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出版社： 1

ISBN：5189879378580

商品编码：29867480468

 

商品名称：	游戏设计应试技巧
作者：	赵贵胜 编著
市场价：	36元
ISBN号：	9787552311051
出版社：	上海音乐出版社
商品类型：	图书

 

图书简介：色彩的语境：现代艺术中的视觉语言与审美思潮 本书并非专注于应试技巧或特定联考的应试指南，而是深入探讨现代艺术领域中色彩作为核心视觉语言的演变、功能及其背后的哲学与社会语境。 --- 第一部分：色彩的本体论：从物理到感知 本书开篇立足于色彩的科学基础，但迅速转向其在艺术实践中的主观建构。 第一章：光谱之外的意义 本章细致梳理了自牛顿以降，对光和色彩的理解如何被艺术家借鉴与颠覆。我们探讨的重点在于：色彩如何脱离其物理属性，成为一种纯粹的符号或情感载体。分析了早期印象派对光影瞬间捕捉的尝试，以及后印象派（如塞尚对结构色彩的探索）如何为现代抽象艺术铺平道路。不涉及任何应试的色彩搭配技巧或临摹要求，而是聚焦于艺术家如何“构建”他们的色彩世界。 第二章：感知的边界与心理投射 深入研究色彩心理学在艺术史中的应用。不同文化背景下，红色、蓝色、黄色所承载的集体潜意识和文化编码被详细剖析。例如，梵高作品中强烈的黄与蓝的对比，并非为了“美观”，而是他内心精神状态的直接投射。本章运用非应试性的分析方法，探讨色彩在表现主义（如基弗的土地色调）和象征主义（如红月亮、绿色的忧郁）中的功能，强调色彩的“情感重量”而非“视觉准确性”。 --- 第二部分：现代主义的色彩革命：脱离模仿 本部分着重于20世纪初期，艺术观念的根本转变如何彻底释放了色彩的自主性。 第三章：野兽派的解放与色彩的独立性 野兽派（Fauvism）的出现标志着色彩首次被完全剥夺了对自然形体的义务。马蒂斯和德兰的作品被视为案例研究，分析他们如何使用非写实的、纯粹强烈的色彩来表达情感的直接冲击力。本书关注的不是如何调配出“马蒂斯红”，而是分析马蒂斯对色彩饱和度和并置的理论思考，以及这种激进的色彩选择如何挑战了既有的学院派审美规范。 第四章：抽象的诞生：从立体主义到几何构成 我们探究了立体主义如何将色彩降维处理，使其成为解构物体的辅助工具，以及构成主义和至上主义如何将色彩推向纯粹的几何平面。康定斯基的“精神的黄”与马列维奇的“黑底上的白方块”构成鲜明对比。本书的重点是分析色彩如何在抽象艺术中承担起“空间组织者”和“纯粹形式”的角色，探讨蒙德里安如何通过三原色的严谨布局来实现一种宇宙和谐的哲学愿景。 第五章：色彩的流动性：抽象表现主义的现场 本章聚焦于二战后美国艺术的转向。探讨纽曼（Newman）的“场域绘画”（Color Field Painting）如何将画布转化为单一、沉浸式的色彩体验。我们分析了罗斯科（Rothalis）模糊边界的色块如何引导观众进入一种冥想状态。与应试教学中对笔触的精细分析不同，本书关注的是如何通过大面积色彩的晕染和渐变，建立起一种与观看者个体经验深度对话的“在场感”。 --- 第三部分：后现代语境下的色彩：挪用、解构与反思 进入后现代阶段，色彩的概念变得更加复杂，它与媒介、消费文化以及身份政治紧密交织。 第六章：波普艺术与复制的色谱 本书分析了安迪·沃霍尔和李奇登斯坦如何挪用商业印刷的色彩模式——特别是网点（Ben-Day dots）和高饱和度的丝网印刷色。讨论的焦点是：当色彩可以被无限复制且不再需要艺术家亲手调配时，其“原创性”的价值何在？这部分内容对比了传统的手工技艺与工业化生产带来的美学挑战。 第七章：身份政治与色彩的编码 探讨当代艺术家如何利用色彩来讨论社会议题，特别是关于种族、性别和全球化的话题。例如，分析一些艺术家如何故意使用“丑陋”或“被排斥”的色彩组合，以对抗主流审美对“和谐”的定义。这部分内容超越了单纯的技术应用，深入到文化批评层面，审视色彩在当代艺术中作为政治宣言的潜力。 第八章：数字时代与人造光影 本书的终章展望了在数字屏幕和虚拟现实日益主导的时代，色彩的物理性正在消融。我们审视了那些关注电子屏幕发光（Emitted Light）的艺术家，以及他们如何处理RGB色域与传统颜料色域之间的鸿沟。这要求艺术家重新定义“调色板”，将对光线的理解置于对颜料的理解之上。 --- 本书的受众是渴望理解现代艺术思潮、拓宽视觉文化视野的严肃艺术爱好者、艺术史学生以及寻求理论深度的创作者。它不提供任何“速成秘籍”或“考点解析”，而是致力于提供一个全面的、批判性的框架，用以解读过去一百年来，色彩如何在艺术家的手中，完成了从描摹工具到独立哲学的蜕变。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对着市面上那些厚得像砖头的教材已经产生了审美疲劳。它们往往涵盖了从素描基础到色彩理论的方方面面，内容详实到让人望而生畏，根本没法在考前冲刺阶段高效利用。我真正需要的，是一种高度精炼、直击联考核心考点的内容结构。这本书的书名让我嗅到了一丝“效率至上”的气息。我希望它能像一个高效的复习导航仪，明确告诉我哪些知识点是每年必考的“高频词”，哪些是拉开分差的“制胜点”。例如，在创意速写或设计基础这类考察综合能力的科目上，作者能否提供一套成熟的“模板化”思考路径，让我们在面对陌生命题时，能迅速套用进去并进行个性化填充，从而避免思路混乱。我尤其关注它在“时间分配”和“答题规范”上的论述。美术考试的流程管理极其严苛，一秒钟的犹豫都可能导致最终完成度的不理想。如果这本书能像一份详细的考试SOP（标准作业程序），指导我们从打草稿到最终落笔的每一步骤，那就太棒了。

