正版乐理知识五线谱 乐谱 线谱子 乐理初学 上海音乐

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店铺: 海源阁图书专营店
出版社: 上海音乐学院出版社
ISBN:9787806677742
商品编码:29867413306
丛书名: 乐理知识五线谱本
开本:16开
出版时间:2005-10-01

具体描述

 

一、五线谱
二、高音谱号和低音谱号
三、常用谱表
四、常用音符(一)——全音符、二音符、四分音符
五、常用音符(二)——八分音符、十六分音符、三十二分音符
六、休止符(一)——全休止符、二分休止符、四分休止符
七、休止符(二)——八分休止符、十六分休止符、三十二分休止符
八、附点音符
九、附点休止符
十、音名与唱名(在高音谱表中)
十一、音名与唱名(在低音谱表中)
十二、首调唱名法
十三、固定唱名法
十四、键盘图示
十五、拍号
十六、小节线与终止线
十七、三连音
十八、切分音
十九、半音
二十、全音
二十一、变音记号(一)——升记号
二十二、变音记号(二)——降记号
二十三、变音记号(三)——重升记号
二十四、变音记号(四)——重降记号
二十五、变音记号(五)——还原记号
二十六、升号调
二十七、降号调
二十八、大调音阶
二十九、小调音阶
三十、音程
三十一、音程度数
三十二、三和弦
三十三、民族调式中的五声调式(一)——宫调式、商调式
三十四、民族调式中的五声调式(二)——角调式、微调式、羽调式
三十五、装饰音(一)——单倚音、复倚音
三十六、装饰音(二)——上波音、下波音
三十七、装饰音(三)——颤音、琶音
三十八、常用记号(一)——连线音、圆滑线
三十九、常用记号(二)——呼吸记号、重音记号、倍重音记号、保持音记号、跳音记号
四十、常用记号(三)——延长记号、八度记号
四十一、常用记号(四)——反复记号、反复跳越记号
四十二、常用记号(五)——从头反复记号、中途反复记号、省略记号
四十三、速度记号(一)——渐快、渐慢、减慢减弱、加原速、减弱、渐强
四十四、速度记号(二)——庄板、广板、慢板、柔板
四十五、速度记号(三)——行板、小行板、中板、小快板、快板、急板
四十六、力度记号
四十七、表情术语(一)——轻快的、强调的、切的、如歌的
四十八、表情术语(二)——柔和的、优雅的、激动地、连贯的

 

 

用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。连谱号包括起线(连结数行五线谱的垂直线)和括线(连结数行五线谱的括弧)两个组成部分。括线分花的和直的两种。花括线为钢琴、风琴、手风琴、竖琴、扬琴、琵琶等乐器记谱使用。直括线为合奏、合唱、乐队记谱用。在总谱中用直括线来连接同为乐器,把它们分成**的或不*全的乐器组。有时在直括线之外还加上辅助括线(花的或直的)来连接同种乐器。在总谱中,独唱独奏声部如果只包括一两行五线谱的话,左边只画一条起线,而不加括线。为了标记过高或过低的音,在五线谱的上面或下面还要加上许多短线,这些短线叫做加线,在五线谱上面的叫上加线,下面的叫下加线。由于加线而产生的间,叫做加间,在五线谱上面的加间叫上加间,下面的叫下加间。加线和加间的计算方法是:上加线和上加间,由下向上计算,下加线和下加间由上向下计算。

 

 

             用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间,都自下而上计算的。假使音乐作品是写在数行五线谱上,那么,这数行五线谱还要用连谱号连结起来。连谱号包括起线(连结数行五线谱的垂直线)和括线(连结数行五线谱的括弧)两个组成部分。括线分花的和直的两种。花括线为钢琴、风琴、手风琴、竖琴、扬琴、琵琶等乐器记谱使用。直括线为合奏、合唱、乐队记谱用。在总谱中用直括线来连接同为乐器,把它们分成**的或不*全的乐器组。有时在直括线之外还加上辅助括线(花的或直的)来连接同种乐器。在总谱中,独唱独奏声部如果只包括一两行五线谱的话,左边只画一条起线,而不加括线。为了标记过高或过低的音,在五线谱的上面或下面还要加上许多短线,这些短线叫做加线,在五线谱上面的叫上加线,下面的叫下加线。由于加线而产生的间,叫做加间,在五线谱上面的加间叫上加间,下面的叫下加间。加线和加间的计算方法是:上加线和上加间,由下向上计算,下加线和下加间由上向下计算。

