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修金堂 著

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• 艺术评论
• 西方美学
• 音乐文化

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810963602

版次：1

商品编码：10295436

包装：平装

开本：大32开

出版时间：2010-07-01

用纸：胶版纸

页数：356

编辑推荐

这是一部独具视角的音乐美学著作，分上下2卷，上卷探讨了音乐本体——属性论。将音乐形式定为“独立性”存在的本体；将内容、美、风格定为“依附性”存在的属性。
下卷探讨了音乐审美——价值论。在审美论中，阐述了诸多问题：如赏乐感性的“听懂”是懂美；理性的“听懂”需诠释的问题等。价值论，先指出审美是价值得以实现的前提，进而阐述了音乐美育“辅德启智”的价值。

内容简介

上卷音乐本体——属性论
将音乐形式定为“独立性”存在的本体；将内容、美、风格定为“依附性”存在的属性。
本卷值得提及的是：在方法论上尝试向自然科学靠拢。如形式论，以格式塔原理（贝塔郎菲定律）阐释之，并导出一个新的相关性与新质性的“关系公式”；如内容论（准本体论），又以经典的反映论阐释之，简介了符号论的“能指”与“所指”概念，并导向发生认识论的S-（AT）-R公式。
属性论，则确立了“美物与美感互生互证原理”，以及美的“自我确认性”；首次分出形式美的总法则与分法则；尝试作出风格的分类，提出风格的沿袭与衍生律等；最后，在逻辑篇里，将自律、他律论与形式（能指）、内容（所指）论统一。
下卷音乐审美——价值论
首先将审美定性为美育的本质，并将艺术的认识、教育功能划归于美育范畴，因为二者均在审美——美育中进行。
在审美论中，阐述了诸多问题：如赏乐感性的“听懂”是懂美；理性的“听懂”需诠释的问题；如感受力是个“自我酿造力”，理解力是个“自我开掘力”的“内在力”；如指出评论标准有二：功利标准、审美标准等。
本卷值得提及的是：简要地涉猎了现代派的诸多理论。如现象学美学、解释学美学、存在主义美学、接受美学等，勾勒了一个现代美学简约的轮廓，以使初学者循此继进。
价值论，先指出审美是价值得以实现的前提，进而阐述了音乐美育“辅德启智”的价值。

作者简介

修金堂，1938年生于辽宁丹东，哈尔滨师范大学艺术学院教授。20世纪60年代初，就读于原哈尔滨艺术学院理论作曲专业，后来转向音乐美学。70年代初，建立音乐美学“三部曲”系统的大框架。80年代初，在哈尔滨师范大学开讲音乐美学。90年代初，其音乐美学“三部曲”体系获黑龙江省高校优秀教学成果奖。 创意设计了“学科知识审美化”的“中华美育——素质教育工程”，实施的主项是开发“校园知识歌曲”多媒体教材，意在发挥美育“辅德启智”的功能。他创作了语文歌、历史歌的词、曲十余首，并撰写出《校园知识歌曲读本》（附CD）。 其编著的《音乐名著鉴赏》由中国教育学会音乐教育委员会组编，由人民音乐出版社、上海音乐出版社联合出版，是全国普通高等学校音乐本科教材。