评分☆☆☆☆☆

作为一名正在备战艺术高考的考生，我深知“考纲”之外的“潜规则”才是决定性的。市面上的教材大多是学院派的、学术性的，它们教你如何成为一个“好的美术家”，而不是一个“会考试的美术生”。这本书的定位似乎更偏向后者，这让我非常好奇它具体是如何平衡“艺术性表达”与“应试标准”的。我希望它能深入剖析阅卷老师的评分偏好，比如在某些特定的命题下，他们更青睐哪种视觉语言？是更偏向于古典的严谨，还是现代的夸张？如果它能提供一些不同风格的优秀范例，并辅以详细的“高分点解析”，告诉我们这些作品是如何精准命中评分标准的，那将是极具参考价值的。我对那些“只可意会不可言传”的临场发挥技巧特别感兴趣，比如如何通过调整画面重心或用光影突出主题，来快速获得视觉冲击力，这些都是书本理论里往往不会深入探讨的“江湖经验”。

评分☆☆☆☆☆

我最近在做真题时遇到一个瓶颈：总是在“创意发挥”和“基础扎实度”之间找不到平衡点。比如，一个命题要求表现“城市生活”，我画得很写实，但可能因为缺乏创意而被判为平庸；可如果我一味追求概念，却可能因为造型或透视上的硬伤而失分。这本书的“艺术高考联考”和“报考教材”的组合标签，让我对它的内容跨度抱有极高的期待。我希望它能提供一套动态的、可调节的备考策略。例如，在基础薄弱的阶段，应侧重于哪些基础知识点的强化记忆和训练；而在冲刺阶段，又该如何将这些基础能力迅速转化为符合联考要求的表现形式。我尤其想知道，它对不同省份的联考风格是否有做区分。毕竟，不同地区的艺术院校在考察重点上会有微妙的差异。如果这本书能提供一个“全国联考通用模板”，并附带一些“区域性侧重调整建议”，那简直是为我量身定做的“通关秘籍”。

评分☆☆☆☆☆

从书名来看，这本书似乎聚焦于一个非常垂直的市场——那些急需在短时间内提升联考成绩的学生。我关注的重点在于“教程”的实用性和可操作性。我希望它不是那种只能远观不能亵玩的理论集合，而是一本真正能伴随我从早晨开始练习到晚上复盘的“工具书”。我非常需要那种步骤清晰、图文并茂的实操指南，而不是大段的文字描述。特别是对于色彩和设计类科目，清晰的步骤分解至关重要。比如，一个复杂的设计构图中，如何用最快的速度确定视觉焦点？如何选择最能烘托气氛的颜色组合，而不是陷入无休止的色彩实验？如果这本书能在每个章节末尾附带一个“考场自检清单”，指导我们在交卷前快速检查是否存在低级错误（比如签名遗漏、画面边缘处理不当等），那将是极大的加分项。我期待它能帮助我把那些模糊的“感觉”转化为可以被量化和重复执行的“流程”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计感十足，色彩搭配既有视觉冲击力又不失专业性，一看就是那种能让人安心捧在手心里的“干货”。我之前参加过好几次设计相关的考试，深知考前心态和时间管理的重要性，很多时候画技不是最主要的瓶颈，反而是如何在有限时间内清晰、完整地表达设计思路成了拦路虎。我特别期待这本书能在“应试技巧”这个核心点上，给我提供一些不同于传统美术教程的、更具针对性的策略。比如，如何快速捕捉命题意图，如何在草稿阶段就构建出清晰的画面逻辑，以及如何运用色彩和构图在短时间内最大化地抓住阅卷老师的眼球。很多教程只会教你“怎么画”，但这本名字里带有“应试”二字的，想必会更侧重于“如何考好”。如果它能提供一些历年真题的解构分析，哪怕只是思路框架的示范，对我来说都是无价之宝。期待它能像一位经验丰富的老前辈，直接指出那些能让你分数飙升的“小窍门”，而不是泛泛而谈的美术理论。我更看重的是那种直击痛点的、能在考场上立刻被转化成实际操作步骤的建议。