 


好的,以下是一本不包含“正版乐理知识五线谱 乐谱 线谱子 乐理初学 上海音乐”内容的图书简介,内容力求详实,旨在描绘另一本不同主题的音乐书籍: --- 《巴洛克时期键盘音乐的风格演变与演奏实践》 引言:回溯键盘音乐的黄金时代 本书聚焦于音乐史上一个至关重要且魅力无穷的时期——巴洛克(Baroque)时期,即大致从1600年至1750年间的音乐发展。这个时代不仅是复调音乐艺术的巅峰,更是现代键盘乐器——大键琴(Harpsichord)、维吉尼亚琴(Virginal)和管风琴(Organ)——技艺与曲目积累的黄金时期。本书旨在深入剖析巴洛克键盘音乐在不同地域、不同作曲家手中的风格差异、技术革新及其对后世音乐的深远影响,并结合当代的演奏实践,为学习者和研究者提供一个多维度的视角。 第一部分:巴洛克键盘音乐的土壤与工具 在探讨具体的音乐作品之前,理解其诞生的时代背景和所依赖的乐器至关重要。本部分首先概述了17世纪欧洲社会、宗教和宫廷文化对音乐创作的影响,特别是宗教改革与反宗教改革思潮如何塑造了不同的音乐形态。 随后,我们将详细考察巴洛克时期主要的键盘乐器。大键琴的结构、音色特点以及其在室内乐和独奏中的地位被细致分析。管风琴部分则侧重于其在教堂礼拜仪式中的功能性,以及不同地区管风琴构造的差异。我们还将探讨当时记谱法的发展,特别是数字低音(Basso Continuo)在键盘演奏中的核心作用,以及如何根据早期的不完整记谱法推演出完整的和声结构。 第二部分:地域性风格的精妙对比 巴洛克音乐并非铁板一块,不同国家和学派形成了鲜明而独特的风格。本书着重对比了以下几个核心区域的键盘音乐特色: 1. 意大利学派:即兴与炫技的火焰 意大利,特别是威尼斯和那不勒斯,是大键琴音乐的发源地之一。我们重点研究了帕塞里尼(Pasquini)和斯卡拉蒂(D. Scarlatti)的作品。斯卡拉蒂的单乐章奏鸣曲以其对节奏的巧妙运用、急剧的调性对比和炫技性的双手交错技巧而闻名。本章将详细分析其如何通过单一乐章的结构来体现巴洛克精神,并剖析其独特的和声语言。 2. 德意志学派:严谨的结构与深刻的灵性 德意志的键盘音乐达到了结构上的顶峰,这主要归功于布克斯特胡德(Buxtehude)以及后来的巴赫(J.S. Bach)。本部分将深入探讨赋格(Fugue)这一体裁的构造逻辑,从主题的呈示、应答、插部到光彩夺目的辉格段。尤其对巴赫的《平均律键盘曲集》和《哥德堡变奏曲》进行了细致的对位分析,阐释其如何将数学般的精确性与深刻的宗教情感完美融合。我们还将探讨管风琴托卡塔与赋格的史诗性特征。 3. 法兰西学派:装饰的艺术与舞蹈的律动 法国的键盘音乐,尤其是在路易十四宫廷中发展起来的“键盘组曲”(Suite),强调华丽的装饰音和清晰的舞蹈节奏。库普兰(Couperin)的作品是这一风格的代表。本章将详细解析法国特有的装饰音记号——如颤音(Trill)、回音(Echo)和各种复杂的装饰手法——及其在演奏中体现的“优雅”原则。我们对比了法国组曲中舞曲乐章的固定节奏型(如萨拉班德的慢速与重音)。 第三部分:演奏实践与风格诠释 理论分析的最终目的是指导演奏。本书的第三部分专注于如何“听起来像巴洛克”。 1. 装饰音的实时创作与处理:巴洛克音乐大量依赖演奏者的即兴装饰。本章详细介绍了针对不同乐器(大键琴与钢琴)和不同体裁(快板与慢板)的装饰音处理原则。例如,在慢速的慢板乐章中,装饰音应当被视为旋律的延伸而非简单的附加物;而在快板中,则需精准且富有活力。 2. 触键与力度控制:由于大键琴的机械特性,其力度变化依赖于触键的精度而非力量的强弱。本节探讨了如何在现代钢琴上模拟巴洛克乐器的“颗粒感”和“清晰度”,以及如何通过音色变化而非传统的力度对比来表现音乐的层次。 3. 速度、节奏与弹性:巴洛克音乐对节奏的精确性要求极高,但同时也存在着“弹性节奏”(Tempo Rubato)的应用空间。我们参考了当时音乐理论家的论述,区分了什么是真正的节奏自由,什么是非法的情感过度诠释。特别是在三拍子舞曲中,对强弱拍的处理是体现风格的关键。 结语:巴洛克遗产的当代回响 本书最后总结了巴洛克键盘音乐如何为古典主义和浪漫主义的到来奠定了坚实的基础,特别是它在和声学、对位法和曲式结构上留下的不朽遗产。通过理解这些历史与技术的细节,演奏者和听众能够更深层次地欣赏到巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂等大师作品中蕴含的永恒智慧与非凡技艺。 目标读者: 键盘演奏专业的学生、音乐史研究人员、对早期音乐实践感兴趣的音乐爱好者。 ---

