顾恺之及其画论
● 从谢赫《古画品录》谈起
●第二节 张彦远对顾恺之的评价
●第三节 关于顾恺之绘画创作的几个故事
●第四节 顾恺之和六朝几位画家的比较
●第五节 顾恺之的贡献主要在画论
●第六节 关于顾恺之三篇画论问题
●第七节 中国绘画在艺术上的彻底觉醒
●第八节 顾恺之传神论的产生
●第九节 顾恺之画论的影响和评价
●第二章 《论画》点校注译
● 《论画》点校注释
●第二节 《论画》译文
●第三章 《魏晋胜流画赞》点校注译
● 《魏晋胜流画赞》点校注释
●第二节 《魏晋胜流画赞》译文
●部分目录

内容简介

《六朝画论研究(修订版)》内容包括新版自序；自序；原版自序；台版自序；**章重评顾恺之及其画论；**节从谢赫《古画品录》谈起；第二节张彦远对顾恺之的评价；第三节关于顾恺之绘画创作的几个故事；第四节顾恺之和六朝几位画家的比较；第五节顾恺之的贡献主要在画论；第六节关于顾恺之三篇画论问题；第七节中国绘画在艺术上的有效觉醒；第八节顾恺之传神论的产生；第九节顾恺之画论的影响和评价；第二章《论画》点校注译；**节《论画》点校注释；第二节《论画》译文；第三章《魏晋胜流画赞》点校注译；**节《魏晋胜流画赞》点校注释；第二节《魏晋胜流画赞》译文；第四章《画云台山记》点校注译等等。 陈传席 著 著作 陈传席，现任中国人民大学教授、博士生导师、中国美协理论委员会副主任。曾任美国堪萨斯大学研究员，南京师范大学教授、博士生导师，上海大学教授。已出版学术著作《六朝画论研究》(8版)、《中国山水画史》(12版)、《中国绘画美学史》 (9版)、《中国紫砂艺术》、《陈传席文集》(1―9卷)、《北窗臆语》等53部，并有部分著作被译为外文在国外出版。已发表学术文章近千篇。同时发表小说、散文、杂记、译文等二百余篇，并出版《陈传席画集》等。