目录

前言
绪论
一、音乐与音乐学
二、音乐美学及其“三部曲”体系
三、从音乐美学略述音乐本质范畴
四、音乐关学与关学、哲学的“三环包容”关系
五、音乐美学与文艺理论的同一关系
六、美学一音乐关学的历程
七、音乐美学的性质
八、音乐美学的方法
九、音乐美学的意义
上卷 音乐本体——属性论
第一篇 形式——本体论
第一章 音乐形式
第一节 音乐形式——本体、整体
第二节 音乐形式的时间——瞬间性
第三节 形式总量的诸多问题
第四节 形式载体与表现
第二章 音乐形象
第一节 形象总说
第二节 音乐形象
第三章 音乐典型
第一节 典型的规定
第二节 典型化
第二篇 内容——准本体论
第四章 内容通论
第一节 内容的概述
第二节 艺术反映——折射生活原理
第三节 内容的量判断——广阔性
第四节 内容的质判断——真实性
第五章 音乐内容的抽象性
第一节 音乐内容的抽象性与派生性
第二节 抽象性原因的比较分析
第三节 抽象性的克服——综合
第六章 音乐的反映功能
第一节 客观再现
第二节 主观表现
第三篇 美——属性论（之一）
第七章 美本质
第一节 美，人本质力量的确证
第二节 美属性及判断
第三节 美的种类
第八章 形式美
第一节 形式美概述
第二节 一度创作——组合美的寻求
第三节 二度创作——音色美的寻求
第九章 内容美
第一节 内容美的构成与表现
第二节 内容美的原则与价值
第三节 内容美的范畴
第四篇 风格——属性论（之二）
第十章 音乐风格
第一节 风格总述
第二节 民族风格的沿袭与衍生
第三节 沿袭与衍生规律
第四节 民族风格与时代风格的关系
第五节 民族风格的历史总结
第十一章 音乐流派
第一节 流派的分类
第二节 现实主义与浪漫主义
第三节 音乐的古典派与浪漫派
第四节 音乐的现代派
第五篇 逻辑——本体论总结
第十二章 自律与他律
第一节 自律与他律的概述
第二节 自律论与他律论
第三节 二律交汇：形式与内容的统一
下卷 音乐审美——价值论
第六篇 欣赏——审美论
第十三章 审美与美感
第一节 审美略解
第二节 美感略论
第十四章 审美的感性与理性
第一节 审美的感官
第二节 审美的感性与理性
第三节 感性、理性欣赏中“听懂”的问题
第十五章 审美力的探讨
第一节 审美感受力
第二节 审美理解力
第三节 审美想象力
第十六章 审美其他诸多问题
第一节 心理层面的若干问题
第二节 其它层面的若干问题
第十七章 审美鉴赏与评论
第一节 鉴赏与评论
第二节 评论的标准
第七篇 功能——价值论
第十八章 美育与价值
第一节 美育的内涵
第二节 价值的解析
第十九章 艺术美育
第一节 艺术的德育功能
第二节 艺术的智育功能
第三节 音乐的实用功能
各章附注
各章提要
思考问题
后记