用户评价

评分

这本书的装帧设计和印刷质量,给我一种非常不协调的观感。我购买的是“正版”版本,但打开后,那种纸张的质感和油墨的味道,透露着一股廉价感,与它所标榜的“专业性”和“权威性”完全不符。更让人头疼的是,五线谱和乐谱部分的清晰度堪忧。在一些关键的小节,音符的黑白填充不够饱满,有时甚至会与谱线混淆,尤其是在打印较小的音符或复杂的节奏型时,辨识度极低。对于学习乐理的入门者来说,视觉上的准确性至关重要,错误的阅读习惯一旦养成,后期纠正起来非常困难。我不得不借助放大镜来反复确认某些音高和时值,这极大地分散了我对乐理知识本身的注意力。如果说乐理知识是内核,那么清晰的呈现方式就是载体,这个载体如果出了问题,再好的内容也会大打折扣。我期待一本关于乐理的书,能有教科书级别的印刷质量,让读者在阅读时可以完全信任屏幕上或纸面上的每一个符号,而这本教材在这方面显然是不合格的。我希望未来再版时,能在装帧和印刷工艺上进行彻底的革新,否则,它在市场上很难与那些注重排版和视觉体验的竞争者抗衡。

评分

作为一名有着多年业余学习乐理经验的爱好者,我抱着一丝希望翻开了这本带有“上海音乐”背景的乐谱线谱子教材,结果却发现它更像是一本面向特定音乐院校内部的资料汇编,而非面向广大社会读者的通用教材。书中对于某些高级理论的探讨深入是毋庸置疑的,比如对特定时期作曲家配器手法的分析,确实有些独到之处。然而,这种“深入”是以牺牲基础知识的连贯性和完整性为代价的。它似乎默认你已经掌握了所有的基础概念,然后直接跳入了一个只有专业人士才能理解的“语境”中去探讨。我花了很长时间试图理解其中关于调式关系的论述,但因为缺乏清晰的逻辑链条和足够的对比练习,我感觉自己像是在迷宫里绕圈。书中的术语使用也显得过于专业化,缺乏必要的解释和语境铺垫,这对于那些希望通过自学来提升乐理水平的读者来说,是极其不友好的。一本好的教材,应该像一位耐心的老师,引导学生逐步深入;但这本,更像是一位知识渊博的教授在进行一场不对外公开的学术讲座,虽然内容高端,但受众群体实在太过狭窄。我实在无法推荐它给那些希望系统学习五线谱和基础乐理的人,它更适合作为进阶研究的参考资料,而且需要读者本身就有强大的自学和背景知识储备。