《中国绘画史纲要》 作者：[此处填写一位资深美术史学家的名字] 出版社：[此处填写一家权威学术出版社的名称] --- 内容提要 《中国绘画史纲要》是一部立足于宏大历史叙事，深入剖析中国绘画艺术发展脉络的权威性著作。本书旨在为读者提供一个全面、系统且富有洞察力的中国绘画史框架，清晰梳理自史前岩画直至近现代艺术思潮演变的全景图。本书不仅仅是对历代重要画家、流派及其代表作的罗列，更着重于探讨绘画作为一种独特的文化载体，如何与当时的政治结构、哲学思潮、社会风尚以及技术革新相互作用，形成其独特的审美范式和精神内涵。 全书结构严谨，逻辑清晰，以时间为经，以地域与画科为纬，深入浅出地阐释了中国绘画史上的关键转折点和核心议题。它致力于揭示中国艺术精神的内在连续性与外在变奏，尤其关注不同历史阶段中“道”与“器”的辩证关系。 --- 详细内容结构与核心论点 第一编：远古的萌芽与青铜的辉光（史前至秦汉） 本编追溯中国绘画的源头，探讨岩画、彩陶的原始表现形式及其与巫术、图腾崇拜的关联。重点分析了战国帛画和汉代画像石、画像砖中的叙事性与象征性特征。论述了早期“物象摹写”如何逐步演化为“气韵生动”的早期萌芽，并着重分析了汉代礼制文化对早期图画语言构建的影响。 核心议题： 绘画作为符号系统的早期确立，以及早期对“意”的初步关注。 第二编：魏晋风骨与士人精神的觉醒（魏晋南北朝） 这是中国绘画史上一个至关重要的转折期。本书详细考察了玄学思潮对绘画美学的影响，尤其是“气韵生动”理论的形成过程。本书深入探讨了顾恺之、陆探微等早期人物画大师的贡献，剖析了魏晋时期“秀骨清像”与“褒衣博带”等风格的社会文化根源。此外，南北朝时期佛教艺术的传入及其对中国绘画题材和造型能力带来的深刻变革，也被置于重要位置进行分析。 核心议题： 绘画主体性的确立，士人阶层对艺术价值的重估，以及“传神写照”理论的奠基。 第三编：盛唐气象与山水画的成熟（隋唐五代） 唐代是中国古典艺术的鼎盛时期。本部分着重描绘了李思训父子的“青绿山水”所代表的富丽堂皇的宫廷风格，并将其与吴道子“吴带当风”的白描革新进行对比。本书将五代时期的黄休元、关仝、董源等画家视为山水画走向成熟的关键过渡。重点分析了山水画如何从早期“随类赋彩”的装饰性题材，逐步发展成为寄托文人情怀的独立画科。 核心议题： 绘画的题材拓宽与技法创新，盛唐气象与恢弘叙事风格的形成。 第四编：宋代的典雅与理学的内涵（宋代） 宋代是中国绘画艺术的“黄金时代”，理学思想的兴起对绘画的审美取向产生了决定性影响。本书细致分析了宋代院体画（如徽宗朝的精致风格）与文人画（如苏轼、米芾的“尚意”主张）之间的张力与互补。特别是对北宋范宽、郭熙等巨匠的山水画进行了深度解析，阐释了“可行、可望、可游、可居”的审美理念如何融入山水格局之中。同时，花鸟画在宋代的精细写实与象征意义的结合，也被视为理学影响下对“格物致知”精神的艺术体现。 核心议题： 院体与文人画的双峰并峙，写实精神与抽象意蕴的完美平衡。 第五编：元代的遗民情结与书写性（元代） 元代，士人阶层遭受政治压抑，绘画成为他们表达政治抱负、抒发隐逸情怀的重要手段。“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的崛起标志着中国文人画的彻底胜利。本书详细梳理了“以书入画”的理论实践，探讨了书法笔墨如何被提升到超越物象描摹的本体地位。倪瓒的“过目云烟”与寂寞之境，被视为元代知识分子精神状态的绝佳写照。 核心议题： 书法性笔墨成为主体，绘画成为表达个人情感和政治立场的载体。 第六编：明清的变革与流派纷呈（明清） 明清时期，绘画进入了一个“摹古”与“创新”交织的复杂阶段。本书梳理了以沈周、文徵明为代表的吴门画派对元代传统的继承与发展，以及董其昌提出的“南北宗论”及其深远影响。在明末清初，以徐渭、八大山人、石涛为代表的“个性化”表达达到了前所未有的高度。本书着重分析了这些巨匠如何突破既有规范，运用强烈的个人风格来反思时代变迁。清代宫廷的样式主义与民间绘画的活力并存，共同构成了这一时期的多元图景。 核心议题： 对传统的自觉反思与“集大成”的努力，个性化语言的极致张扬。 第七编：近现代的冲击与转型（晚清至今） 本编探讨了西方艺术思潮对中国传统绘画的挑战与融合。从“海派”的开新，到“岭南画派”对写生的重视，再到民国时期诸家的努力。本书重点讨论了“国画”概念的形成过程，以及如何在现代民族主义和世界艺术的语境下，为中国画寻找新的生命力。 核心议题： 传统绘画在现代性冲击下的自我定位与结构重塑。 --- 本书特色与价值 1. 宏观视野与微观洞察的结合： 本书不仅提供清晰的时代脉络，更在关键节点对重要作品进行细致的图解分析，确保学术的严谨性与可读性兼备。 2. 理论深度： 本书超越了单纯的风格描述，致力于挖掘隐藏在绘画形式背后的哲学基础（如道家、儒家、禅宗思想）与社会结构，帮助读者理解“中国画”的文化基因。 3. 多维度的考察： 不仅关注山水、人物、花鸟三大主流画科，亦涉及界画、壁画以及重要画论家的文本分析。 4. 学术前沿性： 在梳理经典成果的基础上，融入了近二十年最新的考古发现和学术研究成果，力求观点持平而深刻。 《中国绘画史纲要》是美术史研究者、艺术史专业学生以及所有热爱中华文化的读者，深入理解中国绘画艺术精神内核的必备指南。它引导读者从笔墨的干湿浓淡中，读出千年的风骨与时代的回响。