前言/序言

好的，这是一份为您构思的、不包含《音乐美学引论》任何内容的图书简介，字数约1500字。 --- 尘封的旋律：巴洛克时期键盘乐的呼吸与结构 卷首语：被遗忘的键盘之声 在古典音乐的宏伟殿堂中，巴洛克时期（约1600年至1750年）无疑是风格最为鲜明、结构最为严谨的一个时代。它以精湛的复调技巧、强烈的戏剧张力以及对装饰艺术的极致追求而著称。然而，当我们谈论巴赫、亨德尔或维瓦尔第时，焦点往往集中在他们的管弦乐或声乐作品上。那些在半私人沙龙、教堂祭坛或宫廷宴会上低吟浅唱的键盘乐器——羽管键琴（Harpsichord）、大键琴（Clavichord）以及早期管风琴——所承载的丰富情感和精妙设计，往往被现代听众所忽视。 本书《尘封的旋律：巴洛克时期键盘乐的呼吸与结构》并非一部美学探讨或理论分析的著作。它是一次深入历史肌理、探寻乐器工艺与演奏实践交织点的考察报告。我们试图唤醒的，是那些被时代洪流冲刷而逐渐模糊的指法、触键的细微差别，以及隐藏在固定和声进行背后的即兴精神。我们关注的不是“美在哪里”，而是“它们是如何被创造出来的，又如何被演奏的”。 --- 第一部分：乐器的形塑与灵魂的注入（约450字） 本部分将详细考察巴洛克时期键盘乐器的演变，将乐器本身视为作曲家思想的物理载体。 一、羽管键琴的“拨弦”哲学：清晰度与动态的悖论 羽管键琴是巴洛克室内音乐的灵魂。不同于钢琴的击弦机制，羽管键琴是通过拨片（Quill或Plectrum）触发琴弦发声。这种机制决定了其音色锐利、颗粒感强，但缺乏力度变化（Velocity Sensitivity）。我们深入探究了不同地域的制作流派——如弗莱芒式、法式和英式——的结构差异，例如框架的木材选择、琴弦的张力布置，以及决定音色特性的音栓系统（Register Stops）。 本章的重点不在于乐器学，而在于演奏实践的“适应性”：作曲家如何利用音栓的切换来模仿“渐强/渐弱”？当力度无法变化时，演奏者如何通过节奏的微小弹性（Tempo Rubato的巴洛克式变体）或精细的装饰音布局来营造动态的错觉？我们参考了17世纪中叶的乐器手稿，分析了诸如“双重手动”（Double Manual）键盘的实际功能，揭示了它们如何在同时进行对位声部的对比中发挥作用。 二、大键琴的私语：微观情感的捕捉 与羽管键琴的辉煌相对，大键琴（Clavichord）以其极致的敏感度著称。它的琴弦由弦槌（Tangent）直接敲击，使得演奏者能够实现“Bebung”（颤音或揉弦）的技术，这是巴洛克键盘乐中最为私密和人性化的表达方式之一。本章细致描绘了这种“触摸感”如何影响了早期奏鸣曲和幻想曲的创作。我们对比了不同制造商的金属件规格，论证了哪怕是最小的弦槌角度变化，也如何重塑了音乐的“呼吸感”。 三、管风琴的建筑结构：呼吸的尺度 管风琴是巴洛克时期最宏大的乐器，其复杂性堪比一座小型工厂。本书将管风琴视为一种“声学建筑”，分析了不同类型的音栓（如簧管、辅音管）在音色光谱中的位置。我们着重探讨了“普雷斯塔特”（Prestant）与“胡普曼”（Hoppner）音栓的组合逻辑，以及如何利用气流的稳定性和压力变化来构建宏大的赋格结构。 --- 第二部分：指法与即兴的迷宫（约550字） 巴洛克音乐的记谱法往往是“骨架”，而指法和即兴演奏则是填充血肉的关键。本部分侧重于“如何弹奏”而非“弹什么”。 一、指法理论的地理差异：从意大利到德国的迁移 早期的键盘指法原则与现代截然不同。我们查阅了弗雷斯科巴尔迪、库普兰以及后来的C.P.E.巴赫留下的教学材料，绘制了不同学派在“拇指使用限制”上的演变轨迹。例如，意大利学派倾向于利用手指的自然跨度，而法国学派则更依赖于快速的手部移动和装饰音的内化。本书提供了大量的“指法复原”实例，展示了特定的琶音和音阶片段在当时是如何被处理的，这直接影响了乐句的连贯性和音色的密度。 二、即兴的“即时创作”：装饰音、变化与连结 巴洛克乐谱中的许多装饰音（如颤音 Trill、回音 Mordent）并非必须完全遵照符号演奏，它们更多是演奏者对音乐织体进行即时“修饰”的许可。本章深入分析了“重复的装饰音”（Repeated Notes）在巴赫键盘作品中的功能，以及如何在赋格的各个声部交汇处，即兴加入连贯的“填充音”（Fill-in Notes）。 我们特别关注了“持续低音”（Basso Continuo）在键盘上的实现方式。键盘手（通常是羽管键琴或管风琴）如何根据和声指示，实时地构建出复杂的和声层级？