评分

我尝试着从“实践应用”的角度去评判这本书,希望能找到一些关于“线谱子”如何应用于实际演奏的指导。然而,这本书给我的感觉更像是一本纯粹的理论词典,而非一本实用的音乐工具书。它罗列了大量的乐理规则和概念,比如音程的标记、和弦的构成原理等等,但鲜有将这些抽象知识与实际的演奏技巧或听觉训练联系起来的桥梁。比如,讲到某个复杂的变音记号时,它只是给出定义,却没有告诉我在键盘上或弦乐器上这个音听起来会产生何种效果,也没有提供相应的练习来帮助读者“内化”这个听觉概念。对于我这样偏爱“边弹边学”的学习者来说,这种纯理论的堆砌显得异常枯燥和脱节。我需要看到乐理知识是如何指导我理解一段旋律、如何帮助我即兴创作,而不是仅仅满足于背诵定义。它缺失了音乐学习中至关重要的一环——听觉与理论的结合,使得这些“正版乐理知识”看起来像是漂浮在空中的空中楼阁,缺乏扎根于音乐实践的土壤。我希望未来的版本能够增加更多的“听音练习指导”或“视奏片段分析”,让理论变得可触、可闻。

评分

最让我感到困惑的是这本书的整体叙事逻辑和知识的组织方式,它显得极其混乱且缺乏一致性。一会儿从最基础的音符时值讲起,突然间又插入了关于特定曲式结构的讨论,然后又跳回到对记号法的讨论。这种东拉西扯的结构,让读者很难建立起一个从点到面、从简单到复杂的完整认知地图。我翻阅了目录,试图理清它的脉络,但目录本身的设计也显得有些随意,分类标准不明确。例如,某些关于节奏的内容被放在了和声章节的后半部分,这在逻辑上是难以自洽的。读这本书需要极强的自我导航能力,读者必须自己在大脑中重构知识体系,才能勉强将这些零散的信息点串联起来。对于一个希望通过阅读来系统学习乐理的人来说,这种“碎片化灌输”的学习方式是效率最低下的。一本好的教材,其结构本身就是一种教学,它应该引导读者的思维,而不是迫使读者自己去搭建框架。这本书在这方面做得非常不到位,它更像是一个知识点的备忘录,而非一本精心编排的教学用书,使得我的学习过程充满了挫败感和方向迷失。

评分

这本号称“正版乐理知识”的书,着实让我这个乐理初学者摸不着头脑,简直是一场灾难性的阅读体验。我原本以为能从中找到清晰、系统的入门指导,毕竟书名中带着“初学”二字,可实际内容却是跳跃得厉害,像是一本把所有知识点一股脑塞进来的“大杂烩”。它似乎假定读者已经具备了一定的基础,上来就对着复杂的和声进行图解,什么转位、功能分析,讲得云里雾里,根本没有为我这个零基础的人搭建一个稳固的认知阶梯。更要命的是,它的图示和范例少得可怜,即便有,也显得年代久远,排版粗糙,看着就费劲。我对着那些密密麻麻的五线谱线谱子研究了半天,也搞不清楚作者到底想通过这些例子说明哪个具体的乐理概念。如果说乐理是盖房子,这本书给我的感觉就是直接扔了一堆砖头和钢筋,却没给任何施工图纸,让我这个想打地基的人无从下手。对于那些真正想从零开始学习乐理的人来说,这书与其说是知识的启蒙,不如说是知识的“劝退”。我强烈建议出版社考虑重新编排结构,增加循序渐进的练习和更现代的教学案例,否则它只会躺在书架上积灰,成为对“乐理初学”这个标签的巨大讽刺。我不得不承认,我买回来后,大部分时间都在网上找其他更友好的教程来弥补这本书留下的知识空白,这本书对我的帮助,可以说是微乎其微。

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