评分☆☆☆☆☆

初翻此书，便被其严谨的学术态度所折服。装帧朴素，内容却极其扎实，是那种需要沉下心来慢慢咀嚼的书。我特别欣赏作者在处理那些流传已久、众说纷纭的画论观点时，所采取的那种审慎的、多角度的考量。比如对顾恺之“形神兼备”论的再解读，作者并未简单地肯定或否定，而是将其置于当时的士人精神气质中去考察其生成逻辑，分析其在后世被如何“误读”或“光大”。这种“拨开迷雾见本质”的写作手法，极大地提升了阅读体验，让人感觉不仅仅是在阅读历史，更是在参与一场严肃的学术辩论。对于有志于深入研究中国艺术史的读者而言，这本书提供了一个极佳的、可供参考的学术范式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的修订版相较于前版，在史料的补充和论证的深化上看得出下了大工夫。读起来最直观的感受是，它将原本零散的画论碎片，精心打磨成了一幅完整的、具有时代特征的理论图景。尤其在对六朝时期佛教造像艺术中的理论探讨，以及它如何反哺纯粹的文人画理论的这一交叉点上，作者的论述极具启发性。那种将不同艺术门类融会贯通的宏大视野，让人佩服。虽然学术性很强，但行文的节奏把握得当，避免了纯粹的堆砌术语，保证了必要的流畅性，使得即便是初次接触这一领域的读者，也能从中获得不少启发，不至于感到完全的晦涩难懂。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的阅读门槛不低，它要求读者对中国哲学和魏晋风度有一定的基础认知。但一旦跨过初期的障碍，随之而来的便是知识的巨大满足感。它不像一些流行的艺术普及读物那样轻松愉快，而是充满了智力上的挑战和回馈。我尤其对其中关于绘画与玄学、文学之间关系论述的部分印象深刻，作者细腻地描绘了“言不尽意”的审美困境是如何驱动画家们去探索视觉表达的新路径的。这种将艺术实践与其思想根源紧密结合的分析角度，为理解中国画的内在精神提供了新的钥匙。全书结构清晰，逻辑链条严密，读完后，以往模糊的理论概念似乎都清晰地定位在了历史坐标上。

评分☆☆☆☆☆

这是一部沉甸甸的学术著作，它不是供人茶余饭后的消遣之作，而是献给真正热爱中国古典艺术精神的求知者。作者对所涉及的史料的掌握程度令人叹服，每一个论断背后都有详实的文献支撑。我最欣赏的是其对理论“惰性”的警惕，即如何避免将后世对魏晋风度的浪漫想象投射到当下的理论分析中去。全书在批判性继承中前行，对诸多“定论”提出了令人信服的质疑，这种学术上的勇气和审慎，是如今许多研究中难得一见的品质。对于想要构建自己独立见解的学者来说，这本书提供的扎实基础和批判性思维训练，是无价之宝。

评分☆☆☆☆☆

这本关于魏晋南北朝绘画理论的专著，着实让人耳目一新。作者在梳理历代画论的脉络时，展现出深厚的学养和敏锐的洞察力。尤其在探讨“气韵生动”等核心概念的演变时，旁征博引，将不同时期的思想流派和时代背景结合起来分析，使得抽象的理论变得鲜活起来。读来让人不由自主地思考，在那个动荡不安却又思想碰撞剧烈的时代，艺术的理想是如何被建构和坚守的。对于那些醉心于中国古典美学的人来说，这本书无疑是一座宝库，它不仅仅是理论的梳理，更像是一场穿越时空的对话，让人触摸到古人对“美”与“道”的深刻理解。书中的引文考证严谨，注释详尽，足以见得作者在文献梳理上下了多少功夫。