这要求演奏者必须具备深厚的和声学知识和快速的思维反应，这是一种超越记谱阅读的“听觉想象力”。 三、节奏的弹性：量化与非量化的边界 巴洛克时代的节奏并非如今日般严格的节拍器式均匀。本章探讨了“韵律性”（Rhythmicity）在不同体裁中的体现： 1. 舞曲：强调明确的重音和固定的步态，要求严谨的节拍感。 2. 慢板乐章/幻想曲：允许“呼吸空间”，演奏者利用极细微的时值拉伸来强调特定音符的情感重量。 我们通过分析早期演奏录音（基于特定学派的实践模仿），试图重构那种“稍纵即逝”的节奏自由度，这种自由度是现代演奏中常常被忽略的细节。 --- 第三部分：体裁的边界与实践的交汇（约500字） 键盘乐在巴洛克时期承载了多种音乐功能，从纯粹的音乐游戏到神圣的仪式。 一、托卡塔与幻想曲：声音的自由奔放 托卡塔（Toccata）意为“触摸”，是键盘演奏技巧的试金石。这些作品往往结构松散，充满了炫技的跑动、急速的和弦分解和戏剧性的停顿。本书将托卡塔视为作曲家与乐器之间进行的一场“对话”，而非线性的叙事。我们分析了马雷西奥、布克斯特胡德等作曲家如何利用快速音型来展现琴键的“触觉反馈”，以及如何通过突然的力度变化（通过切换键盘或音栓）来营造戏剧高潮。 二、组曲：舞蹈的程式化与个性化 巴洛克组曲（Suite）是键盘音乐中最结构化的形式之一，通常由四种核心舞曲（快板、萨拉班德、小步舞曲、吉格）组成。本书侧重于不同地域对舞曲的“风格化”处理。例如，法国组曲中高度装饰化的萨拉班德（Sarabande）是如何在缓慢的节奏中蕴含着深刻的情感张力，以及如何通过微妙的休止符来塑造其特有的沉思氛围。 三、赋格：对位逻辑的极致展示 赋格（Fugue）是巴洛克键盘音乐在对位技巧上的最高成就。本书不侧重于对位理论的解释，而是关注赋格的“演奏性”。我们分析了如何通过精妙的力度控制和清晰的指法分配，使得多个独立的声部在同一乐器上得以清晰分离，避免“混浊”。例如，在C.P.E.巴赫的某些赋格中，主题的快速模仿要求演奏者必须采用极为紧凑的、几乎是机械化的指法来确保连贯性。 结语：重拾对“技术”的敬畏 《尘封的旋律：巴洛克时期键盘乐的呼吸与结构》试图提醒听众和演奏者：巴洛克键盘音乐的魅力，不在于其表面的华丽，而在于其严谨的物理限制与演奏者在这些限制中榨取出的无限人性光辉。它要求我们超越现代钢琴的舒适区，去重新理解那一代人如何用有限的工具，创造出无限广阔的听觉世界。这是一部关于“如何做”的考察，是对那些被时间掩盖的精湛技艺的致敬。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的写作方式让我感到非常惊喜，它没有采用那种堆砌概念、论证繁杂的传统学术模式，而是更侧重于引发读者的思考和感悟。作者在书中抛出了一系列关于音乐本质、音乐体验以及音乐与人类情感、社会文化之间关系的深刻问题，并尝试从不同的角度给出解读。我印象最深刻的是书中关于“音乐的非语言性”的讨论，作者是如何解释音乐能够在不依赖具体词语的情况下，直接触动我们的灵魂，唤起我们内心深处的情感体验，这让我对音乐的神秘力量有了全新的认识。书中的许多例子都非常贴切，让我能清晰地感受到理论的实际应用。我尤其喜欢作者在讨论不同作曲家的作品时，所流露出的那种发自内心的赞叹和对音乐美的敏锐捕捉，这种热情极具感染力，也促使我更加积极地去探索那些未曾接触过的音乐领域。阅读的过程就像是在与一位博学而又充满激情的音乐同伴交流，让我受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的让我耳目一新！我一直对音乐有着浓厚的兴趣，但总感觉自己停留在“听”的层面，对于音乐背后那些深邃的哲学和美学理论知之甚少。《音乐美学引论》这本书就像一扇窗，为我打开了通往音乐更深层理解的大门。作者用一种非常易懂且引人入胜的方式，将那些原本可能枯燥的理论变得生动起来。我特别喜欢书中对不同音乐流派美学特征的分析，比如古典时期的和谐与均衡，浪漫时期的情感宣泄与个人表达，以及现代音乐对声音本身和结构的探索。这些分析不仅仅是理论的陈述，更是结合了具体的音乐作品实例，让我能边读边在脑海中勾勒出音乐的画面，甚至能够跟着文字去想象那些乐句是如何构建其独特的审美价值的。读完之后，我再回过头去听那些熟悉的旋律，感觉完全不一样了，仿佛能听到音乐背后隐藏的更多意义和情感。这本书极大地丰富了我对音乐的感知，让我不再仅仅是被动地接受声音，而是能够主动地去分析、去欣赏、去感受音乐所传达的美。

