外国作曲家中国器乐作品系列 芮笛诗琵琶作品 中国音乐素音乐作品 琵琶曲谱 美 芮笛诗作曲 中央音乐学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810967686

商品编码：29867553350

丛书名： 外国作曲家中国器乐作品系列 芮笛诗琵琶作品选

出版时间：2016-10-01

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《古韵新声：西方音乐语汇与中国传统乐器的对话》 内容概述 本书深入探讨了二十世纪以来，西方音乐的创作技法，如序列主义、电子音乐、偶然音乐等，是如何与中国传统乐器（特别是琵琶、古筝、二胡等）的演奏技艺和音响美学相结合的，并在此过程中催生出具有独特时代烙印的音乐作品。本书旨在构建一座跨越文化与音乐体系的桥梁，分析中国作曲家如何在吸收西方现代音乐理论的基础上，坚守和发展民族音乐的内核。 全书共分为六个章节，不仅聚焦于成熟的篇章，更着眼于早期的探索与未来的发展趋势。 第一章：二十世纪音乐思潮的输入与本土化 本章追溯了二十世纪上半叶，西方音乐思潮如何通过留学归国的音乐家群体进入中国音乐界。重点分析了十二音体系、自由无调性以及音高与音色概念的转变，如何首先冲击了传统的五声音阶与宫调体系。随后，探讨了中国作曲家如何“选择性吸收”这些技术，例如，如何将十二音体系的结构思维融入到对传统曲牌的解构与重构中，而非简单地进行嫁接。讨论了早期如江文也、谭抒真等作曲家在这一转型时期的理论思考与实践案例。 第二章：琵琶的现代语汇探索 本章专注于琵琶这一标志性乐器的技术革新。传统的琵琶演奏技法，如“轮、扫、挑、抹”等，被置于新的声学框架下进行审视。书中详述了作曲家们如何拓展琵琶的音域限制，引入揉弦的极速变化、左手按音的微音程处理（即对“泛音”与“颤音”的精细控制），以及对“噪音”与“特殊效果音”的系统化运用。通过对多个中外作曲家创作的琵琶独奏曲的深度谱例分析，展示了如何利用指甲与弦接触的角度、力度变化，模拟电子合成器的音色质感，或创造出前所未有的空间性音响。重点剖析了如何通过对传统“散板”与“过门”的结构化处理，构建起符合现代听觉习惯的音乐形式。 第三章：复调思维与民族和声的重构 本章聚焦于复调音乐理论在中国器乐领域的应用。传统中国音乐以旋律和织体（Texture）为核心，对严格意义上的对位法、赋格结构相对陌生。本书深入分析了当代作曲家如何将巴赫式的复调思想，应用于多声部、多乐器的合奏作品中。例如，如何让多把二胡分别演奏不同节奏型、不同音高的动机，以达到类似卡农或赋格的效果，同时又不失中国器乐特有的旋律线条感。此外，探讨了将西方和声学中的“功能和声”概念，转化为基于中国传统“调式”的“色彩和声”或“和声游走”，以实现既有西方色彩又保持民族底色的听觉效果。 第四章：电子媒介与民族乐器的融合实验 本章关注电子技术，特别是磁带音乐和计算机辅助音乐，如何拓宽了民族乐器的表现疆域。书中详细介绍了早期磁带拼贴技术（Tape Music）如何被用来对传统乐器录音进行拉伸、倒放、滤波和叠加，以创造出“非演奏性”的音响景观。同时，对实时电子处理技术（Live Electronics）的运用进行了细致梳理，分析了如何通过效果器链（Effects Chain）实时改变二胡、笛子、古筝的音色，使其在交响乐队或室内乐中占据独特的位置。本章还辨析了“电子音乐”与“民族音乐的电子化处理”之间的创作哲学差异。 第五章：体态音乐与空间布局 本章转向后序列主义和空间音乐（Spatial Music）对中国器乐创作的影响。作曲家开始关注声音在物理空间中的移动和分布，而不仅仅是时间轴上的线性展开。书中分析了如何通过将演奏者分散布置于音乐厅的不同区域，利用声音的延迟、回响和相互作用，来营造一种沉浸式的“声场”。对于独奏曲，也探讨了如何通过演奏者的肢体动作、眼神交流，将演奏本身转化为一种具有视觉和空间意义的表演艺术。这与中国传统戏曲中强调身段和舞台调度有异曲同工之妙，但引入了更严格的数学和空间计算模型。 第六章：理论前沿与未来展望 本书的最后部分展望了民族器乐创作的未来方向。探讨了“不确定性”和“偶然性”在当代创作中的地位，以及如何将这些哲学概念与中国传统文化中的“虚实相生”、“留白”美学进行对接。此外，还审视了人工智能（AI）在辅助民族乐器曲谱生成、演奏法模拟方面的潜力与伦理边界。总结了在新时代背景下，如何在全球音乐语境中，提炼出具有强大生命力的中国当代器乐风格，确保其既是“中国的”，也是“世界的”。 本书以严谨的学术分析结合大量的谱例和个案研究，力求为音乐理论家、演奏家、作曲家以及所有对当代中国音乐感兴趣的读者，提供一份全面而深入的参考资料。全书论述清晰，结构严谨，避免了空泛的赞美，而是着重于技术层面的探讨与实践的展示。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排体现了一种非常流畅的逻辑性，它没有采用简单的时间顺序或地域划分，而是巧妙地围绕“主题”和“技法演变”来组织章节。这种叙事方式让阅读过程充满了探索的乐趣，仿佛跟随一位经验丰富的向导，逐步揭开不同作品之间的内在联系。比如，它在分析A作品时埋下的伏笔，总能在后续的B作品中得到呼应和深化，这种前后照应的设计，极大地增强了阅读的粘性。我很少读到如此注重内部结构逻辑的学术性出版物。当然，对于那些只希望快速查找特定曲目信息的读者来说，可能初次阅读时需要花点时间去适应这种非线性的组织方式，但一旦沉浸其中，便会体会到作者构建的知识迷宫的精妙之处。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种典雅又不失现代感的风格，拿到手上就有一种庄重感。封面选用的材质手感很棒，即便是作为收藏品放在书架上也显得很有品位。我特别喜欢它在版式上的处理，字体的选择和行距的安排都非常考究，阅读起来丝毫没有压迫感，反而让人心境平和。尤其是那些乐谱的排版，非常清晰易读，即使是初学者也能很快找到重点，这对于学习古典音乐作品来说至关重要。整个设计团队显然是下了大功夫的，每一个细节都透露出对音乐艺术的尊重。不过话说回来，内页的纸张如果能再厚实一点点，可能在翻阅时会更加耐用，但总体来说，这已经是一本兼具艺术价值和实用性的精品了。希望未来能有更多同系列的作品能延续这种高水准的视觉呈现。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年混迹于音乐会现场的听众，我常常感叹，许多精彩的器乐作品，一旦脱离了演奏者的演绎，就仿佛失去了灵魂。这本书的价值就在于，它成功地将“听觉的体验”转化为“文字的指引”。它没有生硬地罗列技术要点，而是用一种近乎诗意的语言，描述了演奏者在面对这些作品时应有的情感投射和技术处理的微妙之处。比如，它对某个特定段落中“气息的把握”的描述，简直让我有身临其境之感。这对于提升我们欣赏音乐的能力非常有帮助，让我们知道应该“听什么”以及“怎么听”。如果这本书能附带一个二维码链接到一些权威的示范录音对比分析，那就更完美了，那样理论与实践的结合将是无懈可击的。