评分☆☆☆☆☆

这绝对是一本能够改变你聆听音乐方式的书。我原本以为音乐美学是一门高高在上的学科，但这本书用一种非常亲切、生活化的语言，将那些复杂的概念解释得明明白白。作者在书中反复强调音乐不仅仅是声音的集合，更是人类情感和思想的载体。我特别喜欢书中关于“音乐的结构与形式”的论述，作者是如何将复杂的乐曲结构拆解开来，让我们理解每一个部分是如何与整体相呼应，从而构成一个完整的审美体验。比如，对于奏鸣曲式的分析，让我不再只是听到乐章的开头和结尾，而是能够理解其中主题的发展、对比以及最终的回归是如何营造出一种动态的美感。这本书也让我认识到，音乐的欣赏并非一蹴而就，它需要一种开放的心态和持续的探索。读完这本书，我感觉自己对音乐的理解能力有了质的飞跃，也对未来如何更深入地欣赏音乐充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这本书给我带来了非常深刻的阅读体验，它成功地将抽象的音乐美学理论与具体的音乐实践紧密结合。作者在书中不仅仅是介绍理论，更重要的是引导读者去“感受”音乐的美。我特别喜欢书中关于“音乐的情感表现力”这一部分的分析，作者详细阐述了不同音乐元素（如旋律的起伏、和声的色彩、节奏的变化）是如何共同作用，来塑造和表达音乐中丰富的情感层次，从喜悦到悲伤，从宁静到激昂，都仿佛在书中被具象化了。读完之后，我再去聆听一些乐曲，会不自觉地去留意那些细节，去分析它们是如何达到这种情感效果的。这本书极大地拓宽了我对音乐的理解维度，让我从一个被动的听众，逐渐成长为一个能够主动分析和欣赏音乐内在美的鉴赏者。它不只是提供知识，更重要的是点燃了对音乐更深层次探索的热情。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本书的时候，本以为会是一本晦涩难懂的学术专著，但出乎意料的是，它的语言风格异常流畅自然，仿佛一位经验丰富的音乐教师在娓娓道来。作者在书中并没有一开始就抛出那些高深的术语，而是循序渐进地引导读者进入音乐美学的世界。我特别欣赏书中关于“音乐的意义”这一部分的探讨，它打破了我以往对音乐“无意义”的固有观念。作者通过分析音乐的结构、节奏、旋律、和声等元素，是如何组合在一起，从而引发听众内心深处的共鸣和情感反应，让我深刻体会到音乐并非只是单纯的声音堆砌，而是能够承载并传递复杂情感和深刻思想的艺术。书中对不同时代音乐家们在美学上的追求和探索的梳理，也让我对音乐史有了更宏观和深入的认识。我感觉自己像是经历了一场跨越时空的音乐哲学之旅，每翻一页，都能发现新的启发。这本书不仅提升了我鉴赏音乐的能力，更重要的是，它让我对“美”有了更广阔的理解，并将这种理解延伸到了生活的其他方面。