评分☆☆☆☆☆

从我个人的学习角度来看，这本书的实用性是毋庸置疑的。它不仅仅是提供了一种理论框架，更重要的是，它提供了一套可操作的学习路径。作者在讲解完一个复杂的演奏技巧后，总会立刻关联到相关的练习方法和注意事项，这对于我们这些希望将书本知识转化为实际演奏能力的学习者来说，简直是雪中送炭。我尝试着根据书中的建议调整了我近期练习的一个难点，效果立竿见影。让我特别欣赏的是，作者在强调技术训练的同时，从未忘记提醒读者保持对作品原意的尊重和对个人情感的真诚表达。这本书真正做到了“授人以渔”，让读者在学习具体作品的同时，也掌握了更通用的音乐学习方法论，是音乐学习者案头不可多得的工具书。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐史，尤其是跨文化音乐融合非常感兴趣的业余爱好者，这本书从内容深度上来说，确实给我带来了不少启发。作者对于不同文化背景下的音乐元素如何相互影响、最终形成独特风格的论述，展现了深厚的学术功底。它不仅仅停留在对作品表面的介绍，而是深入挖掘了创作背后的时代背景和社会思潮，这种宏观视角让我对那些看似陌生的旋律有了更深层次的理解。特别是那些关于和声与调式的比较分析，写得非常透彻，即便是没有受过专业音乐理论训练的人，也能通过作者精妙的比喻把握其核心。唯一让我觉得可以加强的，或许是在引用文献的广度上，如果能再纳入一些来自不同语种的权威研究，那其论证的全面性会更上一层楼。但就目前呈现的成果而言，它无疑为研究该领域提供了一个极佳的起点。